钢琴音乐教育新评说 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

刘巍巍张舒然吕岩... 编

图书标签:

• 钢琴教育
• 钢琴音乐
• 音乐教育
• 钢琴教学
• 音乐评论
• 艺术教育
• 钢琴技巧
• 音乐欣赏
• 儿童教育
• 高等教育

店铺： 博库网旗舰店

出版社： 西安交大

ISBN：9787569300277

商品编码：29661992020

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：钢琴音乐教育新评说
• 作者：刘巍巍//张舒然//吕岩
• 定价：50
• 出版社：西安交大
• ISBN号：9787569300277

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：206
• 字数：231千字

内容提要

钢琴音乐教育在我国音乐教育中占据着重要的地 位，无论是专业钢琴教育还是业余钢琴教育，无论是 启蒙教育还是进修提升钢琴教育，在**都占有大量 的市场。刘巍巍、张舒然、吕岩著的《钢琴音乐教育 新评说》从新的角度出发，系统、深入地探讨钢琴音 乐教育，其内容涉及钢琴音乐教育的几个重要层次， 钢琴音乐教育的分寸感，钢琴音乐教育的实践以及钢 琴音乐教育的文化内涵等。
    

目录

第一章 钢琴音乐及其教育中的分寸感
第一节 钢琴音乐的艺术
第二节 钢琴音乐教育中的分寸感之哲学思考
第三节 钢琴音乐教育中的分寸感之美学依据
第二章 钢琴音乐教育的层面分析
第一节 钢琴音乐教育中对钢琴学习的叩问
第二节 钢琴音乐的初始积累
第三节 钢琴音乐教育中的技术与音乐论辩
第四节 钢琴音乐教育中对创造力的呵护
第五节 钢琴音乐教育中的综合学习
第六节 大学钢琴教学分析与诠释
第三章 钢琴音乐教育的内容与实践
第一节 钢琴的声音
第二节 钢琴演奏技巧研究
第三节 运音法与乐句划分表现
第四节 时值点滴
第五节 钢琴踏板的应用
第四章 钢琴音乐教育中对表演艺术的探索
第一节 钢琴作曲家密码破译
第二节 纵观全局与把握风格
第三节 钢琴演奏的心理号隋感探究
第五章 钢琴音乐教育中的文化内涵
第一节 钢琴音乐作品的人文内涵
第二节 中国钢琴作品的人文意象与中国钢琴梦
参考文献

穿越时空的交响：一部关于古典音乐史诗的全新解读 图书名称：《巴赫之魂与贝多芬之怒：西方古典音乐的形而上学追溯》 图书简介 本书并非一部传统的音乐史编年录，亦非枯燥的技法分析手册。它是一次深入肌理、力求触及西方古典音乐核心精神的哲学思辨之旅。我们试图剥离那些被时间固化、习以为常的解读框架，用当下的认知去重新审视那些被奉为圭臬的音乐巨匠及其作品所蕴含的文化基因、人性挣扎与宇宙图景。 第一部：巴赫的秩序与神圣几何 我们将从约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的生命轨迹与创作逻辑切入，但重点不在于他“如何”精通对位法，而在于“为何”他需要构建如此复杂精密的音乐结构。 一、巴赫：时间的建筑师与数字的先知 本书认为，巴赫的音乐是中世纪晚期至启蒙初期理性思潮与虔诚信仰交汇的产物。他的赋格曲并非简单的技巧展示，而是对宇宙间潜在秩序的音乐化表达。我们详细剖析了《平均律键盘曲集》中蕴含的数学美学，探讨了“十二平均律”在当时社会文化背景下所代表的意义——它既是技术上的妥协，也是对自然界“不完美和谐”的承认。 对位法的形而上学意义： 每一个声部的独立性与整体的统一性，映射了启蒙运动早期对个体自由与社会契约的思考。巴赫如何通过音乐的“辩证法”来解决结构内部的矛盾，并最终回归到一种神圣的、不可动摇的中心。 礼拜音乐中的世俗挣扎： 探究《马太受难曲》等大型宗教作品中，巴赫如何处理人类最深沉的痛苦、怀疑与最终的救赎。这些音乐片段如何跨越宗教藩篱，触及所有人在面对有限生命时的普遍性焦虑。我们特别关注人声的运用，分析其如何承载叙事和情感的重量，使其区别于纯器乐的抽象表达。 二、通往洛可可的微光：巴赫的继承者与风格的过渡 简要梳理巴赫晚期对音乐风格的影响，重点分析其子辈（如C.P.E.巴赫）在“情感表达”与“清晰性”之间的摇摆，这预示着音乐审美即将从宏大叙事转向个体细腻情感的关注。 第二部：古典主义的曙光与理性之美的确立 海顿、莫扎特、贝多芬——这三位巨人，共同奠定了西方音乐形式的基石。本书将古典主义视为一场关于“可理解性”的伟大社会实验。 一、海顿：交响乐的立法者与幽默的哲学 海顿常被简化为“交响乐之父”，但其贡献远超形式创新。我们着重分析海顿在主题发展中如何运用“冲突——解决”的叙事模式，以及他作品中标志性的诙谐曲（Scherzo）如何作为一种对严肃哲思的调剂，体现了维也纳上流社会对智性趣味的追求。 奏鸣曲式的新疆界： 解析奏鸣曲式不仅仅是一种结构，更是音乐在时间维度上对逻辑推理和戏剧张力的精确控制。 二、莫扎特：透明之下的复杂性与“绝对音乐”的巅峰 莫扎特的作品常常被赞誉为“天籁”、“完美”。本书挑战这种“轻盈”的表象，深入剖析其旋律和声下潜藏的深刻悲剧性与对既有秩序的微妙反思。 歌剧中的人性剖析： 以《费加罗的婚礼》和《唐璜》为例，探讨莫扎特如何运用音乐语言揭示社会阶层间的权力暗流与禁忌欲望，他的“透明”实则是对复杂人性毫不留情的洞察。 协奏曲中的对话与张力： 分析钢琴协奏曲中独奏乐器与乐队之间的互动，视之为个体（独奏者）在集体（乐队）中争取自我表达空间的一种隐喻。 第三部：贝多芬：从古典到浪漫的“英雄意志” 贝多芬是文化史上的一个断裂点。他不再是为赞助人服务的工匠，而是为人类精神而呐喊的“艺术家主体”。 一、第九交响曲：理想主义的黄昏与普罗米修斯式的傲慢 贝多芬的后期作品，尤其是第九交响曲，被视为人类理性自决的高峰。本书将重点放在“合唱”的引入上——这是一种打破纯器乐界限、试图直接对话全人类的激进行为。 “英雄”主题的演变： 从第三号交响曲的史诗性祭奠，到第五号交响曲的“命运敲门”，再到最后的“欢乐颂”，我们追踪贝多芬如何将个人意志（Will）提升为一种普世的、甚至是带有僭越色彩的哲学信念。 晚期弦乐四重奏： 探讨这些被认为是“晦涩难懂”的作品，如何彻底瓦解了古典形式的规范，进入了一种高度个人化、近乎独白的音乐语言，为后来的浪漫主义和现代主义铺平了道路。 第四部：回响与未竟的事业 本书的最后部分，将简要论述巴赫、莫扎特、贝多芬这三位巨匠的创作遗产如何塑造了随后的浪漫主义浪潮（如舒伯特、勃拉姆斯），以及他们的“形式教条”如何最终被打破，为二十世纪的音乐探索提供了必须面对的参照系。 本书的独特价值： 本书拒绝将音乐史视为一条平滑的进步曲线。相反，它将古典音乐的演变视为人类精神对“秩序”、“和谐”、“自由”和“个体存在”这些永恒命题的持续追问。通过对作品背后的文化语境、哲学思辨以及情感张力的挖掘，读者将能以一种更具批判性和共鸣感的方式，重新聆听这些跨越时空的伟大杰作。它提供了一套理解古典音乐的“精神地图”，而非简单的“技术指南”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版设计本身就透露出一种对“声音美学”的执着追求。我指的是《音色构建与钢琴的物理特性》这本书，它完全避开了传统乐理的框架，转而从钢琴制作工艺和声学物理学的角度来解析演奏艺术。作者详尽地介绍了不同时期钢琴榔头材质、弦轴排列对音色产生的决定性影响，这使得我们能更好地理解为什么同一首曲子在老式施坦威和现代三角钢琴上听起来会截然不同。书中甚至附带了一些关于如何通过调整演奏厅的软硬件环境来优化钢琴音色的专业建议。最吸引我的是对“共振”现象的探讨，它清晰地解释了如何通过正确的手臂重量和触键深度，最大限度地激活琴弦的泛音，从而获得温暖、饱满且具有穿透力的音质，这本书更像是一本高级乐器保养与使用手册。

评分☆☆☆☆☆

这部新出版的《钢琴演奏的艺术与技术》简直是为每一个渴望精进技艺的钢琴学习者量身打造的宝典。书中对古典时期，尤其是莫扎特和海顿作品的演奏风格进行了极其深入的剖析，不再仅仅停留在指法和音符的准确性上，而是着重探讨了历史背景、作曲家意图与现代诠释之间的微妙平衡。作者以其深厚的学院派背景，详细阐述了如何处理复调音乐中的层次感，比如巴赫赋格曲中那复杂交织的主题线索，书中提供了许多创新的听觉训练方法，帮助学习者“听见”结构，而非仅仅“弹奏”结构。我尤其欣赏其中关于踏板使用的章节，它打破了许多传统教学中过于保守或过于随意的教条，提出了根据音乐厅声学特性和钢琴音色特点进行“呼吸式”运用的理念，读来茅塞顿开。对于中级到高级的演奏者来说，这本书提供的不仅是技巧指导，更是一种音乐哲学的升华，它让你重新审视每一个乐句的呼吸点和情绪张力。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对许多探讨“即兴演奏”的书籍总是抱持着一种怀疑态度，因为即兴往往被描绘得过于玄妙，难以捉摸。然而，这本《即兴之源：基于和声语汇的键盘探索》却以一种极其系统和逻辑化的方式，将即兴创作分解成了可学习的模块。它不是要求你凭空想象，而是从爵士乐的和声进行（如II-V-I的变体）出发，教授一系列“模进”和“替换”的规则。书中提供了大量针对不同调性、不同速度的即兴伴奏模板，并通过清晰的图表展示了和弦内音与经过音的选择逻辑。对于我这种偏爱古典乐、对爵士乐即兴感到畏惧的学习者来说，它提供了一条平滑的过渡路径，让你在遵循既定规则的同时，也能感受到创造的乐趣，大大拓宽了钢琴演奏的边界，使其不再局限于曲谱的再现。

评分☆☆☆☆☆

作为一名常年从事音乐教育工作的教师，我最看重的是教学法的创新。《面向二十一世纪的键盘教学法革新》这本书从认知心理学的角度出发，重新审视了早期音乐教育中的“枯燥性”问题。它提出了“多模态输入”的学习模型，即不仅仅依赖视觉和听觉，还大力提倡触觉反馈和运动记忆的协同作用。书中介绍的许多游戏化练习和即兴创作模块，非常适合用来激发低龄儿童的学习兴趣，将枯燥的音阶练习转化为有趣的“手指舞蹈”。更令人耳目一新的是，它探讨了技术障碍的“心理根源”，而不是简单地归咎于手指僵硬或练习不足，而是深入挖掘了演奏焦虑和完美主义倾向是如何固化不良习惯的，并提供了实用的“心智重塑”练习。这本书对于一线教师而言，无疑是一剂强心针，让我们的教学方法与时代同步。

评分☆☆☆☆☆

我最近在研究浪漫主义晚期钢琴作品的演奏问题，市面上很多教材要么过于偏重肖邦的“歌唱性”，要么过于强调李斯特的“炫技性”，鲜有能将两者融会贯通的深度分析。《键盘上的诗篇：浪漫主义的声景构建》这本书恰好填补了这个空白。它对德彪西和拉威尔的印象派和声进行了极其细致的和声学拆解，比如如何利用半音进行和声的模糊化处理，以及如何通过触键的细微变化来模拟管弦乐队的音色织体。作者的文字风格非常具有画面感，他引导读者想象声音在空间中的流动和扩散，而不是仅仅关注指尖下的键盘。其中关于“非线性时间感”的讨论，尤其精彩，这对于处理那些没有明确节拍标记的自由速度乐段至关重要，它教会你如何在不失整体脉络的前提下，给予局部以充分的自由度，这对提升演奏的灵性和情感深度非常有帮助。