WOW!Photoshop终极CG绘画技法(第2版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨雪果编著著作 著

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店铺： 文轩网旗舰店

出版社： 电子工业出版社

ISBN：9787121312946

商品编码：13824104728

开本：16开

出版时间：2017-05-01

页数：416

字数：756000

作  者:杨雪果 编著 定  价:148 出 版 社:电子工业出版社 出版日期:2017年05月01日 页  数:416 装  帧:平装 ISBN:9787121312946 ●第1章 专业数字绘画工具Blur＇s Good Brush23
●一、Blur＇s Good Brush简介24
●二、Blur＇s Good Brush特色简介24
●三、Blur＇s Good Brush分类26
●四、Blur＇s Good Brush安装与使用29
●五、Photoshop绘画辅助功能介绍34
●第2章 General类画笔速查与运用39
●一、General画笔库分类速查与快速练习40
●二、作品《Concrete 7》创作分析52
●三、总结56
●第3章 Traditional类画笔速查与运用59
●一、Traditional画笔库分类查询与快速练习 60
●二、总结89
●第4章Mixer类画笔速查与运用91
●一、Mixer画笔库分类速查与快速练习92
●二、作品《共生》创作实例分析98
●三、Mixer画笔高级使用技巧103
●四、总结109
●第5章 Stylize类画笔速查与运用111
●一、Stylize画笔库分类速查与快速练习112
●部分目录

内容简介

本书是我社畅销图书《Photoshop CG绘画的艺术――Blur＇s Good Brush实用指南》的升级版。本书重新整理了Blur＇s Good Brush的相关内容，对部分实例进行了更新，并加入了有关笔刷设计的方法，让读者不仅学会用笔刷，还能根据自己的需求，设计自己的笔刷，让软件真正成为自己的得力工具。本书适合所有CG绘画爱好者。 杨雪果 编著 杨雪果，云南艺术学院副教授、动画系主任，云南省美术家协会青年艺术委员会委员、设计艺术委员会委员，云南动漫协会理事，Wacom专家委员会Wacom授权认证讲师，泰国东方大学艺术学院特聘专家。一直致力于CG绘画、电脑动画、民族工艺美术等学科的教育与研究。

《数字创意：从零开始的插画探索之旅》 引言： 在这个视觉信息爆炸的时代，插画艺术以其独特的魅力，在游戏、影视、广告、出版等诸多领域扮演着越来越重要的角色。从孩童时期触碰蜡笔的稚嫩涂鸦，到如今数字屏幕上栩栩如生的奇幻世界，插画的边界不断被拓展，其表达的可能性也日益丰富。本书并非专注于某一款软件的深度技巧，而是致力于为您打开一扇通往数字插画创作的广阔之门，引导您掌握一套系统性的、跨越软件界限的创作思维与实用技法。无论您是初学者，渴望将脑海中的奇思妙想转化为屏幕上的绚丽图像，还是有一定基础，希望进一步提升艺术表现力与专业技能的创作者，都能在这趟探索之旅中找到属于自己的宝藏。 第一章：数字绘画的基础认知与思维准备 在拿起画笔之前，扎实的基础至关重要。本章将带您深入理解数字绘画的核心要素，摒弃对“工具决定一切”的误区，建立起科学的创作流程与艺术观念。 数字绘画的魅力与挑战： 探讨数字绘画相较于传统媒介的独特优势，例如无限的撤销、图层叠加的灵活性、色彩的精确控制等，同时也分析了数字绘画可能遇到的挑战，如对硬件设备的要求、软件的学习曲线、以及如何在数字环境中保持创作的“温度”。 理解色彩的语言： 色彩是传递情感、塑造氛围的关键。本章将从色彩基础理论入手，讲解色相、饱和度、明度等概念，并探讨如何运用色彩搭配来营造特定的情绪和风格。我们将通过案例分析，展示不同色彩方案如何影响观者的感知，学习如何运用色彩心理学来增强作品的感染力。 光影的魔力： 光影是塑造体积感、空间感和真实感的灵魂。本章将深入解析不同光源（自然光、人造光、点光源、面光源等）的特性，以及它们在物体表面产生的明暗变化、投影和反光。您将学会如何观察和理解真实世界中的光影关系，并将其准确地运用到数字绘画中，赋予画面立体感和生命力。 构图的智慧： 构图是引导观众视线、组织画面元素、传达主题的重要手段。本章将介绍经典的构图法则，如三分法、黄金分割、S形构图、三角形构图等，并探讨如何根据内容和主题选择最合适的构图方式。我们还将学习如何通过前景、中景、远景的安排来营造空间深度，以及如何运用留白来突出主体，使画面更加引人入胜。 从观察到表现： 艺术源于生活，但高于生活。本章将强调观察力在插画创作中的重要性。您将学习如何通过细致地观察现实世界的物体、人物、场景，捕捉其形态、结构、材质和光影特征，并将这些观察转化为具有表现力的绘画元素。我们将介绍各种速写和写生方法，培养您敏锐的观察力和扎实的造型能力。 建立个人创作流程： 任何优秀的创作都离不开清晰的流程。本章将引导您梳理和建立属于自己的创作流程，从最初的灵感捕捉、概念构思、草图绘制，到细化、上色、调整，最终完成作品。我们将分享不同创作者的流程范例，帮助您找到最适合自己的工作模式，提高创作效率和作品质量。 第二章：人物形态与表情的塑造 人物是插画中最具表现力的元素之一。本章将聚焦于人物的造型、结构、比例以及情感表达，帮助您塑造出鲜活、有感染力的人物形象。 人体基本比例与结构： 无论风格如何，理解人体骨骼和肌肉的基本结构是塑造可信人物的基础。本章将从简化的人体骨架和肌肉群入手，讲解不同部位的比例关系，以及如何运用透视原理来表现人物的动态。 动态与姿态的捕捉： 静态的人物容易显得呆板，动态的姿态则能赋予人物生命力。您将学习如何观察和描绘人物的运动轨迹、重心转移，以及如何通过身体的弯曲、伸展来表现人物的情绪和性格。 五官的刻画与情感表达： 眼睛是心灵的窗户，五官的细致刻画是传达人物情感的关键。本章将深入讲解眼睛、鼻子、嘴巴、耳朵的造型原理，以及它们在不同表情下的变化。您将学习如何通过细微的表情变化来展现人物内心的喜怒哀乐。 发型与服装的设计： 发型和服装不仅是人物的装饰，更是塑造角色个性和身份的重要元素。本章将探讨不同发型和服装风格的设计思路，以及如何根据人物的性格、时代背景和职业来选择和设计服饰，使其与人物形象浑然一体。 不同风格的人物表现： 从写实到写意，从Q版到暗黑，人物风格的多样性无穷无尽。本章将介绍几种常见的风格化处理方式，讲解如何通过夸张、简化、变形等手法来塑造具有独特风格的人物形象。 角色设计的初步探索： 创造一个令人印象深刻的角色需要多方面的考虑。您将学习如何从故事背景、性格设定出发，进行角色的概念设计，包括基础造型、色彩搭配、道具选择等方面，为您的故事注入灵魂。 第三章：场景构建与环境氛围的营造 一个引人入胜的场景，能够极大地增强插画的叙事性和沉浸感。本章将带您深入探索如何构建逼真的、富有想象力的场景，并营造出独特的气氛。 透视的运用与空间表现： 透视是表现空间深度和立体感的核心技法。本章将从一点透视、两点透视、三点透视等基础理论出发，讲解如何在画面中准确运用透视，营造出开阔或狭窄的场景空间。 环境元素的描绘： 从自然风光到城市建筑，从室内陈设到奇幻景观，各种环境元素都构成了场景的肌理。本章将讲解如何观察和描绘不同材质的物体，如岩石、树木、金属、布料等，并学习如何通过细节的刻画来增强场景的真实感。 光影在场景中的作用： 光影不仅能塑造物体，更能定义场景的氛围。您将学习如何根据光源的位置、强度和性质，来表现不同时间（清晨、正午、黄昏、夜晚）和天气（晴朗、阴雨、雾气）下的场景光影变化，从而营造出不同的视觉感受。 色彩与气氛的关联： 色彩是直接影响观众情绪的关键。本章将深入探讨色彩与气氛的关系，例如暖色调带来的温暖、活力，冷色调带来的宁静、神秘，以及如何运用对比色、邻近色来增强画面的视觉冲击力。 氛围的营造与故事性： 优秀的场景不仅仅是漂亮的画面，更是能够传递故事和情感的载体。本章将引导您思考如何通过场景的细节，如散落的物品、人物的活动痕迹、环境的破损程度等，来暗示故事的发生，营造出特定的氛围，引发观众的想象。 不同类型场景的创作实践： 从写实的城市街景，到奇幻的异世界森林，本章将通过案例分析和实践指导，帮助您掌握不同类型场景的创作方法，并鼓励您进行大胆的创新。 第四章：材质表现与细节的打磨 细节是决定作品是否精致的关键。本章将专注于如何表现不同的材质质感，以及如何通过细节的刻画来提升作品的整体品质。 金属的光泽与反射： 讲解金属表面的反射原理，以及如何通过高光、暗部和环境色的反射来表现金属的冰冷、光滑或粗糙质感。 布料的褶皱与垂坠感： 分析不同材质布料（丝绸、棉布、皮革等）的纹理和垂坠特性，学习如何通过细腻的笔触和明暗变化来表现布料的柔软、硬挺或褶皱感。 透明与半透明材质的表现： 探讨玻璃、水、水晶等透明或半透明材质的折射、反射和透光性，学习如何通过对光线的精准捕捉来表现其晶莹剔透的视觉效果。 有机材质的纹理与生命感： 深入研究木材、石材、皮肤、毛发等有机材质的天然纹理，以及如何通过笔触和色彩的运用，来赋予这些材质生命感和触感。 表面肌理的丰富化： 即使是简单的物体，通过丰富的表面肌理也能展现出其独特性。本章将介绍如何运用纹理笔刷、叠加模式等技巧，来丰富物体表面的细节，使其更具质感。 细节的取舍与点睛之笔： 并非所有的细节都需要面面俱到。本章将引导您学会如何根据作品的整体风格和重点，来取舍细节，并运用“点睛之笔”来提升作品的亮点和视觉焦点。 第五章：风格探索与个人特色的形成 在掌握了基础技法之后，形成独特的个人风格是每个插画师的追求。本章将鼓励您打破模仿的局限，探索属于自己的艺术语言。 理解与借鉴不同的艺术风格： 并非全盘照搬，而是深入理解不同艺术流派（如印象派、表现主义、低多边形风格等）的特点和核心理念，从中汲取灵感。 探索色彩的个人化运用： 摆脱通用的色彩搭配，尝试建立自己独特的色彩倾向，找到最能代表自己情感和思想的色彩组合。 线条的语言与笔触的魅力： 不同的线条粗细、流畅程度、以及笔触的干湿、轻重，都能传递出不同的信息。本章将鼓励您尝试不同的线条和笔触，找到最能表达您情感的绘画方式。 情感驱动的表达： 艺术是情感的载体。本章将引导您将个人的情感、经历和思考融入到创作中，让您的作品不仅仅是图像，更是内心情感的流露。 突破舒适区，拥抱实验： 风格的形成离不开不断的尝试和突破。本章将鼓励您勇于尝试新的技法、新的主题、新的表现方式，在不断的实验中发现新的可能性。 从反馈中成长，形成辨识度： 积极听取他人的建议，但也要有自己的判断。本章将指导您如何从反馈中学习，并逐渐形成具有个人辨识度的艺术风格。 结语： 《数字创意：从零开始的插画探索之旅》并非一本教您死记硬背软件操作的教程，而是一次关于艺术理解、创作思维和实践方法的深度探索。我们相信，真正的力量在于创作者的内心，在于您对世界的观察，在于您对艺术的热爱。愿本书能成为您在数字插画创作道路上的一位忠实伙伴，点亮您的灵感，激发您的潜能，陪伴您一同创造出属于您自己的精彩世界。请记住，每一张画作都是一次心灵的表达，每一次创作都是一次与自己对话的过程。现在，拿起您的画笔，开启属于您的数字创意之旅吧！

评分☆☆☆☆☆

这本书就像是一位经验丰富的导师，循循善诱地引导我进入 CG 绘画的奇妙世界。我之前尝试过一些其他的绘画教程，但总是感觉云里雾里，或者讲得太浅，无法深入。但这本书完全不同，它从零基础的角度出发，把复杂的技术分解成一个个易于理解的步骤，而且每个步骤都配有非常直观的范例和精美的插图，让我能够边看边学，甚至边学边练。我尤其欣赏书中对于“创作流程”的梳理，它不仅仅是教我如何使用工具，更是教我如何构思、如何布局、如何一步步将脑海中的画面具象化。让我印象深刻的是关于“角色设计”的章节，书中提供的那些关于角色性格、故事背景如何融入设计中的思路，让我觉得角色不再是空洞的形象，而是拥有灵魂的个体。而且，书中还详细讲解了如何利用 Photoshop 的强大功能，例如智能对象、蒙版、滤镜等，来优化创作流程，节省时间，提高效率。我以前觉得绘制复杂的场景是一件非常耗时耗力的工程，但看了这本书后，我发现原来有很多技巧可以事半功倍。这本书真的让我感受到了“授人以鱼不如授人以渔”的道理，它给予我的不仅仅是绘画的技巧，更是解决问题的方法论。

评分☆☆☆☆☆

简直是 CG 绘画界的“葵花宝典”！这本书简直让我醍醐灌顶，完全颠覆了我之前对 Photoshop 绘画的认知。我一直以为 Photoshop 只能做些简单的修图，或者是一些基础的插画。但这本书从最基础的笔刷设置、图层逻辑，到如何运用色彩的魔力营造氛围，再到复杂的材质表现和光影的精妙处理，都讲得是那么透彻，那么有条理。尤其是书中关于“情绪渲染”和“故事性表达”的部分，简直是点睛之笔。它不是教你怎么画得像，而是教你怎么画出“感觉”，怎么让你的作品拥有生命力，能够与观者产生共鸣。我试着书中介绍的那些“氛围光”的绘制技巧，之前觉得很难表现的光影效果，现在竟然能轻松搞定了！还有那些关于材质肌理的模拟，简直逼真得不可思议，让我感觉我画出来的金属就是真的金属，画出来的布料就是真的布料。我特别喜欢书中对于“细节决定成败”的强调，那些微小的点缀，那些不经意间的笔触，竟然能让整个画面瞬间“活”起来。我以前画画总是觉得少了点什么，现在明白了，原来是那些被忽略的细节在“唱歌”！这本书真的让我看到了 CG 绘画的无限可能，也让我对自己的创作充满了信心。

评分☆☆☆☆☆

这本《WOW!Photoshop终极CG绘画技法(第2版)》真是我学习 CG 绘画以来遇到的最惊喜的一本书了！我一直对那种充满想象力、细节丰富的数字绘画作品非常着迷，但总觉得是遥不可及的，直到我翻开了这本书。它完全没有那种高高在上、让人望而却步的感觉，反而是非常接地气地从最基础的原理讲起，然后一步步深入。最让我震撼的是书中关于“光影魔法”的讲解，之前我总是很头疼如何画出真实的光照效果，比如阳光穿过树叶的斑驳光影，或者夜晚城市霓虹的迷离光晕，而这本书里竟然有非常详尽的步骤和实例，让我能清晰地看到光线是如何与物体互动，又是如何影响色彩和阴影的。我特别是喜欢它关于“材质表现”的那部分，那些对金属、皮革、布料等不同材质的模拟技巧，简直太牛了！我之前画出来的金属总感觉是“塑料感”的，现在按照书里的方法，画出的金属质感，简直可以以假乱真了。而且，书中还鼓励读者发挥自己的创意，不仅仅是模仿，更是要去理解原理，然后将这些原理灵活运用到自己的创作中。这本书真的让我从“模仿”走向了“创造”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的含金量太高了！完全超出了我的预期。我原本以为它会是一本纯粹的 Photoshop 操作手册，但没想到它更像是一本 CG 绘画的“哲学书”。它不仅仅教你“怎么画”，更重要的是教你“为什么这么画”。例如，在讲解色彩理论的时候，它不是简单地告诉你RGB和CMYK的区别，而是深入剖析了色彩的情感表达和心理暗示作用，让我明白了为什么有些色彩搭配会让人感到舒适，而有些则会让人感到不安。在讲解构图的时候，它也提供了多种经典构图法则，并结合实际案例分析了它们在 CG 绘画中的应用。我尤其喜欢书中关于“意境营造”的章节，它教会我如何通过对细节的把握，比如背景的虚实处理、远景的模糊处理，以及适当的留白，来营造出画面的深度和感染力。我试着运用书中介绍的“情感化色彩”的运用，我发现我之前画的作品在色彩上似乎总是少了点“灵魂”，而现在，我能通过色彩来传递更多的情感信息，让画面不仅仅是好看，更是动人。这本书真的让我认识到，CG 绘画不仅仅是技术的堆砌，更是情感的表达和创意的展现。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为自己对 Photoshop 的理解已经挺到位了，但这本书的出现，完全刷新了我的“三观”。它里面的很多技法，尤其是关于“空间感营造”和“透视运用”的讲解，简直是神乎其技！我之前画建筑或者场景时，总觉得画面扁平，缺乏纵深感，看了书里关于“空气透视”和“线性透视”的详细解析，再结合那些案例，我才恍然大悟，原来绘制出逼真的空间感，关键在于对光影和色彩的细微调整。而且，书中还介绍了许多“小技巧”和“窍门”，比如如何快速制作出逼真的云彩，如何利用笔刷纹理来增强画面的质感，如何运用“叠加”、“柔光”等图层模式来创造意想不到的效果。我试着将书中介绍的“景深”绘制技巧运用到我的作品中，画面立刻变得立体起来，仿佛真的有一个“镜头”在捕捉眼前的景象。更让我惊喜的是，这本书还深入探讨了“叙事性”在 CG 绘画中的重要性，教会我如何通过画面细节来讲述故事，如何引导观众的视线，如何构建一个引人入胜的视觉场景。这本书真的让我从一个“画匠”变成了一个“艺术家”。