9787308115995 藝術攝影中的繪畫 浙江大學齣版社 趙華森 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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趙華森 著

圖書標籤:

• 藝術攝影
• 繪畫
• 攝影技巧
• 構圖
• 光影
• 色彩
• 浙江大學齣版社
• 趙華森
• 攝影藝術
• 視覺藝術

店鋪： 聚雅圖書專營店

齣版社： 浙江大學齣版社

ISBN：9787308115995

商品編碼：29293520318

包裝：平裝

齣版時間：2013-07-01

基本信息

書名：藝術攝影中的繪畫

定價：39.00元

作者：趙華森

齣版社：浙江大學齣版社

齣版日期：2013-07-01

ISBN：9787308115995

字數：230000

頁碼：

版次：1

裝幀：平裝

開本：16開

商品重量：0.4kg

編輯推薦

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　　本書主要內容包括攝影繪畫基礎之必要性、攝影的繪畫基礎、創意攝影草圖訓練、攝影創意與繪畫。

內容提要

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　　由趙華森、陳燕編著的《藝術攝影中的繪畫(藝術實踐教學係列教材)》一書，分三個部分講述：一，藝術攝影中的繪畫；二，繪畫是一種依據；三，繪畫是一種方法。
　　實驗實訓教學是設計、攝影、傳播等應用學科的重要內容，是培養學生動手能力的有效途徑。希望本套教材能夠適應新時代的需求，能成為學生學習的良好平颱。
　　本套教材是浙江財經大學人文藝術省級實驗中心的教研成果之一，由浙江大學齣版社齣版

目錄

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1 藝術攝影中的繪畫
2 繪畫是一種依據
2．1 透視與攝影
2 .1．1 攝影師為何要學習的透視知識
2．1. 2 攝影師要掌握的透視基本知識
2．2 從繪畫看攝影的構圖
2．2．1 西方繪畫的構圖與攝影
2．2．2 中國傳統繪畫的構圖與攝影
2．3 山寨式攝影

3 繪畫是一種方法
3．1 攝影之前的繪畫
3．1．1 作為另類妝的繪畫
3．1．2 作為畫布的身體
3．I．3 繪製場景
3．1．4 裝置藝術、行為藝術以及總體藝術等中的繪畫
3．1．5 繪畫作品成為道具
3．2 攝影之時的繪畫
3．2．1 手電等光源在拍攝物上進行描繪
3. 2．2 在空中進行描繪
3．2. 3 隻做記錄
3. 2 .4 閃光燈配閤物的運動
3. 2．5 動態影像的光繪攝影(iPad、投影儀、數字光棒)
3 .2．6 移動照相機使光在照片上描繪
3．2．7 其他光繪攝影師作品欣賞
3. 3 攝影之後的繪畫
3．3. 1 手工上色
3．3．2 錶現性繪製
3．3. 3 作為畫布的攝影
3．3．4 修飾性繪畫
3. 3．5 綜閤材料(拼貼加繪畫、絲網版麵)
3. 3．6 數字繪畫
3．3．7 顯影時的繪I田i(波拉片、感光塗料和底片處理)．
3．3．8 展示時的繪畫
附錄 以愛普生(EPSON)藝術微噴為例的打印介質

作者介紹

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文摘

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序言

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光影的交織：探尋攝影與繪畫的審美對話 攝影，這門誕生於光綫的藝術，自其誕生之初，便與另一門古老的視覺藝術——繪畫，展開瞭一場漫長而深刻的對話。兩者在媒介、技法、錶現力上固然存在差異，但在對美的追求、對情感的傳遞、對世界的解讀上，卻有著天然的親近與共通。當攝影師的鏡頭成為畫筆，當畫麵構圖浸染著繪畫的韻味，我們得以窺見一個更加豐富、更具深度的視覺世界。 一、 溯源：攝影與繪畫的早期交融 攝影的齣現，並未如有些人預言的那樣，成為繪畫的“末日”。恰恰相反，攝影的記錄性與精確性，在早期為繪畫提供瞭新的參照和靈感，而繪畫的藝術性和主觀性，則引導著攝影走嚮更具創造力的錶現。 早期攝影的“繪畫性”傾嚮： 在攝影技術發展的早期，攝影師們往往受到學院派繪畫的影響，追求畫麵景彆的穩定、光影的柔和以及主題的莊重。例如，19世紀的肖像攝影，其構圖、用光、甚至人物的姿態，都明顯藉鑒瞭當時的肖像畫。攝影師們嘗試使用柔焦鏡頭、手工修飾照片等方式，以模仿繪畫的筆觸感和油畫的質感，力圖讓攝影作品獲得與繪畫相媲美的藝術地位。這種“繪畫性”的追求，並非對攝影媒介本身的否定，而是一種在新的藝術形式中探索錶現可能性的嘗試。他們試圖在冰冷的快門速度中注入人性的溫度，在客觀的記錄中注入情感的色彩。 攝影對繪畫的啓發： 另一方麵，攝影的齣現也極大地影響瞭繪畫的發展。攝影捕捉瞬間的能力，使得畫傢們得以擺脫對寫實的過度依賴，而將更多精力投入到對色彩、光影、情感和內在精神的探索。印象派的興起，便與攝影對光綫瞬息萬變的捕捉有著密切的聯係。攝影的現實主義視角，也促使畫傢們反思藝術的本質，開始嘗試更為主觀、更具象徵意義的錶達。 二、 形式的藉鑒：構圖、色彩與光影的共通語言 攝影與繪畫在視覺語言上存在著天然的共通性，這些共通性構成瞭兩者審美對話的基礎。 構圖的智慧： 無論是攝影還是繪畫，構圖都是決定畫麵效果的關鍵。攝影師們在取景時，會不自覺地運用繪畫中的黃金分割、三分法、對角綫構圖、對稱構圖等經典法則，來引導觀眾的視綫，突齣主體，營造空間感和平衡感。例如，一張成功的風光攝影作品，其前景、中景、遠景的安排，雲層、山巒、水麵的綫條組閤，都可能蘊含著大師級山水畫的構圖精髓。一張引人入勝的人物肖像，其人物在畫麵中的位置、眼神的指嚮、身體的姿態，都可能呼應著古典油畫人物肖像的構圖安排，傳遞齣特定的情感和性格。甚至，對於色彩的運用，攝影師也會藉鑒繪畫中的色彩理論，通過色彩的冷暖、對比、和諧來營造氛圍，錶達情緒。 光影的魔法： 光影是攝影的生命，也是繪畫錶現的重要手段。攝影師們精妙地運用自然光或人造光，模擬繪畫中倫勃朗光、丁達爾效應等經典的用光技法，塑造物體的體積感、質感，以及畫麵的戲劇性。一張人物肖像，通過精確控製光綫的方嚮和強度，可以在臉上投射齣富有深度的陰影，勾勒齣立體感，賦予人物神秘而沉靜的氣質。一張靜物攝影，通過柔和側光或逆光，可以營造齣溫暖、寜靜的氛圍，讓物體本身散發齣溫潤的光澤。而繪畫中的“明暗對照法”，通過大麵積的暗部襯托齣局部的亮光，在攝影中也得以靈活運用，通過控製曝光和後期處理，實現類似的效果，突齣視覺焦點，增強畫麵的衝擊力。 色彩的詩意： 色彩是情感的載體，也是藝術錶現力的重要組成部分。攝影師在按下快門前，往往會考慮色彩的搭配與和諧，如同畫傢在調色盤上精心混閤顔料。通過對色彩飽和度、色相、明度的調整，攝影作品可以呈現齣截然不同的情緒和意境。例如，暖色調的作品可能帶來溫馨、熱烈的感覺，而冷色調則會營造齣冷靜、憂鬱的氛圍。攝影師們也學習繪畫中的色彩對比原理，利用互補色或鄰近色來增強畫麵的視覺張力。同時，後期處理技術的發展，也讓攝影師能夠更加自由地操控色彩，實現超越現實的藝術想象。 三、 意境的營造：攝影與繪畫的情感共鳴 除瞭形式上的藉鑒，攝影與繪畫在營造意境、錶達情感方麵，更是殊途同歸。 情緒的傳達： 攝影作品的魅力，在於它能夠直接觸動觀者的情感。通過對主題的選擇、對場景的捕捉、對人物神態的刻畫，攝影師可以不動聲色地傳遞喜怒哀樂、悲歡離閤。這種情感的傳遞，與繪畫藝術傢們通過筆觸、色彩、構圖來錶達內心世界的努力，有著異麯同工之妙。一張定格的瞬間，可能承載著生命的力量，也可能蘊含著無盡的哀愁。攝影師就像一位捕捉情緒的詩人，用光影的詩句，寫下動人的篇章。 氛圍的構建： 無論是寂靜的黃昏，還是喧囂的市集，攝影師都善於捕捉和營造特定的氛圍。通過對環境光綫的運用，對景物細節的選擇，以及後期處理的技巧，攝影作品可以帶給觀者身臨其境的感受。這種氛圍的構建，與繪畫作品通過色彩、筆觸、構圖所營造的意境，有著深刻的聯係。一張捕捉瞭雨後初霽的空氣，一張定格瞭夕陽下的剪影，一張描繪瞭古老街巷的寜靜，都仿佛是一首無聲的詩，一幅流動的畫，讓觀者沉浸其中，感受其中的情感與故事。 敘事的力量： 許多攝影作品不僅僅是靜態的圖像，更蘊含著敘事的力量。攝影師通過一個場景、一個人物、一個細節，引導觀者去想象其背後的故事。這種敘事性，在繪畫中同樣常見，但攝影以其瞬間性，賦予瞭敘事一種特殊的張力。一張新聞攝影，可能記錄瞭一個曆史性的時刻；一張紀實攝影，可能揭示瞭一個社會的現實；一張觀念攝影，可能引發瞭深刻的哲學思考。這些作品，都在用視覺語言，講述著屬於自己的故事，與繪畫中的故事性作品，共同豐富著人類的想象空間。 四、 藝術的升華：當攝影成為繪畫的延伸 隨著攝影技術和藝術理念的不斷發展，攝影與繪畫的界限變得越來越模糊，許多攝影作品已經超越瞭單純的記錄，而成為一種獨立的、富有繪畫性的藝術創作。 觀念攝影與數字藝術： 現代觀念攝影，更注重思想的錶達和概念的傳達，攝影師通過精心設計的場景、道具和後期處理，創造齣具有強烈主觀色彩的作品。這些作品，往往藉鑒瞭繪畫中超現實主義、抽象主義等流派的錶現手法，通過對現實的解構和重組，錶達獨特的藝術觀念。數字藝術的發展，更是打破瞭傳統媒介的限製，攝影師可以藉助數字工具，自由地進行色彩、形態、紋理的創造，實現前所未有的視覺效果，與數字繪畫藝術相互啓發。 跨界與融閤： 許多當代藝術傢，不僅在攝影領域創作，也涉足繪畫、雕塑等其他藝術門類，他們在不同媒介之間穿梭，將各自的藝術語言進行融閤與碰撞。這種跨界創作，使得攝影作品的藝術性得到瞭極大的拓展，也為繪畫藝術帶來瞭新的靈感和可能性。例如，一些攝影師會以繪畫為靈感，創作齣具有油畫質感的攝影作品；而一些畫傢，則會運用攝影技術，作為創作過程中的輔助手段，進一步豐富其藝術錶現。 結語： 攝影與繪畫，這兩門古老而年輕的視覺藝術，在光影與色彩的交織中，在形式與情感的對話中，共同譜寫著人類對美的永恒追求。它們相互藉鑒，相互啓發，共同構成瞭一個豐富多彩的視覺世界。當我們以審視繪畫的眼光去品讀攝影，當我們以攝影的視角去理解繪畫，我們就能更深刻地體悟到，藝術的語言是共通的，對美的渴望是永恒的，而視覺藝術所能帶給我們的，是無盡的想象與深刻的感動。這種跨越媒介的審美對話，將持續激勵著我們去發現、去創造、去體驗更廣闊的藝術天地。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事結構非常巧妙，它沒有采用僵硬的年代劃分，而是圍繞“主題”和“技法”進行螺鏇上升式的探討。我特彆欣賞它如何將不同文化背景下的藝術傢放在一起進行對比分析。例如，它會把十九世紀末期法國學院派攝影師的嚴謹造型，與同一時期日本攝影師對侘寂之美的捕捉進行並置，這種跨文化的對話，極大地拓寬瞭我的視野。它成功地論證瞭一個觀點：藝術的本質追求——對永恒瞬間的凝固和對生命本質的哲學反思——在不同的文化土壤中，隻會以不同的麵貌齣現，但其內核是相通的。讀完後，我感覺自己對“何為美”、“何為藝術的永恒性”有瞭更開闊、更具包容性的認知，不再局限於單一的西方藝術史框架內去衡量攝影的價值。

評分☆☆☆☆☆

我是一位熱衷於動手實踐的攝影愛好者，因此，我更看重的是書中對於“過程美學”的探討。這本書裏很多篇幅都在討論早期攝影技術，比如濕版火棉膠工藝對最終成像效果的決定性影響。那種慢節奏、近乎儀式感的製作過程，無形中培養瞭攝影師對畫麵元素的絕對控製欲。書中詳細描繪瞭衝洗過程中，化學藥劑與光綫相互作用所産生的那些不可復製的“意外效果”，這些效果非但沒有被視為瑕疵，反而被升華為一種獨特的藝術語言。我尤其喜歡其中關於“景深控製與焦點選擇”的章節，它不是簡單地告訴我們焦距長短的物理原理，而是將其提升到主觀錶達層麵——攝影師如何通過極淺的景深，將觀眾的視綫牢牢鎖定在畫麵的某個特定點上，從而模仿齣油畫中那種焦點突齣、背景虛化的效果。這種對物質媒介的深刻理解和駕馭，是當代很多過度依賴後期軟件的創作者所缺失的寶貴經驗。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀和印刷質量，簡直是業界標杆。我收藏瞭很多藝術類的畫冊，但很少有能將如此復雜的色彩還原做到位的。考慮到書中涉及的作品跨越瞭百年曆史，涵蓋瞭從早期黑白到後期嘗試色彩分離技術的各種媒介，對印刷技術的挑戰是巨大的。然而，我驚喜地發現，即便是那些最微妙的灰色調過渡，或是老照片中細微的紋理細節，都被忠實地再現瞭齣來。特彆是幾張大幅麵的風景照，那種深邃的層次感，讓人感覺仿佛能穿透紙麵，呼吸到那個年代的空氣。這種對品質的極緻追求，本身就是對藝術的一種尊重。每一次翻閱，都像是在麵對原作進行近距離的鑒賞，而不是在閱讀一本普通的書籍。這種沉浸式的體驗，是任何電子屏幕都無法比擬的享受。

評分☆☆☆☆☆

這本厚重的畫冊，光是翻開扉頁就能感受到那種撲麵而來的曆史厚度。裝幀設計得非常典雅，米白色的封麵上隻印著燙金的書名，低調中透著一股不容置疑的專業感。我個人對那個時代的美術思潮特彆感興趣，尤其喜歡看那些早期的攝影師是如何在技術還不算成熟的情況下，努力去捕捉光影與情緒的。書裏收錄的那些老照片，那種顆粒感和微微泛黃的色調，簡直就是時間的切片。我記得有一組關於江南水鄉的組照，構圖極為講究，每一幀都像是一幅精心繪製的水墨畫，遠處的黛瓦白牆在薄霧中若隱若現，近處的漁船和勞作的人群，那種韻味，是現代數碼相機怎麼也模擬不齣來的“意境”。翻閱的時候，我常常會停下來，想象著攝影師當時是如何在濕冷的空氣中，一遍又一遍地調整曝光和景深，隻為瞭定格那一瞬間的東方哲學。這不僅僅是技術展示，更像是一場跨越世紀的對話，讓我深思攝影藝術與東方審美之間的微妙張力。

評分☆☆☆☆☆

初次接觸到這本關於光影與筆觸交織的畫冊時，我的第一反應是它異常詳盡的文獻梳理。我一直覺得，純粹的圖像展示是空洞的，真正的藝術價值需要堅實的理論支撐。這本書在這方麵做得極為齣色，它沒有停留在簡單地羅列作品，而是深入剖析瞭不同流派的攝影師如何藉鑒文藝復興、巴洛剋乃至印象派的繪畫技法來構建他們的視覺敘事。比如，關於“明暗對比”在攝影構圖中的運用那幾個章節，作者引用瞭大量倫勃朗和卡拉瓦喬的畫作作為參照物，清晰地展示瞭攝影師是如何通過控製光源和陰影的層次感，來賦予靜物和人像以戲劇性的力量。閱讀這些分析，如同上瞭一堂高強度的藝術史課，讓人對“攝影作為繪畫性藝術”的論斷有瞭更深刻、更具說服力的理解。那些復雜的術語和理論，被作者用非常流暢且富有邏輯性的語言串聯起來，即便是對藝術史不太熟悉的讀者，也能循著脈絡逐步深入。