具体描述
摄影师按
序言
前言
色彩
构图
动感
造型
材质
致谢
书名：自然风范花艺大师之道
作者： 刘易斯·米勒
出版社：机械工业出版社
出版时间：2017-9
版次：1
印刷时间：2017-11
印次：1
开本：16开
装帧：平装
页数：181
ISBN：9787111578550
定价：88.00
《自然风范》是纽约知名花艺设计师刘易斯·米勒的一部作品，收录了大量他创作的精美插花作品。兼具园艺学和景观设计背景的他，其作品被花艺界称之
为“*华的自然”。
《自然风范》以色彩、构图、动感、造型、材质五大要素为篇章，讲述刘易斯·米勒创作花艺作品的思路和动机。这些自然风格的花艺作品通过唐·弗里曼的
镜头展现出颇具绘画感的优雅气质。精美的图片和丰富的文字有助于读者深入洞悉插花的艺术技巧并为欣赏过程中的探幽析微提供启示，或许还能激励大家
创造出自己的花艺作品。
这场花卉盛宴将令花艺师、装饰设计师和审美鉴赏家感到受益匪浅、欢欣鼓舞。即使你不是专业读者，仅仅是爱花者，《自然风范》也会为你用花草扮靓生活
、工作空间提供灵感和建议。
用户评价
我是一位非常业余的花艺爱好者，平时也就是买些花回家随意插插。拿到《自然风范：花艺大师之道》这本书，我本来没抱太大期望，觉得可能对我来说太专业了，看不懂。但出乎意料的是，这本书的讲解方式非常人性化。作者没有一开始就抛出一些复杂的理论，而是从最基础的“如何与花沟通”开始讲起。他描述了自己是如何观察一朵花的姿态，如何感受它的生命力，如何从它的形态中找到创作的灵感。这种将花视为有生命的个体来对待的态度，让我觉得非常新颖。我一直以来都是把花当成工具，现在才意识到，原来它们本身就蕴含着无限的美。书中还有一个章节讲的是“四季的馈赠”，作者根据不同季节的花材特点，讲述了如何捕捉季节的韵味，创造出符合时令的花艺作品。例如，春天万物复苏，作品可以色彩明亮，充满生机；秋天则可以运用落叶、枯枝，营造出一种沉静、内敛的美。这一点对我非常有启发。以前我插花，总觉得花材越丰富越好，现在才明白，有时候恰恰是删繁就简，更能体现出季节的特点。我还特别喜欢书中关于“顺势而为”的原则。作者鼓励我们在插花时，不要强行改变花材的自然形态，而是要顺应它们的生长方向，让作品呈现出一种自然的韵律感。我尝试着遵循这个原则，发现作品确实比以前更加生动、更加有生命力了。这本书让我从一个“使用者”变成了“合作者”，不再是强行改造，而是与花一起共同创作。
评分我一直对日本花道和西方插花艺术有着浓厚的兴趣，也阅读了不少相关的书籍，但《自然风范：花艺大师之道》带给我的体验是前所未有的。它并非简单地将东方和西方的花艺流派进行对比或融合，而是从一个更宏观的视角，去探讨花艺的本质。作者在书中反复提及“道法自然”的中国传统哲学思想，并将其巧妙地融入到花艺的创作之中。我特别欣赏作者对于“意境”的阐述。他认为，优秀的花艺作品，不仅仅是视觉上的美感，更重要的是能够传达一种情感，一种心境，甚至是一种哲学思考。他用大量生动的例子，阐述了如何通过花材的选择、构图的安排，以及器皿的搭配，来营造出不同的意境，比如宁静、孤寂、喜悦、思念等等。我曾经尝试过模仿书中的一个作品，它以枯枝为主体，搭配几朵素雅的白花，寥寥数笔，却营造出一种清冷孤寂之美。我一开始不理解为何如此简单的组合能够有如此强大的感染力，但当我细细品读作者的解读时，才明白，那份“孤寂”并非消极，而是一种沉淀，一种内省，一种与自我对话的宁静。书中关于“侘寂”（Wabi-sabi）美学的探讨，也让我受益匪浅。它让我重新审视那些不完美、不规则、甚至有些“残缺”的美，这些元素在自然中随处可见，而作者却能够将其巧妙地运用到花艺创作中，赋予作品一种独特的生命力和历史感。这本书让我明白了，真正的花艺大师，不仅仅是技巧高超的匠人，更是能够感知自然、洞察生命的哲学家。
评分不得不说，这本书的内容深度和广度都超出了我的预期。一开始以为会是一本纯粹的技法讲解，例如如何修剪、如何搭配颜色、如何选择花器等等，但事实并非如此。作者在介绍具体花艺技巧的同时，更侧重于讲述“道”——那份贯穿始终的、与自然和谐共处的哲学理念。他花了相当大的篇幅去探讨植物的生长习性、它们的生命周期，以及如何从这些自然规律中汲取创作灵感。我印象最深刻的是，作者在讲到如何处理枝叶的形态时，反复强调要尊重植物本身的美，而不是试图将其“驯服”成某种固定的模式。他说，每一片叶子的纹理，每一根枝条的弯曲，都有其存在的理由，都有其独特的美学价值。这一点让我豁然开朗，很多时候我们过于追求所谓的“完美”，反而失去了事物本真的魅力。书中穿插的许多摄影作品，不仅仅是展示最终的花艺成品，更是捕捉了花材在不同光影、不同角度下的姿态，那种原生野趣，那种不经雕琢的生动，都深深地打动了我。我尝试着将书中的一些理念应用到我的实际插花过程中，比如不再一味追求对称和饱满，而是给作品留出更多的“空隙”，让每一朵花、每一片叶子都能自由呼吸，都能展现出最动人的瞬间。这种改变，让我的作品变得更加轻盈、更加富有生命力。而且，书中关于不同季节、不同花材的搭配建议，也十分实用，它不仅仅是简单的罗列，而是从色彩、形态、季节感等多个维度进行了深入的剖析，让我能够更好地理解不同花材之间的和谐关系，创造出更具季节特色的作品。
评分我一直以来都对那些充满生命力，又带着一丝不羁的美感的花艺作品情有独钟。偶然间看到了《自然风范：花艺大师之道》这本书，书名就深深吸引了我，感觉它不像市面上那些一本正经的花艺教科书，而是带着一种洒脱和自由的精神。翻开书，果然如此。作者在书中并没有罗列大量的花材名称和组合方式，而是更多地分享了他与自然相处的点滴，以及从中获得的感悟。他特别强调要“倾听”花材的声音，去感受它们的脾气，它们的诉求。这一点让我觉得非常有趣，仿佛花材有了生命，有了自己的个性和情感。他还分享了他如何在野外采摘花材的经历，以及如何从那些未经修饰的、带着露水和泥土气息的野花野草中获得灵感。这让我意识到，最美的花艺，往往就藏在最质朴的自然之中。书中有一个章节，作者分享了他如何处理“残缺”的美，比如带着斑点或虫蛀的叶子，或者被风雨打落的花瓣。他并没有将这些视为瑕疵，反而认为它们是生命痕迹的体现，是作品独特魅力的来源。这一点真的让我深受触动。我们总是追求完美，却忽略了那些不完美中所蕴含的生命张力和故事感。我开始尝试着在自己的花艺创作中，去接纳和运用一些“不完美”的花材，惊奇地发现，作品反而变得更加耐看，更加富有深度。这本书真的让我明白了，真正的花艺大师，是能够与自然对话，并从中汲取灵感，创造出独具个性和生命力的作品。
评分这本书的体量并不算小，但读起来却一点也不枯燥乏味。作者的叙事风格非常流畅，就像在跟一位老朋友聊天一样，娓娓道来。他没有使用太多生涩的专业术语，即使是对于花艺初学者来说，也能够轻松理解。我最喜欢的是书中关于“灵感捕捉”的部分。作者分享了他如何在生活中寻找创作的源泉，比如一段弯曲的树枝、一片落叶的纹理、一缕穿过树叶的阳光，甚至是雨后泥土散发出的气息。他认为，花艺的灵感并非凭空而来，而是源于对生活细微之处的敏感和观察。这一点对我启发很大。我一直以来都觉得自己的创作灵感比较匮乏，总是陷入“想不出好点子”的困境。读了这本书，我开始尝试着放慢脚步，去留意身边的点点滴滴，去感受自然的变化，去体会生活中的美好。我发现，当我对周围的世界保持一颗好奇心和敏感度时，灵感仿佛就像泉水一样，源源不断地涌现出来。书中还提到了很多关于“留白”和“负空间”的运用。作者认为，适当的留白能够让作品更加透气，更能突出主体，也更能引发观者的想象。这一点在我理解了之后，也极大地改变了我的插花方式。我不再一味地追求“满”，而是学会了给花材留出足够的空间，让它们能够自在地舒展，让整个作品呈现出一种轻盈飘逸的美感。这本书让我明白，花艺不仅仅是技术的堆砌，更是关于如何用最少的元素，去表达最丰富的情感。
评分这本书的包装和印刷质量都非常出色，完全对得起它“大师之道”的名头。纸张的触感很棒，照片的色彩还原度极高，每一页都像是一幅精美的画作。我尤其喜欢书中关于“器皿与花材的对话”的章节。作者认为，器皿不仅仅是承载花材的容器，更是花艺作品不可分割的一部分，它能够与花材相互呼应，共同营造出作品的整体风格和意境。他详细介绍了不同材质、不同造型的器皿所能传达出的不同感觉，以及如何根据花材的特点来选择最合适的器皿。例如，质朴的陶土器皿适合搭配具有野趣、生命力旺盛的花材，而精致的金属器皿则更适合展现优雅、高贵的风格。这一点让我大开眼界。以前我总觉得花器只是个摆设，没想到它竟然有如此重要的作用。我开始留意家里的各种器皿，并尝试着用不同的花材去搭配它们，惊喜地发现，许多原本被我忽略的器皿，在与合适的花材结合后，竟然能焕发出新的生命力。书中还穿插了一些关于花艺史的介绍，以及不同文化背景下花艺的发展演变。这些内容虽然不是直接的技法讲解，但却能够帮助读者更深入地理解花艺的文化内涵和艺术价值。我了解到，花艺在不同的时代、不同的地域，都有着不同的发展轨迹和审美取向，这让我对花艺的认识更加全面和深刻。这本书不仅仅是一本学习花艺的书，更是一本关于生活美学和文化鉴赏的书。
评分这本书给我最大的感受是，它不仅仅是一本关于花艺的书，更是一本关于如何“活”的书。作者在书中反复强调，花艺的最高境界，是将自然之美融入生活，让生活本身也成为一门艺术。他分享了许多将花艺融入日常生活场景的例子，比如如何用简单的花材点缀餐桌，如何用绿植打造舒适的居家空间，甚至是如何通过植物来调节心情，提升幸福感。这一点让我觉得非常实用和接地气。我一直觉得花艺是一件很高雅的事情，离我的生活有些遥远，但读了这本书，我才发现，原来花艺也可以如此简单，如此贴近生活。作者还花了相当大的篇幅去探讨“衰败”与“重生”的哲学。他认为，自然界中的万物，都有着自己的生命周期，衰败是另一个生命的开始，是新生的前提。他鼓励我们在花艺创作中，也要拥抱这种自然的规律，去欣赏那些正在走向衰败的花材，从中发现另一种独特的美，并将其转化为艺术。这一点让我对生命的看法有了更深的理解。我开始学会欣赏那些不完美，学会接受那些变化，并在每一次的“衰败”中，看到新的希望和可能性。这本书让我明白，真正的“自然风范”，不仅仅是表面的美学，更是内心的成熟与通透。
评分这本书的内容，与其说是一本花艺教程，不如说是一份关于如何观察和理解自然，并将其转化为艺术创作的指南。作者在书中反复强调，花艺的精髓在于“自然”二字。他并非提倡简单地模仿自然，而是强调要捕捉自然的“精神”，理解自然的“法则”，并将这些融入到创作中。我尤其欣赏作者在探讨“线条”在花艺中的运用时，所表现出的深刻见解。他认为，植物的线条，无论是婉转曲折的枝条，还是挺拔向上的花梗，都蕴含着丰富的生命信息和情感表达。他详细介绍了如何通过对植物线条的理解和运用，来构建作品的骨架，赋予作品动感和节奏。我曾经尝试过模仿书中一个以线条感极强的枝条为主体的作品，在之前我总是觉得作品显得有些呆板，但在理解了作者关于“线条的呼吸感”的阐述后，我开始尝试着让枝条的曲线更加舒展，让它们在空间中自由地延伸，作品立刻变得生动起来，仿佛充满了生命的律动。书中还穿插了一些关于花艺与中国传统美学的结合的讨论，比如“留白”在花艺中的作用，以及如何通过作品来体现“气韵生动”。这些内容让我从一个更深层次的角度去理解花艺的审美价值。这本书不仅教会了我如何插花，更教会了我如何用一种更加诗意、更加哲学的方式去感受美，去创造美。
评分这本书的封面设计就足够吸引人了，一种淡雅的留白，点缀着几枝姿态舒展的绿叶和一朵若隐若现的花苞，让人瞬间感受到一种宁静致远的气息。我拿到这本书的时候，正好是春意盎然的时节，万物复苏，生命力蓬勃，这样的封面仿佛预示着书中将要展开的，是一场关于生命、关于自然、关于美的视觉盛宴。迫不及待地翻开，首先映入眼帘的便是序言。序言的文字并非那种空泛的、矫揉造作的赞美，而是带着一种淡淡的感慨，仿佛作者在娓娓道来自己与花艺结缘的那些年，那些发生在自然角落里的灵感碎片，那些在实践中摸索出的哲理。我尤其喜欢其中一段，作者提到，真正的花艺并非对自然的刻意模仿，而是对自然精神的捕捉和升华。这句话在我脑海中回响了很久，它颠覆了我以往对花艺“复制”自然的认知，让我开始思考，如何在作品中注入生命的情感，如何让花材“说话”，而非仅仅是摆设。书中对一些经典花艺作品的分析，更是让我大开眼界。那些看似简单的构图，背后却蕴含着作者对空间、对色彩、对材质的精妙把握。我曾试图模仿其中一个作品，用自己手中的素材，却总觉得少了点什么。后来重读作者的分析，才恍然大悟，原来我忽略了那份“呼吸感”，忽略了花材之间微妙的呼应和留白带来的韵律。这本书不仅仅是一本关于花艺技法的指导书，更像是一本关于如何用眼睛去看待世界，用双手去创造美好的生活哲学。我会在每个阳光明媚的午后，或是细雨绵绵的黄昏，捧着这本书，在字里行间寻找灵感，在脑海中勾勒属于自己的“自然风范”。
评分这本书的语言风格非常独特，它不像一本技术手册，更像是一篇篇散文，充满了作者个人的情感和思考。我非常喜欢作者在书中分享的关于“时间”与花艺的关系。他认为，花艺作品不仅仅是当下美丽的呈现，更是包含了植物生长的过程，以及艺术家投入其中的时间与心力。他用非常细腻的笔触，描绘了花朵从含苞待放到盛开，再到凋零的全过程，以及如何在作品中展现这种时间的流转。这一点让我对我过去插花的概念有了颠覆性的认识。我之前总是追求作品的“永恒”，希望它们能够一直保持最完美的状态，但作者却让我看到了，即使是短暂的绽放，也蕴含着动人的生命之美。书中还有关于“情绪”在花艺创作中的作用的探讨。作者认为，花艺作品能够反映创作者的心情，也能够影响观者的情绪。他分享了如何通过不同颜色、不同形态的花材，来营造出喜悦、宁静、忧伤等不同的情绪氛围。我尝试着去感受不同花材所带来的情绪，并尝试着将自己的情绪融入到作品中，发现这样的创作过程，比以往任何时候都更加投入和有意义。这本书让我明白，花艺不仅仅是关于视觉的审美，更是关于情感的连接，关于心灵的共鸣。
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