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李超 等 著

图书标签:

• 中国绘画史
• 古代绘画
• 绘画史
• 艺术史
• 中国艺术
• 历史
• 文化
• 绘画
• 艺术
• 简史

出版社： 中华书局 ， 上海古籍出版社

ISBN：9787101070552

版次：1

商品编码：10620313

品牌：中华书局

包装：平装

丛书名： 文史中国

开本：大32开

出版时间：2010-03-01

用纸：胶版纸

页数：187

正文语种：中文

编辑推荐

《中国古代绘画简史》为“文史中国”丛书之一种，是专为青少年读者精心编写的通俗文化读物。本书通过生动的文字、精美的图片，全面展示了中国古代绘画形成、发展的历史，及其对中国文化的重大影响。
全中国的中小学生、全世界的华人学子，是本书的当然读者。读者们在清新优美的文字和图文并茂的情境中，感受到中华民族“爱国、团结、和谐、奋斗”的伟大的民族精神，成为一个出色的中国人。

内容简介

《文史中国》丛书首批共38本，分为四个系列：“辉煌时代”、“世界的中国”、“文化简史”、“中华意象”。四个系列互相联系，同时又自成体系，为读者多视角多侧面地展示中华文明。
“文化简史”系列共10本，从中国人文化生活的各部类入手，历时性地介绍中国人知行合一的生活情趣，高尚优雅的审美理念，以及传承有序、丰富多姿的文化积累，从而为当代人的生活文化与中国文化走向世界提供启示。
本书通过生动的文字、精美的图片，全面展示了中国古代绘画形成、发展的历史，及其对中国文化的重大影响。

内页插图

目录

第一章 原始绘画
岩画艺术
彩陶纹样

第二章 先秦及秦汉绘画
帛画艺术
宫殿壁画和墓室壁画

第三章 魏晋南北朝绘画
人物画的“传神”新标准
佛教画的初传
绘画理论的初步成就及山水意识

第四章 隋唐五代绘画
人物画和道释画
隋唐五代的山水画
隋唐五代的花鸟画
张彦远《历代名画记》

第五章 宋代绘画
“翰林图画院”和南宋花鸟画
北宋的山水画和南宋四家
宋代的文人画和道释画

第六章 元代绘画
元初的士大夫画
元四家的文人山水
水墨花鸟和“四君子

第七章 明代绘画
明代院体绘画
浙派绘画
吴门画派
董其昌及其“南北宗”
“南陈北崔”和“青藤、白阳”

第八章 清代绘画
“四王”和“四僧”
大写意花鸟画
西泠八家
海派绘画
深入阅读

精彩书摘

第一章 原始绘画
中国绘画在历史悠久的传承过程中，一直保持着非常独特而连贯的发展脉络，并逐渐形成和发展成熟了一套自成系统的绘画语言和表现元素。梳理中国绘画的历史，从另一个角度来说，也就是发现这些语言和元素产生、逐步成长、成熟、变化的过程。而这个过程的萌芽，就是在原始人尚不知道何为艺术的情况下，创造出来的原始艺术品里所蕴含的纯朴而自然的美感。
岩画艺术
中国绘画始于何时何地，这是一个争议不断的话题，因为不断有新的考古发现推翻或是修正那些既成的定论，但是，如果抛除严格或是片面的时间界定，而单纯从画面形式来讲，普遍认同的观点是：中国绘画最早的雏形是岩画。因为无论是从出现的大致年代判断，还是从绘画工具和技法的发展阶段来看，岩画的内容和形式都是最为原始天然的。
岩画，顾名思义就是那些凿刻或绘制在山崖岩壁上的画。这样的绘画手段也说明岩画的原始性和初步性。原始人只是凭借着天然的画材在天然的绘画空间 岩石上，开始了他们充满敬畏、毒觉神秘的创作。如果从创作目的上阱，恐怕还很难把这样的作品称为艺术品，因为它们不是出于审美考虑为了艺术而艺术，原始社会的生产状况使这样的“艺术”活动，带有天然的功利性——记录生活和巫术崇拜。但是，我们却不得不承认原始艺术那独具的魅力，那些原始的线条、色彩、图案、形象，在稚拙的模仿自然的似与不似间，合物象的写实与情节的想象于一体，传达着人类让自然为自己服务的美好愿望，也传达了人类早期的智慧闪光。如儿童的蹒跚学步一样，原始人类就是在这些岩画上，进行着关于点、线、面、色、形所构筑的美感的最初尝试。
中国的岩画数量巨大，分布广泛。20世纪50年代以来，在中国南北方18个省或自治区均有岩画发现。北方主要分布于黑龙江、内蒙古、山西、宁夏、青海、甘肃、西藏和新疆等地，南方主要分布在福建、广西、云南、四川、贵州、江苏、台湾等地。由于自然地理环境和生产生活方式的不同，北方与南方的岩画各有特色。北方岩画多采用刻凿的方法，内容多以动物为主，典型代表有新疆的天山岩画、内蒙古的阴山岩画、甘肃的黑山岩画等；而南方岩画多采用涂绘的方法，内容也多以人物为主，典型代表有云南的沧源岩画、广西的花山岩画等。从时间跨度上来说，我国岩画也不仅存在于原始社会，而是贯通了整个古代发展史，从旧石器时代一直持续到明代，都有岩画的创作活动。其中多数作品可以确知是原始社会晚期新石器时代或是青铜时代的遗存，有些年代晚的则属于广义的原始艺术范围。不同的时期，岩画的制作方法、题材、风格等都有不同。时间、空间的广泛分布，使得我国的岩画研究成为一个非常庞大复杂的工程。但是，这里我们关注的主要的对象，是那些原始的岩画早期作品，因为这是中国绘画启蒙阶段的最初形态。在这些庞杂的早期岩画中，最具有代表性的是北方内蒙古的阴山岩画和南方云南的沧源岩画。
阴山岩画群是世界上最大的岩画宝库之一。地点在内蒙古巴彦淖尔盟的阴山山脉中，东起乌拉特中旗的阿其尔山，西至磴口县的布敦毛德沟，东西横跨240公里的山地和草原的石壁上，镌刻、凿磨着数以万计的古代岩画，它们分布面积广，内容丰富，时间最早可以追溯到旧石器时代末期。早在北魏时候，阴山岩画就被地理学家郦道元发现，他在著名的《水经注》中对此作了详细的记述。阴山岩画主要反映了与北方草原游牧民族的牧猎生活相关的内容，主要有人物、动物、植物、天体、牧野、狩猎、争战、艺术等。岩画的题材，也多取材于游牧民族的狩猎活动。狩猎画数量可观，是整个岩画中最精彩的部分，表现了各种各样的猎手、武器、狩猎、围阵等场面，表达猎人获得野兽的强烈愿望和对狩猎成功的祝祷。此外，放牧画也是其中重要一部分，反映出当时人们已经懂得圈养动物，延续和保存其狩猎所得。另外，人物舞蹈、车辆及出行、骑士列队、征战图、穹庐毡帐、人面形、人手足印、图画文字、星图等，也时有所见。
阴山岩画的作画方式主要有敲凿和磨刻两种。敲凿是利用比画面石料硬度高的金属器或石器，在岩壁上打击成理想图形。磨刻亦称研磨，就是用钝器在岩石表面逐渐磨凹出所构思形象。纵观阴山岩画群，我们可以从中见到原始游牧民族的艰辛和充满信心与自然抗争的原始生活，也可以通过那些鲜活和富于力量感的画面，来感受他们的不屈精神和早期智慧。
与阴山岩画相映成趣的，是云南沧源佤族自治县境内的沧源岩画，代表了南方农耕民族的艺术特色。这个岩画群有10个岩画点，图形1000多个。内容更多的与人有关，并有情节性。例如有一幅场面很大的村落图，中心是由不同样式的房屋聚合而成的村落。从中我们可以得知早期房屋的基本样式，是以柱杆支撑的干栏式；当时氏族的居住模式，村中心有氏族公用的大屋子。在这幅图中还表现了村落的两侧各有道路向外延伸，路上的人群似乎表示一场战争的交战与凯旋过程。其他还有表现原始舞蹈的，如手拉手的圆圈舞、手持牛角的围猎舞和手持盾牌的战争舞等。绘画方法也明显不同于北方的雕凿，是以赤铁矿粉调以动物血，用手指或毛羽工具蘸着颜色涂抹绘制的。
在这些岩画中，原始人用最天然的矿物材料，或是石质材料，来雕凿和涂绘他们最熟悉的生活，来与自然沟通。那些经过他们加工的图形，显得古朴、自然、抽象、凝重，充满生机。在这些岩画里，他们的造型能力和概括能力使我们极为惊叹。然而我们知道，他们并没有把自己的创作当成有意识的艺术，他们涂画这些图形的目的，本身是以巫术实用性为出发点的，尽管我们知道这样的所谓‘‘实用性”，也只是一个并不能实现的美好愿望。但是，那些写实中略带夸张变形的作品，却也确实担负了真正的实用功能，就是锻炼他们的认知能力和再现、表现能力。那些历数千年之久，数以万计的岩画遗存，就是后来美轮美奂的中国绘画的最初形式。
……

前言/序言

《全球艺术思潮：从文艺复兴到现当代转型》 一部跨越时空，深入剖析西方及全球艺术发展脉络的恢弘巨著。 本书并非聚焦于某一特定区域或断代风格，而是以全球视野，系统梳理了自欧洲文艺复兴肇始，直至二十一世纪初现当代艺术思潮跌宕起伏的演进历程。我们旨在描绘一幅宏大而细致的艺术地图，探究不同文化背景下的艺术家如何回应时代精神、技术变革和社会结构重塑，并最终如何共同构建了我们今天所认知的“世界艺术史”。 第一部分：理性之光与人文复兴（约1400-1600年） 本部分将从意大利文艺复兴的萌芽开始，深入探讨人文主义思想如何重塑了艺术的本体论。我们将详细分析透视法、解剖学知识的回归如何为视觉艺术带来了前所未有的“真实感”，及其背后所蕴含的对个体价值的肯定。 章节细述： 1. 佛罗伦萨的曙光： 乔托的突破，布鲁内莱斯基的几何空间，以及马萨乔在壁画中对立体感的革命性运用。重点解析早期文艺复兴时期城市精英阶层对艺术赞助的模式及其影响。 2. 盛期的辉煌与平衡： 深入研究达·芬奇的“晕染法”、米开朗基罗对人体雕塑式表达的极致追求，以及拉斐尔的和谐构图。我们将超越简单的风格描述，探讨这些大师如何将哲学思辨融入视觉语言。 3. 北方的细腻与精神性： 转向尼德兰地区，聚焦扬·凡·艾克的油画技术革新，以及丢勒将意大利的人文精神与日耳曼的虔诚传统相结合的过程。分析北方艺术在细节描摹和象征主义运用上的独特贡献。 4. 风格的转向——矫饰主义： 探讨盛期古典理想在政治动荡（如宗教改革）面前的瓦解，以及艺术家们如何通过拉伸、扭曲、不和谐的色彩来表达内在的焦虑与复杂性。 第二部分：宏大叙事与启蒙的冲突（约1600-1800年） 本部分聚焦于巴洛克和洛可可风格的兴起，分析艺术如何成为权力（君主制与教会）表达其意志的工具，以及随后的启蒙运动如何促使艺术回归理性、道德和普世价值。 章节细述： 1. 巴洛克的戏剧性冲击： 卡拉瓦乔的光影对比（明暗对照法）如何直接冲击观众的感官体验；贝尼尼的动态雕塑如何模糊了建筑、雕塑与绘画的界限。重点分析巴洛克艺术在天主教反宗教改革中的宣传功能。 2. 古典的复兴与规范化： 法国路易十四宫廷对古典主义（新古典主义的前身）的推崇，学院派体系的建立与僵化。探讨这种学院体系如何塑造了欧洲大陆的艺术教育标准。 3. 荷兰的市民肖像与风俗画： 这是一个独特的现象——一个新兴的资产阶级市场如何催生了伦勃朗的心理深度、维米尔的光影魔术，以及大量的风俗画和静物画。分析这种商业驱动对艺术主题的解放作用。 4. 洛可可的精致与感官享乐： 探讨这一风格如何作为对巴洛克宏大叙事的逃避，聚焦于贵族私密生活、轻盈的装饰性以及感官的愉悦，及其在法国大革命前的社会背景。 5. 启蒙时代的道德回归： 雅克-路易·大卫的新古典主义如何将古罗马的共和美德作为批判当代腐败的武器，分析启蒙思想如何将艺术的“教化功能”置于核心地位。 第三部分：现代性的爆发与技法的颠覆（约1800-1900年） 十九世纪是艺术史上最具爆炸性的时期，工业革命、城市化、摄影术的诞生，迫使艺术家们重新定义“绘画的目的”。本部分将详细考察浪漫主义的反叛、现实主义的社会介入，以及印象派对光与瞬间的执着捕捉。 章节细述： 1. 浪漫主义的激情与个体内在： 对抗启蒙的理性，浪漫主义强调情感、直觉、异域风情和对自然的崇高（Sublime）体验。德拉克洛瓦与戈雅的作品分析。 2. 现实主义的社会责任： 库尔贝提出“我画我能看见的”，拒绝神话与历史题材。探讨现实主义如何与新兴的社会主义思潮相结合，将劳动者和普通生活提升为艺术主题。 3. 摄影术的挑战与媒介危机： 摄影术的出现对再现的传统构成了根本性挑战。艺术家们如何回应这一技术冲击？这直接引向了色彩与感觉的自主性探索。 4. 印象派的革命： 莫奈、雷诺阿等人如何从自然光线的科学研究中提炼出新的视觉语言。重点分析他们对工作室的放弃，以及对户外瞬间性体验的捕捉，以及由此带来的对传统“完成度”观念的颠覆。 5. 后印象派的结构与情感回归： 塞尚对形式的结构性分析（开启了立体主义的基础）、梵高对色彩的主观表达（预示表现主义），以及高更对异域文化象征的探索。这是现代艺术从“再现”向“建构”过渡的关键十年。 第四部分：全球性的交汇与二十世纪的断裂（约1900年至今） 本部分将进入二十世纪的艺术“主义”的狂欢，探讨两次世界大战、全球化进程以及电子媒介对艺术观念的根本性重塑。 章节细述： 1. 立体主义的解析与多重视角： 毕加索和布拉克如何通过分解和重组物体，引入了时间和多重观察点的概念，彻底打破了文艺复兴以来的焦点透视传统。 2. 表现主义与艺术的心理战场： 从德国的“桥社”到俄国的先锋派，艺术成为表达焦虑、异化和对工业文明的抗议的直接工具。分析基尔希纳和康定斯基的非具象探索。 3. 达达主义与反艺术的诞生： 第一次世界大战催生了对所有既有文化价值的彻底质疑。杜尚的现成品（Readymades）如何将艺术的焦点从“制作技能”转移到“观念选择”上。 4. 超现实主义的潜意识挖掘： 弗洛伊德精神分析理论对艺术的影响，达利和马格里特的“梦境逻辑”如何挑战了理性对现实的定义。 5. 抽象表现主义与美国艺术的崛起： 二战后，艺术的中心从巴黎转移到纽约。波洛克（行动绘画）和罗斯科（色域绘画）如何通过完全自主的媒介语言来表达普世的人类境遇和个体存在。 6. 后现代的多元转向： 从波普艺术（安迪·沃霍尔对消费文化的挪用）到极简主义对艺术品的物质性和去除个人情感的探索。分析当代艺术如何在全球化语境下，持续解构“原创性”、“大师”和“艺术史”的权威叙事。 结语：艺术的持续提问 本书最后将探讨当代艺术实践中，对身份政治、新媒体技术（如数字艺术和装置艺术）的介入，以及全球南方艺术家的声音如何挑战西方中心主义的历史框架。我们强调，艺术史并非一条线性的进步之路，而是一系列关于观看、理解和存在方式的持续性对话与挑战。 本书特色： 跨文化参照： 辅以对伊斯兰装饰艺术、日本浮世绘（对印象派的影响）等非西方艺术影响的专门章节，构建真正的全球视角。 理论深度： 整合了贡布里希、丹托、格林伯格等重要艺术理论家的核心观点，帮助读者理解艺术风格背后的哲学基础。 技术分析： 详细解析了不同时期关键技术的革新（如油画媒介、铸造技术、摄影原理）对艺术表达的直接影响。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买这本书是有点冲动的，毕竟市面上关于中国传统艺术的书籍汗牛充栋，大多内容趋同，乏善可陈。但这部作品的切入点非常新颖。它并没有像许多通史那样，按朝代线性铺陈，而是采取了一种主题式的解构，比如专门开辟一章探讨“文人画”中那种不以形似为目的的“抒情性”，以及它如何与士大夫阶层的精神生活紧密交织。书中对元代四大家作品的分析尤其精辟，不是简单地介绍笔墨技巧，而是联系到了当时元代文人“避世”的心态，如何将内心的郁结和高洁通过枯湿浓淡的墨色渗透出来。我特别喜欢作者在对比不同时期“人物画”时所用的那种犀利的眼光——从魏晋风度的飘逸洒脱，到唐代仕女图的雍容华贵，再到明清市民阶层兴起后画风的世俗化，那份观察入微，直击时代精神。虽然全书篇幅不薄，但作者的叙述逻辑清晰，如同构建起一座精密的知识迷宫，让你在探索历史脉络的同时，不断发现新的审美趣味点。

评分☆☆☆☆☆

我通常阅读艺术类书籍时会带着笔记本，随时记录下那些让我眼前一亮的观点，但读到这本时，我的笔却很少落下，因为作者的叙述节奏感极强，让人根本舍不得中断沉浸式的体验。特别是书中关于“水墨”与“色彩”两大体系的张力分析，简直是全书的点睛之笔。作者没有简单地把水墨画拔高到高于一切的位置，而是深入剖析了色彩在敦煌壁画和唐代人物画中的那种极致的装饰性和宗教表现力。他探讨了唐代工笔重彩如何体现帝国鼎盛时期的自信与华丽，以及后世文人对这种“俗”的自觉远离。这种对立统一的探讨，为我理解中国绘画的多样性打开了一扇窗。而且，这本书的版式处理非常人性化，注释详尽却不突兀，参考文献的列表也极为考究，看得出编纂团队的专业和用心，绝非市面上那些粗制滥造的“图册”可比拟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，封面那淡雅的冷色调搭配烫金的标题，透着一股沉静的力量。作为一位非科班出身的爱好者，我最怕的就是那些术语堆砌的理论著作，读起来晦涩难懂，如同隔着一层毛玻璃看画。然而，这部作品的文字语言却出奇的流畅且富有画面感，作者似乎深知如何将复杂的艺术理论“翻译”成普通读者也能理解的感性认知。例如，书中在解析唐代吴道子“吴带当风”的笔法时，没有直接给出僵硬的定义，而是通过一系列生动的比喻，让你仿佛亲眼看到衣袂在风中翻飞的动态美。更难能可贵的是，作者并没有将古代艺术神化，他也会客观地指出某些时期画派在创新上的局限性，以及地域性对绘画风格的固化影响。这种兼具赞颂与批判的平衡视角，让整部作品的论述更显中肯和耐人寻味，读完后，我对中国艺术史的认识不再是孤立的线条和色彩，而是与社会变迁、哲学思潮交织在一起的复杂图景。

评分☆☆☆☆☆

这部厚厚的画册，初捧在手，那份油墨的香气和纸张的质感就扑面而来，让人仿佛穿越回了那个墨分五色的时代。我尤其欣赏其中对山水画意境的探讨，书中没有过多纠缠于枯燥的年代划分和画家生平的罗列，而是深入挖掘了“气韵生动”的哲学内涵。作者似乎是一位深谙中国古典美学的行家，他用近乎散文诗般的笔触，细腻地描摹了宋代范宽笔下那吞吐万象的北方山势，以及南宋院体画中那种精微到发丝的描摹与意境的含蓄退让。读到关于“留白”的章节时，我简直是屏住了呼吸，作者阐述了那不是简单的空白，而是蕴含着无限可能性的“无”与“有”的辩证关系，如何通过几笔飞白，烘托出天地之大美。书中的图版印刷质量极高，色彩还原度惊人，即便是对古代颜料的理解不深的人，也能从那些赭石的沉稳、石青的幽蓝中，感受到画家彼时的心境与对自然的敬畏。这本书不是教科书，它更像一位饱学之士，在壁炉旁，为你缓缓道来关于中国画的“道”与“术”，读来酣畅淋漓，让人对东方美学有了全新的体悟。

评分☆☆☆☆☆

读完这本厚厚的“简史”，最大的感受是知识的充实感和审美视野的拓宽。它不像某些入门读物那样蜻蜓点水，泛泛而谈，而是选择了几个关键的转折点进行深度挖掘，将中国绘画的发展脉络梳理得井井有条，却又不失灵动。我个人对其中关于“摹本”与“原作”辨析的部分印象极为深刻，作者详尽解释了古代画家如何通过临摹前人的杰作来体悟“笔墨之道”，以及这种“师法自然”与“师法古人”之间的微妙平衡。书中对一些著名画作的局部放大解析，简直是教科书级别的示范，让你能清晰地看到画家的用笔习惯，比如皴法中的干湿浓淡是如何一笔一划地构建出山体的体积感和质感。这本书为我提供了一个扎实的框架，让我今后在博物馆或画廊面对中国古代的真迹时，能有更深层次的理解和更丰富的对话能力，不再是走马观花，而是真正地“看懂”了画背后的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

人说：读书足以移情，足以博彩，足以长才。使人开茅塞，除鄙见，得新知，养性灵。因为书中有着广阔的世界，书中有着永世不朽的精神。虽然沧海桑田，物换星移，但书籍永远是新的。这句话说得一点也不假，书籍是人类智慧的结晶，书是人类进步的阶梯。读书，就是一次与大师的对话，与智者的交流，是一次难得的精神之旅，同时也会让人收获非浅。范梅南先生说，机智是“智慧的化身”。因此，教师要做到“机智”地处理教学中的偶发事件，必须具备诸多素质和条件。我以为，以下几方面是不可或缺的：

评分☆☆☆☆☆

读书的生活是精彩的、高尚的、幸福的，教师更要把读书当成生活的一部分并学以致用，时时用全新的教学理念来支撑自己的教育教学工作。读了本书，给了我很大的影响，在今后的工作中我还需不断地学习以充实、以发展。

评分☆☆☆☆☆

由于4月23日和一些伟大作者的生卒有关，例如塞万提斯、莎士比亚、纳博科夫、哈尔多尔•拉克斯内斯、莫里斯•图翁（Maurice Druon）、何西•布拉（Josep Pla）与曼努埃尔•巴列霍（Manuel Mejía Vallejo）等。因此，为表示向书籍及其作者致以世界范围的敬意。1995年，联合国教科文组织将4月23日定为世界读书日。在2000年，受世界读书日启发，世界书都项目启动。每年有一座获选城市以世界书都之名庆祝和传扬人类的图书事业，开幕于当年的4月23日，结束于翌年的4月23日。[1]

评分☆☆☆☆☆

首先，要有一颗热爱学生的心，涵养师爱，以情促教。育人之道，爱心为先。台湾教育家高震东说：“爱自己的孩子是人，爱别人的孩子是神。”教育本身就意味着：一棵树摇动另一棵树，一朵云推动另一朵云，一个灵魂唤醒另一个灵魂。如果教育未能触及人的灵魂，为能唤起人的灵魂深处的变革，它就不成其为教育。要实现真正意义的教育，爱几乎是惟一的力量。正如苏霍姆林斯基所说的：“在什么条件下知识才能触动学生个人的精神世界，才能成为一个人所珍视的智力财富和道德财富呢？只有在这样的财富下——用形象的话来说，就是在知识的活的身体里要有情感的血液在畅流。”记得有人说过这样一句话：你想把自己的孩子交给怎样的老师来培育，你自己就做这样的老师吧!是的，老师，请把美好的笑容带到学校，把对人与对世界的良好期盼带到同事们和孩子们面前，像孩子一样瞪着好奇的眼睛清点知识；把游戏这一人类最古老的快乐的方式引入课堂；把那些用了好些年的训词换成赞美，换成幽默；把那些尘封在角落里的各种各样的表情丰富在脸上，用你的脚尖轻盈地点地，听脚步声在走廊里击起快乐的回响，心得体会《教师读书心得》。那些特别的孩子孩子正是通过犯各种各样的错误来学习正确的；我们永远都不要绝望，是因为只要我们充满期待，他们或许很有希望。”“照亮学校的将永远不是升学率或者其他名和利的东西，而是圣洁瑰丽的师道精神，是一种对孩子的不染一丝尘埃的博大的爱，和对每个孩子作为无辜生命的深深的悲悯。怀着爱与悲悯，我们不放弃，绝不放弃。让我们专著的神情告诉所有人，我们没有放弃。”从这些话中我深深地感受到用爱心去开启学生心灵的窗户,走进学生的心灵世界，成为他们的良师益友的重要性。其实后进生同优秀生一样他们都是祖国的希望。对于那些尚未开放的花朵，我们就应该倾注更多的耐心，倾注更多的温暖，特别的爱给特别的他们，百花齐放才能迎来满园的春色！

评分☆☆☆☆☆

在一个媒介发达的时代，不少人觉得，图片才是传播的王道。高速的时代应有高速的传播，文字的制作、流传，自然都是越简越好，因为没有人愿意阅读长篇大论。文字退居次席，果真是值得庆贺的事吗？就知识的传播而言，就未必正确。因为，我们付诸报纸、杂志、书籍、网络上的文字，并非仅仅只是为了传递消息，至少在潜移默化之中，它们还肩负着辨析事理、论说公道、传递知识、弘扬精神的功能，这些无疑都需要文字的积极参与才能达成。

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由于4月23日和一些伟大作者的生卒有关，例如塞万提斯、莎士比亚、纳博科夫、哈尔多尔•拉克斯内斯、莫里斯•图翁（Maurice Druon）、何西•布拉（Josep Pla）与曼努埃尔•巴列霍（Manuel Mejía Vallejo）等。因此，为表示向书籍及其作者致以世界范围的敬意。1995年，联合国教科文组织将4月23日定为世界读书日。在2000年，受世界读书日启发，世界书都项目启动。每年有一座获选城市以世界书都之名庆祝和传扬人类的图书事业，开幕于当年的4月23日，结束于翌年的4月23日。[1]

评分☆☆☆☆☆

由于4月23日和一些伟大作者的生卒有关，例如塞万提斯、莎士比亚、纳博科夫、哈尔多尔•拉克斯内斯、莫里斯•图翁（Maurice Druon）、何西•布拉（Josep Pla）与曼努埃尔•巴列霍（Manuel Mejía Vallejo）等。因此，为表示向书籍及其作者致以世界范围的敬意。1995年，联合国教科文组织将4月23日定为世界读书日。在2000年，受世界读书日启发，世界书都项目启动。每年有一座获选城市以世界书都之名庆祝和传扬人类的图书事业，开幕于当年的4月23日，结束于翌年的4月23日。[1]

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必看的书

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由于4月23日和一些伟大作者的生卒有关，例如塞万提斯、莎士比亚、纳博科夫、哈尔多尔•拉克斯内斯、莫里斯•图翁（Maurice Druon）、何西•布拉（Josep Pla）与曼努埃尔•巴列霍（Manuel Mejía Vallejo）等。因此，为表示向书籍及其作者致以世界范围的敬意。1995年，联合国教科文组织将4月23日定为世界读书日。在2000年，受世界读书日启发，世界书都项目启动。每年有一座获选城市以世界书都之名庆祝和传扬人类的图书事业，开幕于当年的4月23日，结束于翌年的4月23日。[1]