【中商原版】色彩和光线：写实主义画家绘画指南 英文原版 Color and Light pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 中华商务进口图书旗舰店

出版社： Andrews McMeel Publishing

ISBN：9780740797712

商品编码：1767874893

色彩和光线：写实主义画家绘画指南 英文原版 Color and Light: A Guide for the Realist Painter

James Gurney (作者)

基本信息

• 
  
• 出版社: Andrews McMeel Publishing (2010年11月30日)
• 平装: 224页
• 语种： 英语
• ISBN: 0740797719
• 条形码: 0050837276277, 9780740797712
• 商品尺寸: 22.9 x 1.5 x 26.7 cm
• 商品重量: 921 g
• ASIN: 0740797719

内容简介

From New York Times best-selling author of the Dinotopia series, James Gurney, comes a carefully crafted and researched study on color and light in paintings. This art instruction book will accompany the acclaimed Imaginative Realism: How to Paint What Doesna?#8482;t Exist.

James Gurney, New York Times best-selling author and artist of the Dinotopia series, followsImaginative Realism with his second art-instruction book, Color and Light: A Guide for the Realist Painter. A researched study on two of art's most fundamental themes, Color and Light bridges the gap between abstract theory and practical knowledge. Beginning with a survey of underappreciated masters who perfected the use of color and light, the book examines how light reveals form, the properties of color and pigments, and the wide variety of atmospheric effects. Gurney cuts though the confusing and contradictory dogma about color, testing it in the light of science and observation. A glossary, pigment index, and bibliography complete what will ultimately become an indispensible tool for any artist.

This book is the second in a series based on his blog, gurneyjourney.com. His first in the series,Imaginative Realism, was widely acclaimed in the fantastical art world, and was ranked the #1 Bestseller on the Amazon list for art instruction.

"James Gurney's new book, Color and Light, cleverly bridges the gap between artistic observation and scientific explanation. Not only does he eloquently describe all the effects of color and light an artist might encounter, but he thrills us with his striking paintings in the process." --Armand Cabrera, Artist

作者简介

James Gurney’s unique blending of fact and fantasy has won Hugo, Chesley, Spectrum, and World Fantasy Awards. His work has been featured in one-man exhibitions at the Smithsonian Institution, the Norman Rockwell Museum, the Delaware Art Museum, and the U.S. embassies in Switzerland and Yemen. He lives with his wife, Jeanette, in the Hudson Valley of New York State.

艺术家与灵感的交织：一窥绘画艺术的永恒魅力 第一章：光影的舞蹈——自然世界的视觉语言 本书将带领读者深入探索绘画领域中至关重要的两个元素：光与影的互动，以及色彩的调和与表现。这不是一本枯燥的理论手册，而是一次视觉思维的深度旅行，旨在唤醒创作者对周围世界最敏锐的感知。我们将从最基础的观察入手，理解光线如何在不同材质的表面上折射、散射与吸收，从而产生丰富多样的视觉效果。 1.1 太阳的轨迹与环境光的影响 清晨的冷灰调与正午的强烈对比，黄昏时分那几乎要凝固的暖金色——光线的角度和强度直接决定了物体的形态和氛围。本书详细分析了日光在一天中不同时间段的变化规律，不仅仅停留在理论层面，更结合大量实例图解，展示如何捕捉并再现这些转瞬即逝的自然现象。我们将探讨环境光（Ambient Light）的角色，即那些被墙壁、地面乃至空气反射进入阴影区域的次级光源，正是它们赋予了阴影深度和色彩，而非仅仅是黑色的空洞。 1.2 材质的触感与光线的反射 不同的材质对光线的反应截然不同。光滑的金属会产生锐利的高光（Specular Highlight），而粗糙的木材或织物则倾向于漫反射。本书深入剖析了“反光度”（Reflectivity）在绘画中的体现，指导艺术家如何通过笔触的精细控制来区分天鹅绒的柔软、玻璃的透明和皮革的光泽。我们提供了详尽的材质对照表，教导如何根据光照条件和材质本身的物理特性，准确调配出对应的颜色和明度变化。 第二章：色彩的内在逻辑——从光谱到情感的传达 色彩不仅仅是颜料的混合，它是一种强大的叙事工具，能直接绕过理智，触动观者的情感深处。本篇章专注于色彩理论的实践应用，力求将晦涩的色轮知识转化为生动的创作指导。 2.1 色相、明度和纯度的精确控制 我们将彻底解构传统色彩理论，聚焦于如何在三维空间中操作“色相”（Hue）、“明度”（Value）和“饱和度”（Saturation）。特别强调明度在构建形体和空间感中的首要地位，许多初学者过度关注色相的差异，却忽略了明度差异才是定义物体的关键。通过实例分析，读者将学会如何有意识地“降低”或“提高”某个颜色的纯度，以达到视觉上的和谐或强烈的对比效果。 2.2 邻近色、互补色与色彩的和谐 色彩的搭配是构成画作整体“语调”（Tone）的核心。本书详细阐述了如何有效利用互补色来增强画面的活力，同时警示了过度使用纯互补色可能导致的“震颤”效果。我们着重介绍了“邻近色”的运用，这是营造宁静、统一和自然过渡的基石。通过对古典大师作品的案例研究，我们将揭示他们如何在看似简单的调色板中，创造出极其丰富且协调的色彩世界。 2.3 色彩的温度感与心理学效应 冷色调（如蓝色、绿色）带来的距离感和宁静感，与暖色调（如红色、黄色）带来的亲近感和兴奋感，构成了色彩温度的基础。本部分指导艺术家如何根据想要表达的主题或场景情绪，巧妙地在画面中平衡冷暖色。例如，如何在阴影中加入微妙的暖色调，以避免画面变得过于冰冷死板；或是在高光中引入一丝冷光，增加光线的真实感。 第三章：构图的张力——空间与视线的引导 优秀的色彩和光影描绘，需要一个稳固的结构来承载。本章关注如何利用构图法则来组织画面元素，引导观者的视线，并赋予作品稳定或动态的节奏感。 3.1 从黄金分割到动态平衡 除了基础的三分法和居中构图，本书将引导读者探索更复杂的空间组织原则，例如利用对角线来增强动感，或使用“S”形曲线来创造流畅的引导线。我们讨论了如何通过元素大小的对比和空间留白（Negative Space）来调节画面的呼吸感，防止画面因元素堆砌而显得拥挤。 3.2 深度与透视的绘画实践 空气透视（Atmospheric Perspective）是表现距离感的关键工具。随着物体距离观察者越远，其色彩饱和度降低，明度趋向于背景的平均色调，边缘也愈发模糊。本书提供了实用的技巧，教导如何在一幅二维平面中，有效地创造出三维的纵深感，区分前景的清晰细节与背景的朦胧处理。 第四章：实践中的挑战与解决方案 艺术的进步总是在不断地解决“画不出来”的问题中实现的。本章是针对实际绘画过程中经常遇到的技术难关，提供的具体、可操作的解决方案。 4.1 应对潮湿与干燥环境的色彩变化 颜料在油性或水性媒介中干燥后的色度变化是一个普遍难题。我们将探讨不同媒介对最终色彩的影响，并提供工具和方法来预测和控制这种变化，确保你最终看到的，正是你意图表现的色彩。 4.2 笔触的运用与纹理的塑造 笔触本身就是一种表达方式。厚涂（Impasto）的肌理感与薄涂（Glazing）的光滑感，如何配合光线来增强真实感或风格化？本部分深入分析了不同笔触在不同光照条件下的表现力，教导艺术家如何用画笔的“声音”来讲述故事。 4.3 从观察到表达的转化过程 最终，绘画是一种翻译工作——将三维的、流动的现实，翻译成二维的、静止的图像。本书鼓励艺术家超越单纯的“复制”，学习如何筛选信息，突出重点，将观察到的光线与色彩转化为具有个人印记的视觉表达。我们鼓励画家建立自己的色彩“词汇库”，使每一次落笔都充满目的性与力量感。 通过对光影的深入理解和对色彩的精确调控，本书旨在为每一位致力于写实主义绘画的艺术家，提供一套坚实而灵活的技术框架，从而将他们头脑中瞬间的灵感，转化为永恒的视觉杰作。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对“写实主义”抱有极高敬意的人，但传统写实训练往往让人感到枯燥乏味，充满了无休止的灰度练习和光影素描。我希望这本书能在“写实”的严谨性与“创作”的自由度之间找到一个美妙的平衡点。我特别好奇它如何处理“主观性”与“客观性”的关系。毕竟，写实不等于照片般的复制，优秀的写实作品依然充满了艺术家的个人解读和情感倾向。这本书会不会提供一些指导，告诉我们如何在忠于光影科学的基础上，进行必要的夸张或简化，以服务于画面的情绪表达？我特别期待能看到关于“氛围感”塑造的讨论。比如，在一个雾蒙蒙的清晨，或者烈日当空的正午，光线是如何改变物体的固有色，并赋予场景独特情感基调的？如果它能教会我如何“聆听”光线的低语，而不是机械地“描摹”它，那这本书就超越了一本技术手册的范畴，升华为艺术哲学的探讨了。

评分☆☆☆☆☆

这本绘画指南，光看书名就让人心潮澎湃，仿佛已经能闻到画布上油彩混合松节油的气味了。我之所以被它吸引，很大程度上是因为它承诺要深入探讨“色彩与光线”这两个绘画中最核心、也最捉摸不透的元素。要知道，对于一个常年与画笔为伴的业余爱好者来说，最大的瓶颈往往不是形体结构，而是如何让画面‘活’起来。很多时候，我们临摹大师的作品，总觉得哪里不对劲，细究起来，往往就是光影的微妙变化和色彩的冷暖过渡出了问题。我非常期待这本书能提供一套系统且实用的分析框架，比如，它会不会详细解释不同时间段的自然光对物体色彩饱和度和明度的影响？书中是否会通过大量的范例图，直观地展示出高光、反光、投射影和环境色是如何相互作用，共同构建出立体感的？我尤其关注那些关于“色彩调和”的章节，希望它能跳出教科书式的理论，给出一些在实际创作中行之有效的配色方案和技巧，帮助我摆脱一成不变的色彩习惯，真正掌握如何用色彩讲述故事。

评分☆☆☆☆☆

我抱着一种近乎朝圣的心态翻开了这本书的目录，它给我的第一印象是“扎实”且“毫不含糊”。现在的很多艺术书籍，为了迎合市场，内容往往浮于表面，充斥着一些空洞的励志口号，但这本书似乎完全走的是另一条路子，它追求的是硬核的知识体系。我特别留意到它似乎用了大量的篇幅去剖析材料本身的特性，比如不同颜料在媒介中的表现差异，以及它们对光线反射的物理学原理。对于我这种偏爱古典油画技法的学习者来说，这种深入到底层的讲解至关重要。我渴望了解的不仅仅是“画什么”，更是“如何用这些工具去实现我的视觉目标”。如果它能清晰地阐述，例如，怎样通过叠加半透明的釉色来营造出宝石般的光泽感，或者，如何控制笔触的厚薄来模拟不同材质的表面纹理，那这本书的价值就无可估量了。我期待它能成为我工具箱里那把最精密的瑞士军刀，随时都能提供解决复杂视觉问题的方案。

评分☆☆☆☆☆

我最近在尝试一些大型的室内场景创作，结果发现，处理复杂光线环境简直是一场灾难。窗户射入的光、灯具发出的暖光、以及角落里反射的冷光，它们交织在一起，让色彩管理变得异常混乱。所以我非常关注这本书中是否有专门针对“复杂光源”或“室内照明”的章节。我期待这本书能够提供一套清晰的步骤来解析多重光源下的色彩平衡问题。比如，不同色温的光源如何相互叠加而不至于让画面显得脏乱？如何区分和表现环境色在阴影区域中的影响？很多教程只关注单光源下的完美光影，但现实世界的复杂性远超于此。如果这本书能拿出具体的案例，展示艺术家如何理性地拆解这些视觉信息，然后有条不紊地将其转化到画布上，那无疑是为我解开了一个巨大的创作死结。这种实战性的指导，是我目前最急需的。

评分☆☆☆☆☆

购买这类专业书籍，很大程度上是在投资于“视角”的拓展。我希望能从作者的眼中，看到我日常忽略的那些微妙之处。这本书如果真的如其名，是一本“指南”，那么它应该不仅停留在理论层面，更要像一个经验丰富的大师，手把手地引导读者走过迷雾。我特别期望书中能包含一些关于“媒介选择如何影响光线表现”的内容。例如，使用水粉、水彩与使用厚涂油画或薄涂蛋彩时，对光影的捕捉和处理方式会有何种根本性的不同？优秀的写实画家，往往能通过笔触本身来暗示光线的质感——是柔和的散射光，还是锐利的直射光。我期待书中能深入探讨这种“笔触语言”与“光线表达”之间的深层联系。如果能看到这些超越了色彩理论本身，直指绘画本质的讨论，那么这本《色彩和光线》对我来说，就不仅仅是一本工具书，更是一部提升绘画思维深度的必备读物。