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MCOO动漫 著

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出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115483294

商品编码：30022169236

出版时间：2018-07-01

页数：144

书名：	漫画新手启 萌 Q版人物素描技法教程|8046543
图书定价：	22元
图书作者：	MCOO动漫
出版社：	人民邮电出版社
出版日期：	2018/7/1 0:00:00
ISBN号：	9787115483294
开本：	16开
页数：	144
版次：	1-1

内容简介

我们在看动漫作品的时候，常常会被人物夸张的造型和生动的形象所吸引，有没有想过有朝一日你也能绘制出心中的角色？其实，梦想离我们并不遥远！本系列图书将带领你走进漫画的大门，让你从零开始一点一滴地学习和积累动漫绘画方面的知识。 全书分为4篇，共10章内容：第 1篇包含了第 1章的内容，主要介绍了Q版人物的特点，让大家能够了解什么样的动漫人物才算是Q版人物；第 2篇包含第 2～5章的内容，本篇分别从五官和头发的细节绘画、五官和表情的内在联系、动态表现和头身比表现等方面讲解了如何塑造Q版人物的身体；第3篇包含第6～7章的内容，重点讲解了Q版人物基本动作的表现和不同类型Q版人物的绘制；第4篇包含第8～10章的内容，本篇则是特质Q版人物和不同年龄段Q版人物的创作实例，同时讲解了如何进行人物设定。 本书讲解系统，图例丰富，适合初、中级漫画爱好者作为自学用书，也适合相关动漫专业作为培训教材或教学参考用书。

目录

第 1篇 开启漫画Q版人物之路 第 1章 漫画Q版人物应该具备哪些特点？ 1.1 按比例缩放人物 7 普通漫画人物的头身比8 Q版人物的头身比 8 1.2 将人物身体可爱化 10 躯干的变化10 四肢的变化11 1.3 将人物面部可爱化12 脸型的变化12 1.4 将人物表情夸张化14 夸张的表情让人物更加活泼 14 夸张的表情让人物更加生动14 夸张的表情让人物更加丰满15 1.5 缩放人物道具 15 道具与人体比例要合适15 要突出道具的特征16 第 2篇 构造漫画Q版人物身躯 第 2章 有头有脸的细节绘画 2.1 面部五官的表现 17 眉毛17 眼睛18 鼻子 19 嘴巴21 耳朵23 2.2 人物脸型的表现 25 瓜子脸 25 圆脸 25 方脸26 由字脸26 其他脸型 26 2.3 头发发型的表现27 短发的表现28 长发的表现29 其他发型30 2.4 头发发色的表现31 黑色31 棕色31 金黄色31 其他颜色32 2.5 人物头部绘制练习33 练习1 35 练习2 35 练习3 35 第3章 五官和表情的内在联系 3.1 从眉毛和眼睛的组合看变化 36 3.2 从面部的五官配合来丰富表情 38 3.3 从五官的变化体现人物的情绪 40 正面情绪的表现 40 负面情绪的表现 41 3.4 Q版人物表情绘制实例 43 喜43 害羞44 怒45 哀46 吃惊47 面部表情的符号化48 第4章 人物动态的生动表现 4.1 手部的表现51 手掌51 手背52 4.2 手臂的表现53 伸直的手臂 53 弯曲的手臂 53 手臂的动态表现54 4.3 脚部的表现55 脚部形态 55 脚部动作与表现55 4.4 腿部的表现56 腿部形态56 腿部的动态表现 56 4.5 身体的表现 57 身体简化 57 身体表现 57 Q版男生的表现 59 Q版女生的表现 59 第5章 人物的头身比是重中之重 5.1 2头身Q版人物的表现 61 比例划分详解 61 人物绘制范例 61 5.2 3头身Q版人物的表现 62 比例划分详解 62 人物绘制范例 62 5.3 4头身Q版人物的表现 63 比例划分详解 63 人物绘制范例64 5.4 5头身Q版人物的表现 65 比例划分详解65 人物绘制范例65 第3篇塑造漫画Q版人物形象 第6章 学会绘制人物的基本动作 6.1 人物基本动态 66 站66 坐67 走68 跳69 跪70 躺70 趴 71 6.2 Q版人物基本动态的表现 72 站姿的表现72 坐姿的表现73 走姿的表现 74 跑的动作表现75 跳的动作表现76 6.3 Q版人物动态练习77 唱歌 78 立正78 迎宾79 发呆 80 手舞足蹈81 第7章 快速上手绘制各种Q版人物 7.1 了解人物类型的特质及服饰表达 83 7.2 人物类型的表现 85 7.3 认识人物的类型87 腼腆类88 阳光类 89 文静类90 拘谨类 91 活泼类 92 傲慢类93 冷漠类94 7.4 不同类型的Q版人物的绘制 95 腼腆类95 阳光类96 文静类97 拘谨类98 腹黑类99 第4篇 学会创作漫画Q版人物 第8章 特质Q版人物的表现 8.1 通过衣着风格来表现 100 制服类101 复古类102 宴会类103 华丽类105 8.2 通过饰品搭配来表现107 帽子（头饰）107 手套108 耳环108 腰带109 鞋子110 其他配饰111 个性服饰112 8.3 通过习惯姿势来表现 113 高gui公主113 女巫113 战士113 武士114 啦啦队女孩 114 服务员114 8.4 特质Q版人物创作实例 115 穿着和服的小女孩 115 穿着校服的小女孩116 高gui富家女117 女服务员118 第9章 配合人物设定来表现人物动态 9.1 配合人物的发型119 9.2 配合人物的表情120 9.3 配合人物的情绪121 动作传递人物情绪121 情绪使画面内容充实121 9.4 配合人物的衣着122 9.5 配合画面的设定124 9.6 Q版人物动态创作实例125 跳跃126 跳舞127 第 10章 Q版人物绘制实战 10.1 不同年龄段的Q版人物的表现128 婴幼儿128 少年129 青年130 中年131 老年132 10.2 绘制实例133 实例1 133 实例2 135 实例3 137 实例4 139 实例5 141 实例6 142 实例7 143

深度解析与实践：高级油画技法探索与大师风格再现 书名： 深度解析与实践：高级油画技法探索与大师风格再现 作者： 艺术评论家及资深油画家 联合编写 出版社： 艺术之光出版社 --- 内容提要： 本书并非面向初学者的基础入门读物，而是为已经掌握油画基础理论与基本操作，渴望在技法上寻求突破、深化艺术理解的进阶画家量身打造的高端教程。它聚焦于油画艺术中那些最复杂、最微妙，也最能体现个人风格的高级技法。我们深入剖析了从文艺复兴大师到印象派、后印象派乃至当代大师们在材料处理、光影捕捉、色彩层次构建以及肌理表现上的核心秘密。全书结构严谨，理论支撑扎实，辅以大量高清实例分析和作者的独家实践步骤演示，旨在帮助读者跨越瓶颈期，真正掌控油画这门古老而充满生命力的媒介。 第一部分：油画材料的深度探究与个性化调配（Material Mastery） 本部分超越了对颜料品牌和画笔类型的简单介绍，着重于理解材料背后的化学原理与艺术表现潜力。 第一章：基底的选择与预处理的艺术 1. 画布的生命力： 麻布、棉布与合成基底的物理特性对比分析。探讨不同纹理（粗细、织法）对画面最终质感的决定性影响。 2. 传统与现代底料的配方哲学： 详细解析传统石膏底（Gesso）与现代丙烯底料的构成、干燥时间与渗透性差异。探讨使用特定油性底料（如牛油底）对颜料附着力和光泽度的影响。 3. “受胎”的秘密： 学习如何根据主题（风景、肖像、静物）调制具有特定吸收性和色调的底色。深入研究“温色底”与“冷色底”在影响画面整体色温中的微妙作用。 第二章：油层的化学、流动性与老化控制 1. 媒介剂的科学： 不再满足于“亚麻籽油+松节油”的简单组合。深入研究提纯的达玛树脂、威尼斯松节油、改良油、干燥油（如罂粟油、核桃油）的分子结构，以及它们在混合后对颜料粘度、透明度和光泽度的精确控制。 2. “肥盖瘦”的进阶应用： 解释油层厚度与干燥速度的平衡理论，探讨在多层罩染（Glazing）过程中，如何通过精确调整媒介剂比例，确保每层油膜稳定，避免龟裂和“失光”现象。 3. 颜料的内涵： 对矿物颜料（如群青、群青、赭石）和合成有机颜料的化学稳定性和色光特性进行对比，学习如何通过自制研磨颜料，获得商业颜料无法比拟的纯净度与颗粒感。 第二部分：光影、空间与形式的构建（Advanced Illumination & Form） 本部分将视角提升到对三维空间和光线本质的捕捉，重点训练观察力和精确的体积塑造能力。 第三章：非中性色调下的光影分析 1. 环境光的解析： 区别分析日光、室内灯光（钨丝灯、LED）、阴影区反射光（环境色）对物体色彩的影响。学习如何识别和描绘“非中性”的阴影，例如暖色物体在蓝光下的阴影呈现。 2. 高光与“艾斯佩克特”（Aspect）： 超越简单的白色点缀。探讨高光点（Highlight）的形态、密度和边缘处理（硬边与柔边），如何利用微妙的灰度变化来暗示材料的质感（金属的锐利、皮肤的柔和）。 3. 空气透视的精微化： 在描绘深远景物时，如何通过控制色相的偏冷、纯度的降低以及细节的模糊，精确模拟大气对色彩和清晰度的衰减效果。 第四章：复杂结构与动态捕捉 1. 人体的解剖学与光影的交汇： 结合骨骼与肌肉结构，分析光线穿过皮肤和脂肪层时的穿透感（Subsurface Scattering，次表面散射的模拟）。重点攻克关节、褶皱和复杂曲线区域的光影过渡。 2. 运动中的瞬间捕捉： 针对动态场景（如奔跑、舞蹈），讲解如何利用“动态模糊”的油画技法，通过笔触的方向性与形体的省略，营造强烈的运动速度感，而非仅仅是静止的姿态描绘。 第三部分：色彩的交响乐：超越写实的色彩语言（Tonal Language & Harmony） 本部分旨在解放画家的色彩直觉，引导他们进行有目的性的色彩选择与情感表达。 第五章：色彩关系学的深入实践 1. 色彩的“重量”与“温度”平衡： 如何在画面中配置“视觉重量”更重的深色区域与“轻盈感”更强的浅色区域，同时保持整体的色彩和谐。 2. 对比度的精确控制： 学习使用“同时对比”原理，通过在目标色块周围安排特定的邻近色，来放大或削弱目标色的纯度与明度，实现色彩的戏剧性效果。 3. 调色的“去饱和”艺术： 探讨如何巧妙地引入互补色或环境色进行“微调”，使高饱和度的色彩变得耐看、高级，避免画面色彩的“俗气”或“过于平坦”。 第六章：罩染（Glazing）与洇染（Scumbling）的终极技法 1. 透明的层次构建： 罩染技法的详细分解，演示如何通过多层、极薄的透明色层，在底层色彩之上叠加新的色相与光泽，创造出宝石般的深度感（尤其适用于暗部和皮肤的塑造）。 2. 干擦（Scumbling）的应用： 探讨在干燥的底色上，用硬笔蘸取极少量、高粘度的浅色颜料进行“干擦”，以模拟雾气、粗糙纹理（如老墙面）或光线在物体表面的漫反射效果。 第四部分：风格的淬炼与大师的语汇重构（Reconstructing Masters’ Vocabularies） 本部分要求读者从模仿走向理解，分析特定大师的“笔触语言”。 第七章：文艺复兴与巴洛克的精确性 1. 提香（Titian）的“色彩笔触”： 分析其如何利用多变的笔触密度和颜料厚度来构建形体，尤其是在晚期作品中，笔触如何独立于形体存在而赋予画面生命力。 2. 伦勃朗（Rembrandt）的“光线雕塑”： 拆解其在黑暗背景中运用厚涂（Impasto）和快速扫笔的技法，重点模拟其如何处理光线边缘的模糊与断裂感，营造强烈的心理剧场效果。 第八章：印象派与后印象派的笔触革命 1. 莫奈（Monet）的“光斑语言”： 学习如何通过并置不完全混合的纯色点或短促的笔触，让眼睛在观看距离上完成色彩的融合，捕捉瞬间的光影波动。 2. 梵高（Van Gogh）的“方向性肌理”： 深入研究其标志性的涡旋状、波浪状笔触，分析这些笔触如何不仅描绘了物体，更传达了画家对自然界内在能量的感知。 结语：构建个人化的技法体系 本书的最终目标是引导读者将这些高级技术内化为自身表达的工具。我们将探讨如何从对材料和技法的绝对控制中解放出来，将精力集中于主题的情感深度与个人风格的独特提炼，实现从“匠人”到“艺术家”的蜕变。 --- 目标读者群体： 艺术院校高年级学生、专业油画家、美术教师、希望系统提升油画技艺的严肃业余爱好者。 预计篇幅： 约 350 页，全彩印刷，包含 200 多个高精度作品局部放大图解。

评分☆☆☆☆☆

我是一个美术设计专业的学生，平时接触的素描教材多是写实派的古典静物或者人体解剖，对于风格化的学习材料总是持保留态度，总觉得它们不够“严谨”。但是，这本教程成功地打破了我的偏见。它在教授Q版风格的技法时，对于人体结构的基本遵循并没有放松。比如，在简化四肢比例时，作者清晰地标注了“在保持关节功能性不变的前提下，如何进行夸张和压缩”。这说明作者非常清楚，风格化的基础依然是建立在扎实的解剖学之上的，只是在表现形式上做了艺术处理。书中对“动态捕捉”的讲解也特别到位，它用一系列动态草图来展示人物在跑步、跳跃、跌倒等动作中，身体重心的转移和关节的弯曲点，即便角色被画得很Q萌，其动态的逻辑依然是准确且富有张力的。这对于我这种需要将风格化融入到商业设计项目中的人来说，提供了非常宝贵的、兼顾了艺术表现力和技术准确性的参考。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是没得说，封面色彩鲜亮，插图那种灵动劲儿一下子就抓住了我的眼球。我收到包裹的时候就觉得特别惊喜，比图片上看起来还要精致。内页纸张的质感也相当不错，摸起来滑滑的，油墨印得也很清晰，完全没有那种廉价感。作为一个长期混迹于手绘圈子的人，我深知好的印刷质量对于学习绘画有多重要，这本教材在这一点上处理得非常到位，让人爱不释手，光是翻阅的过程都成了一种享受。而且这本书的排版布局非常人性化，不是那种密密麻麻全是文字的枯燥教科书，而是图文并茂，重点突出，初学者看起来完全没有压力。很多教程书籍都会犯的错误，比如关键步骤解释不清或者图片分辨率太低，在这本书里完全没有出现。尤其是那些示范图例，线条流畅自然，细节处理得恰到好处，那种“跃然纸上”的感觉，让人忍不住想立刻拿起笔来模仿。可以看得出来，作者在设计这本教材时是下了大功夫的，它不仅仅是一本工具书，更像是一件精心制作的艺术品，对于提升读者的学习热情有着潜移默化的作用。我已经迫不及待地想翻到后面的内容，看看那些素描的秘密了。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买过很多关于“入门”的绘画书籍，大部分都只能陪你度过最初几页的新鲜感，很快就会因为内容过于浅显或者进度跳跃太大而被我束之高阁。然而，这本教材的“循序渐进”做得极其出色，它就像一位耐心十足的老师，全程陪跑。最初几章从最基础的线条练习和基础几何体开始，非常稳健，没有急着跳到人物面部，而是先让你熟悉握笔的手感和控制力。然后才慢慢过渡到五官的简化和组合，每一步都有“练习挑战”环节，让你立刻动手实践。最让我满意的是，它在不同的章节里，会回顾之前学过的知识点，比如在讲解头发的绘制时，会再次用到之前学过的光影原理和体积塑造技巧，形成了一个完整的知识闭环。这种反复的巩固和知识点的相互印证，让学习的知识点不容易遗忘，而是融会贯通。我已经很久没有遇到一本能让我保持如此高昂学习动力的教程了，这本书的结构设计，无疑是成功的关键所在。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了日系动漫风格的插画，总觉得自己的线条总是僵硬板滞，画出来的人物脸部表情总是“死气沉沉”的。在网上搜寻各种速成教程时，无意中发现了这本，原本只是抱着试一试的心态下单的，没想到它给我带来了巨大的启发。最让我欣赏的是它对于“神态”的捕捉，书中用了很多篇幅讲解如何通过眼角、嘴角、眉毛的细微变化来表达复杂的情绪。比如，书中详细拆解了“疑惑”、“不屑”和“惊喜”这三种状态下，面部肌肉群是如何协同作用的，并且配上了极其细致的解剖结构图，这比我以前看过的任何教案都来得直观和透彻。它没有停留在简单的“照猫画虎”的表面，而是深入到了造型背后的逻辑。我照着书上的步骤尝试画了一个带有嘲讽意味的侧脸，惊喜地发现，仅仅通过调整下颌线的角度和鼻翼的阴影处理，人物的性格就立刻鲜活了起来。这种底层逻辑的讲解，对于想真正建立自己绘画体系的人来说，简直是无价之宝。我感觉自己仿佛打开了一扇新世界的大门，终于明白为什么别人的作品总能自带“气场”了。

评分☆☆☆☆☆

对于我这种“手残党”来说，学习绘画最大的障碍永远是“透视”和“光影”这两个拦路虎，每次画到结构复杂的场景或者需要表现体积感的时候，我就会彻底抓瞎。这本书在处理这些硬核技术问题上，简直是教科书级别的典范。它没有直接抛出复杂的几何公式，而是非常巧妙地用“空间盒子”和“光线追踪”的概念来比喻和解释。例如，在讲解如何画出圆润的头部时，作者不是简单地说“画个球”，而是用多角度的光源照射在一个虚拟球体上的效果图，清晰地展示了高光、亮面、灰面、暗面和反光之间的过渡关系。更重要的是，它将这些理论知识无缝衔接到Q版人物的绘制中，告诉你如何在保持可爱风格的前提下，依然能够准确地塑造出符合空间规律的形体。我用书中的方法尝试画了一个打着侧逆光的小人，之前总是画得像个平面贴纸，现在能明显感受到那种三维的立体感和空气感了。这部分的讲解逻辑性极强，层层递进，让人感觉复杂的问题一下子变得清晰可解了。