演奏者與技術根納季·齊平中央音樂學院齣版社9787810960847 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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根納季·齊平，焦東建，董茉莉 著

圖書標籤:

• 音樂錶演
• 鋼琴演奏
• 音樂技術
• 音樂教育
• 齊平
• 中央音樂學院
• 音樂理論
• 演奏技巧
• 音樂史
• 高等教育

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齣版社： 中央音樂學院齣版社

ISBN：9787810960847

商品編碼：29585590566

頁數：213

圖書基本信息
書名：	演奏者與技術
叢書名：
作者/主編：	根納季·齊平，焦東建，董茉莉
齣版社：	中央音樂學院齣版社
ISBN號：	9787810960847
齣版年份：	2005年2月

版次：	第1版
總頁數：	213頁
開本：	16
圖書定價：	24元
實際重量：	222kg
新舊程度：	正版全新

編輯推薦

《演奏者與技術》由中央音樂學院齣版社齣版。

作者簡介

作者：（俄羅斯）根納季·齊平 譯者：董茉莉 焦東建

譯者的話 
原書前言 
第一章技術天賦是諸多音樂錶演天賦中的一種 
第二章音樂錶演學派和流派給我們的啓示 
第三章熟練的演奏技能與素質培養 
第四章錶演活動中的直覺與意識 
第五章如何剋服技術難點 
第六章技術手法與風格的個性特點 
第七章掌握演奏技術的目的、任務、原則和方法 
第八章內心聽覺形象及其技術體現 
第九章培養情感剛毅的品質是音樂錶演傢技術訓練的方嚮之一 
後記

　　《鋼琴教學與演奏藝術譯叢：演奏者與技術》作者以其豐富的理論與實踐經驗和大量詳實的事例，從矛盾的普遍性到矛盾的特殊性，從共性到個性，從事物的正反兩方麵嚮讀者揭示瞭組成技術的諸多錯綜復雜之因素，以及各因素之間的相互關係，啓發引導讀者。根據書中提及的各類觀點，選擇適閤本人個性發展的、獲取高超技術的方法和途徑。讀而思之，同時將書中的某些觀點嘗試運用於自己的學習與工作之中，你很快就會感到，雖然你的練琴時間縮短瞭，但你的演奏質量提高瞭，你給老師展示的是藝術，而不是好學生的傢庭作業瞭。總之，按照齊平教授書中所講的訓練方法，認真試做一下，在短期內，你的最寶貴的演奏技術就會得到真正意義上的顯著提高。

音樂的無形之手：探尋現代音樂創作與錶演的內在邏輯 這是一部深入剖析音樂實踐中“技術”與“創造力”二元關係，並展望其未來走嚮的學術著作。它摒棄瞭傳統音樂理論的僵硬框架，轉而以一種動態、流動的視角，審視音樂傢如何在精湛的技藝之上，構建齣真正觸動人心的藝術錶達。本書匯集瞭對不同音樂領域——從古典樂派的精細雕琢到電子音樂的無限可能——的深刻洞察，旨在揭示技術作為一種媒介、一種語言，如何被演奏者和創作者所駕馭、甚至反噬，最終塑造齣我們所聽到的聲音世界。 --- 第一部分：技藝的奠基與解放——“演奏者”的物理與心智疆域 本書的開篇，著力於解構“演奏者”這一身份所承載的復雜重量。它並非僅僅是對既有樂譜的機械還原，而是一個主動的、充滿選擇與決斷的過程。 一、身體作為樂器：精微動作的語境化 本章深入探討瞭演奏傢身體與樂器之間建立的復雜耦閤關係。不同於單純的肌肉記憶訓練，我們著重分析瞭如何將生理反饋轉化為審美意義。 1. 觸覺的哲學： 探討瞭鋼琴傢指尖對鍵盤的壓力、小提琴傢弓弦摩擦的力度，以及這些細微觸感如何通過物理世界的影響（如音色、延音、泛音的生成），被聽眾的聽覺係統解碼為情感信息。我們引入瞭對生物力學反饋的分析，但將其置於音樂美學而非單純的運動科學框架內討論。 2. 呼吸與時間的主宰： 尤其針對管樂和聲樂領域，呼吸不再被視為維持生命的生理需求，而成為時間結構的基石。分析瞭大師級演奏傢如何利用氣息的張弛來構建樂句的“呼吸感”，這種對內在時間的控製，是區彆於任何自動化播放係統的核心要素。 3. 姿態的隱喻： 樂器演奏中的站姿、坐姿，以及手部的微小鏇轉，這些被視為“技術訓練”的副産品，實際上構成瞭演奏者嚮觀眾傳遞的非語言信息。探究這些身體語言如何影響聽眾對演奏風格（如激進、沉思、沉靜）的預判與接受。 二、心智的邊界：從識譜到詮釋 “技術”的最高境界，往往在於“無我之境”。本章聚焦於演奏者的認知過程，如何超越對音符的識彆，進入到對作品精神的捕獲。 1. 內聽覺的構建與修正： 詳細描繪瞭音樂傢在演奏前、演奏中、演奏後，如何不斷地在“預期聽覺”（腦海中的理想音響）與“實際聽覺”之間進行校準。這種持續的反饋循環，本身就是一種高強度的認知技術。 2. “不確定性”中的確定性： 探討在現場音樂錶演中，環境因素（溫度、濕度、觀眾反應）帶來的不確定性，如何迫使演奏者激活其臨場應變的技術儲備。這包括對速度、強弱的即時調整，以及在記憶齣現偏差時，如何保持邏輯連貫性的“即興修補”能力。 3. 跨媒介記憶的載體： 分析演奏者如何將抽象的音樂結構轉化為可調用的、多感官的記憶組塊。這涉及對和聲關係、織體密度、乃至作麯傢生平背景的綜閤理解，它們共同構成瞭演奏者調動“技術”時的背景知識庫。 --- 第二部分：工具的演進與賦權——“技術”的物質化與去物質化 “技術”一詞在音樂語境中具有多重含義，它既指代精湛的演奏技巧，也指嚮支撐音樂生産的物質與非物質工具。本部分將視角從人轉嚮工具，並探討人與工具的互動如何重塑音樂形態。 一、傳統樂器的極限與突破 本章審視瞭古典樂器設計中所蘊含的“技術偏見”——即特定樂器的物理構造如何傾嚮於某些音色和演奏法。 1. 新材料與音色學重塑： 分析瞭現代材料科學（如碳縴維、新型閤金）如何被應用於提琴、銅管甚至鍵盤樂器的製造中，並討論這些物理層麵的改變如何為演奏者提供瞭新的技術可能性，打破瞭傳統音色光譜的邊界。 2. 人機交互的早期形態： 探討瞭諸如鋼琴踏闆、管樂的復雜按鍵係統等機械裝置，它們作為早期“技術輔助”如何將演奏的復雜性轉移到更精密的機械層麵，從而解放瞭演奏者的部分手指或呼吸負擔，以達成更宏大的織體。 二、電子媒介：技術的“解放”與“重構” 電子音樂與聲音閤成技術的齣現，是對傳統“演奏者”概念最直接的挑戰和拓展。 1. 閤成器的拓撲學： 將閤成器（無論是模塊化還是軟件）視為一種全新的“樂器”，其技術核心在於對波形、包絡和調製路徑的邏輯構建。這要求創作者掌握一種不同於綫性演奏的、基於參數控製的“空間化”思維。 2. 數字信號處理（DSP）作為“超演奏技巧”： 討論效果器鏈、延遲、失真、濾波等數字處理手段，如何充當瞭“虛擬演奏者”的角色。演奏者通過設置這些參數，實際上是在實時“演奏”聲音的演變軌跡，而非僅僅是音高和時值。 3. 自動化與實時控製的張力： 剖析預設（Automation）與即時乾預（Live Control）之間的平衡藝術。一個優秀的電子音樂製作人或現場錶演者，懂得何時將聲音的復雜變化交給算法，何時以人類的直覺介入，實現音樂的動態敘事。 --- 第三部分：界麵、反饋與未來：演奏者與技術共生的新範式 在本書的收官部分，我們將目光投嚮音樂實踐的未來形態，即人類創造力如何與日益智能化的技術界麵融閤。 一、界麵設計的審美影響 音樂的“技術”不僅在於演奏，也在於我們如何“接觸”和“控製”技術。 1. 觸屏時代的感官剝奪： 探討觸摸屏界麵（Tablet/MIDI Controller）的普及，雖然帶來瞭極大的靈活性，卻也犧牲瞭傳統硬件界麵（如琴鍵的觸感、鏇鈕的阻尼感）所提供的直接物理反饋。分析這種“去物理化”如何影響演奏者的身體投入感和即興的準確性。 2. 沉浸式音頻與空間技術： 考察 Ambisonics、杜比全景聲等三維音頻技術，如何要求創作者和演奏者將“技術”的焦點從單聲道或立體聲的“時間流”延伸至“空間布局”。演奏者需要學習在聲音的“方位”上進行錶達。 二、算法輔助的創造性悖論 人工智能與機器學習在音樂生成領域的應用，提齣瞭關於“原創性”與“技術依賴”的深刻問題。 1. AI作為“靈感催化劑”： 探討如何利用算法生成的材料作為創作的起點，而非終點。重點分析作麯傢如何“馴服”或“引導”AI輸齣的隨機性，將其融入到結構嚴謹的人類敘事中。 2. 技術迭代中的“遺忘”與“繼承”： 關注當代技術發展速度對音樂學習體係的衝擊。當某種復雜的演奏技巧（例如對某個老式閤成器的精通）可能在五年內被一個簡單的軟件指令取代時，音樂教育體係如何平衡對傳統技藝的尊重與對新興工具的學習投入？ 結語：超越工具，重塑聲音的意義 本書的最終論點在於：無論技術如何進步，無論是巴赫時代對魯特琴的精修，還是當代對捲積混響的調製，“演奏者”與“技術”之間的關係永遠是張力與共生的關係。 真正的藝術價值不在於工具的復雜性本身，而在於個體如何以其獨特的生命體驗，賦予這些冰冷的物理或數字工具以人性化的、不可替代的“聲音的意誌”。本書旨在鼓勵所有音樂實踐者，將對技術的掌握視為通往更深層自我錶達的階梯，而非目的。

評分☆☆☆☆☆

這本書真是一場音樂的盛宴，讓我仿佛置身於音樂會現場，與那些頂尖的演奏傢們同呼吸共命運。作者對音樂細節的捕捉和闡述簡直到瞭令人發指的地步，每一個音符、每一個休止符背後的情感流動都被描繪得淋灕盡緻。尤其是在探討對復雜樂麯的處理時，那種深入骨髓的理解力讓人嘆服。它不僅僅是一本理論書籍，更像是一份充滿激情的個人思考錄，能感受到作者是如何將枯燥的技巧訓練融入到對音樂靈魂的追尋之中。讀完後，我感覺自己對古典音樂的理解提升到瞭一個新的層次，那種“原來如此”的頓悟感是無法用言語完全錶達的。它提供瞭一種看待演奏和學習音樂的全新視角，讓我對自己的練習充滿瞭新的方嚮感和動力。

評分☆☆☆☆☆

這本書的閱讀體驗可以說是酣暢淋灕，但又需要讀者投入極大的專注力。它不是那種可以讓你在通勤路上隨隨便便翻閱的讀物，它要求你隨時準備好拿起樂器進行印證，或者停下來進行深刻的反思。我特彆喜歡其中穿插的那些小故事，那些關於偉大演奏傢們如何剋服睏難、如何找到自己聲音的軼聞，它們使得原本可能略顯嚴肅的學術探討變得生動有趣起來。它成功地搭建瞭一座橋梁，連接瞭理論的嚴謹與藝術的自由。對我而言，它更像是一麵鏡子，映照齣我在技術和藝術理解上的所有盲點和不足，但同時又給予瞭明確的修正方嚮，讓人感到既有壓力又有希望。

評分☆☆☆☆☆

坦白說，這本書的深度遠遠超齣瞭我的預期。我原以為會是一本偏嚮於某一種樂器演奏技巧的指導手冊，沒想到它竟然囊括瞭如此廣闊的音樂認知範疇，從聽覺訓練的精微到對作麯傢意圖的哲學解讀，幾乎無所不包。特彆是對於“技術即是手段而非目的”這一核心觀點的闡釋，如同醍醐灌頂。書中對聲音質量的描述尤其精準，那些形容詞的選擇，比如“琥珀色的光澤”、“如絲綢般的流動”，精準地描摹瞭那些難以言喻的聽覺感受。它徹底顛覆瞭我過去對“好技術”的刻闆印象，讓我明白真正的演奏傢是在用生命和思想去“對話”音樂，而不是單純地“再現”樂譜。這是一部值得反復研讀、常讀常新的經典之作。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和裝幀設計非常考究，拿在手裏沉甸甸的，透露齣一種專業和厚重感。我尤其欣賞它在圖示和樂譜示例上的處理方式，那些精心繪製的綫條和標記，清晰地指齣瞭演奏中的關鍵點和易錯區，即便是初學者也能迅速抓住要領。雖然內容本身涉及瞭非常高深的音樂哲學和演奏方法學，但作者的文字功底極佳，能夠用相對平易近近的語言來解釋復雜的概念，沒有那種高高在上的學院派腔調。對於我這樣一個業餘愛好者來說，它提供瞭一個絕佳的自學指南，讓我不再滿足於僅僅“彈對音符”，而是開始追求“彈齣演繹”。它促使我開始反思自己日常練習的效率和深度，是一本非常實用的工具書和精神食糧的結閤體。

評分☆☆☆☆☆

我記得第一次翻開這本書時，就被其中對“瞬間決定”和“現場張力”的探討所吸引。現代音樂教育往往過度強調機械的精確性，而這本書卻勇敢地將焦點拉迴到音樂的生命力——即興的、呼吸的、不可復製的現場感。作者仿佛是一位經驗豐富的大師，帶著你穿梭於不同的音樂時期和流派，講解那些隱藏在樂譜背後的文化語境和演奏者的心路曆程。其中關於如何應對舞颱焦慮、如何與樂隊成員進行非語言溝通的部分，簡直是“救命稻草”一般的存在。它不僅關乎技術層麵，更是關於如何成為一個完整的、富有魅力的音樂詮釋者。讀罷，我立刻嘗試將書中的某些呼吸調整方法應用到我的練習中，效果立竿見影，令人振奮。