李东田作品集2 李东田著 北京美术摄影出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李东田著 著

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• 北京美术摄影出版社

店铺： 河北省新华书店图书专营店

出版社： 北京美术摄影出版社

ISBN：9787805015491

商品编码：29739165352

包装：精装

出版时间：2013-10-01

基本信息

书名：李东田作品集2

定价：650.00元

作者：李东田著

出版社：北京美术摄影出版社

出版日期：2013-10-01

ISBN：9787805015491

字数：

页码：

版次：5

装帧：精装

开本：16开

商品重量：2.524kg

编辑推荐

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在中国造型界，李东田的影响力不容置疑。他那招牌式的阳光笑容后，是舍我其谁的自信与大气。是他，改变了中国影视剧中浓墨重彩带有话剧气质的化妆方式，改为一种更贴近生活，又传神细腻的化妆手法；是他，发现了国际超级名模吕燕，推动了中国名模造型与国际接轨。他与近20年中国几乎所有的一线明星都合作过。他是中国时尚发展的见证者、参与者、推动者。他创造了一个行业，他获得了至高无上的封号——中国彩妆教父。

距离、空间、底蕴、灵犀、性格、纯色、气质、沉淀、格调、激情、纯美、品位、性感、坚持、冷漠、风尚、包容、洞察、本色、主流——徜徉于《李东田作品集》之中的时尚关键词……一同期待，一同感悟。

内容提要

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1. 李冰冰、章子怡等众多时尚名流经典妆发造型欣赏
2. 李东田先生多年匠心艺术的展示与回顾专辑
3. 大开本精美装订展示前沿时尚魅力
4. 多角度全方位诠释和分享东田造型美学理念
《李东田作品集Ⅱ》是东田造型公开发行的*造型师李东田先生的作品合辑，是近年行业扛鼎之作，也是东田造型倾力打造的力作，旨在通过对李东田先生多年匠心艺术的展示与回顾，诠释和分享东田造型美学理念，以“东田视角”见证行业的发展脉络和潮流趋势，在大师的作品中感悟时尚的前沿魅力。

目录

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作者介绍

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李东田，身为*造型师，德国哈苏公司高级客座讲师。世界姿生堂SHISEIDO的首席彩妆顾问,自1991年正式进入中国时尚圈以来，以其对国际流行元素的敏锐感觉和把握，多年来始终走在潮流前列，执掌造型界牛耳，左右时尚走向。其作品在时尚界非常响亮。

文摘

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序言

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飞越时空的剪影：中国近现代艺术史的多元图景 本书并非李东田先生作品的汇编，而是对中国近现代艺术发展历程进行的一次深入、多维度的考察与梳理。它以更宏大的历史视野，聚焦于十九世纪中叶至二十世纪下半叶，中国艺术在内忧外患与社会巨变背景下所经历的复杂转型与创新。 一、序章：历史的洪流与艺术的萌动（1840-1911） 本书的开篇追溯了晚清时期，在西方列强文化冲击下，中国传统艺术（如国画、书法）所面临的生存危机与自我调适。我们详尽分析了“海派”与“京派”在题材、笔墨运用上的分野，探讨了如吴昌硕、任伯年等早期革新者如何在坚守文人精神内核的同时，吸收西方写实主义和光影概念的尝试。特别关注了照相技术传入对传统肖像画和风俗画产生的颠覆性影响，以及新兴的民间艺术形式（如月份牌画）在商业化浪潮中的兴起与社会意义。 二、新旧交替的阵痛与探索（民国初年-1937） 这一部分是全书的重点之一，聚焦于民国时期艺术教育体系的重塑。我们细致剖析了蔡元培“美育取代宗教”的教育理念如何催生了中国第一批具有现代艺术教育背景的艺术家群体。 油画与西画东渐： 详细梳理了林风眠、徐悲鸿等留学归国艺术家如何将欧洲不同流派（野兽派、印象派、古典写实主义）的技法与中国审美趣味相结合。徐悲鸿的“素描为一切造型艺术之基础”如何成为当时艺术院校的主导思想；而林风眠则探索了东方意境与西方现代构图的融合，其对色彩的独特运用，为中国画坛注入了新的活力。 中国画的革新： 探讨了以“岭南画派”为代表的，对传统笔墨进行“写实化”和“色彩化”改造的努力。解析了他们如何借鉴西方透视法和光影原理，使山水花鸟画摆脱传统程式的束缚，更贴近现实观察。 三、战火中的坚守与流散（1937-1949） 本书不回避战争对艺术生态的巨大影响。在民族危亡之际，艺术承担起了强烈的社会责任感。 现实主义的转向： 分析了在抗战时期，许多艺术家从精英化的审美转向了深入民间、关注底层疾苦的创作方向。木刻运动的兴起被视为这一时期最重要的艺术现象之一，它以其强烈的黑白对比和匕首般的锋利感，成为控诉黑暗、鼓舞人心的有力武器。 文化流亡与传承： 考察了抗战后方（如重庆、昆明）艺术教育的艰难维系，以及不同艺术流派在动荡年代的相互支持与思想碰撞。 四、建国初期的理想主义与格局重塑（1949-1966） 新中国的成立标志着艺术的意识形态和创作方向发生了根本性的转变。 社会主义现实主义的全面确立： 详细阐述了苏联艺术经验的引入对中国美术教育和创作规范的全面影响。重点分析了“十七年文学艺术的成就”，如何围绕“工农兵”主题，构建宏大叙事。我们审视了老一辈艺术大师（如齐白石、张大千等）在新的政治环境下如何调整创作姿态，以及新兴的少数民族题材和版画的繁荣。 学术体系的整合： 剖析了中央美术学院等重点院校如何通过院系调整，形成以写实主义为核心的教学范式，以及这一范式在建筑壁画、连环画等公共艺术领域中展现出的强大生命力。 五、变革与回归的序曲（1966-1976） 这一时期，艺术创作的中心从审美转向了政治符号的构建。本书客观记录了这一特定历史阶段下，艺术形态的极端简化和符号化倾向，以及艺术家们在极端环境下的精神状态与作品的特殊语境。 六、拨乱反正与“向世界观望”（1976年以后） 篇章的收尾部分，聚焦于改革开放初期艺术界的巨大苏醒。 “星星美展”的冲击波： 分析了非官方艺术群体如何以先锋姿态挑战既有规范，标志着对“抒发个人情感”权利的重新夺回。 文化热与思潮的涌入： 探讨了西方现代主义思潮（如后现代主义、符号学）在中国的迅速传播，以及由此引发的对“文化寻根”的讨论，艺术家们开始反思中国本土的文化身份与现代化的关系。 本书旨在为读者提供一个清晰的脉络，理解中国近现代艺术并非单一线性的发展，而是由古典的坚守、西方的引入、革命的激情、理想的建构与个体的回归共同编织而成的一部复杂而引人入胜的视觉史诗。它避免了对某一特定艺术家的深度聚焦，而是致力于描绘那段充满张力、不断寻求突破的时代背景与艺术生态。

评分☆☆☆☆☆

从文化史的角度来看，这本书无疑是研究特定时代艺术风貌的一个重要参照物。它不仅记录了个人的艺术轨迹，更折射出那个时代社会思潮与审美趣味的变迁。通过阅读作者对当时文化环境的描述与反思，我们得以窥见彼时艺术家们在面临中西文化交融、传统革新等宏大命题时的内心抉择与艺术担当。作者的文字里蕴含着一种深沉的文化自觉，他清楚地知道自己的艺术站在历史的哪个坐标点上，又试图将目光投向何方。这种历史的纵深感，使得这本书的价值超越了单纯的艺术鉴赏范畴，上升到了文化研究的高度。对于想要全面理解二十世纪中国视觉艺术发展脉络的爱好者来说，这本书提供了不可替代的、来自内部的声音和视角，极大地丰富了我们对那个时代文化景观的认知。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的叙事节奏把握得非常出色，它没有采用那种流水账式的自传体写法，而是巧妙地将不同时期的创作思考、生活感悟以及艺术理论的碰撞穿插进行。这种非线性叙事反而更符合艺术创作的内在逻辑——灵感往往是跳跃的、碎片化的，而最终的整合才是水到渠成。在谈及某一个创作瓶颈期时，文字中流露出的那种挣扎与自我砥砺，让人感同身受，仿佛能触摸到创作者内心的起伏。特别是对于一些早期作品的自我剖析，坦诚得令人动容，没有回避早期的稚嫩，反而将其视为成长的阶梯。这种真实感是吸引读者的重要因素，它打破了“大师光环”的距离感，让我们看到一个有血有肉、不断探索的灵魂。读完一个章节，总有一种意犹未尽的感觉，迫不及待地想知道他如何将这种内在的挣扎转化为外在的革新。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计简直是匠心独运，拿到手里就能感受到一种沉甸甸的历史感和艺术气息。封面采用的材质，那种略带粗砺却又不失细腻的触感，让人忍不住想反复摩挲。色彩搭配上也十分考究，深沉的底色衬托着内文标题的醒目亮色，仿佛在无声地诉说着作品背后的深厚底蕴。更值得称赞的是内页的排版，字里行间留有的呼吸空间恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又在视觉上形成了一种错落有致的美感。我尤其喜欢其中对于插图和文字的布局处理，作者的笔触和印刷的精度达到了完美的和谐统一，即便是对印刷工艺不甚了解的人，也能直观地感受到这绝非一般的出版制作水准。装订得非常牢固，即便是经常翻阅，也丝毫不用担心松散脱页的问题，看得出出版社在细节上投入了巨大的心血，这使得阅读体验不仅仅停留在内容本身，更成为了一种对精美实物的欣赏过程。这种对书籍本体的尊重和热爱，是现代快餐式阅读时代里难得一见的精品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论深度是毋庸置疑的，但最令我惊喜的是它对于实践操作的指导意义。它不仅仅停留在高屋建瓴的宏大叙事上，而是常常会落到具体的技法层面，比如对色彩调和的独特见解，对线条力量的精妙解读，甚至是不同媒材之间的相互作用分析。对于正在从事相关艺术领域或者对艺术学习有浓厚兴趣的读者来说，这些内容简直是宝藏。它不像某些理论书籍那样晦涩难懂，而是通过大量平实易懂的语言，将复杂的技术原理阐释得清晰明了。我甚至尝试根据书中的一些关于光影处理的描述，在自己的练习中进行模仿，惊喜地发现作品的层次感和立体感确实有了显著提升。这说明作者不仅是理论上的巨匠，更是扎根于实践的实干家，这使得整本书的实用价值得到了极大的提升。

评分☆☆☆☆☆

初读这位艺术家的思想脉络时，我最大的感受是其作品中那种跨越时代界限的生命力。他的观点并非一味地复古或盲目追新，而是在对传统文化的深挖与咀嚼之后，提炼出了一种极具个人辨识度的现代表达方式。尤其是关于“意境”的探讨，他没有用那些空洞的学术辞藻去堆砌，而是通过一个个生动具体的案例，将抽象的美学概念具象化，让人豁然开朗。阅读过程中，我时常会停下来，合上书本，在脑海中勾勒出他描述的场景，那种光影的流动、材质的对比，仿佛能穿透纸面直达内心。这种深刻的洞察力，让我反思自己过去对很多经典事物的理解可能过于肤浅。这本书的价值，不仅在于它呈现了艺术家的创作成果，更在于它提供了一把理解复杂艺术世界的钥匙，引导读者从更深层次去探寻“美”的本质。