中国画论名篇读本

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倪志云 著
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店铺: 文轩网旗舰店
出版社: 上海人民美术出版社
ISBN:9787532283422
商品编码:1064028959
出版时间:2013-05-01

具体描述

作  者:倪志云 著作 定  价:35 出 版 社:上海人民美术出版社 出版日期:2013年05月01日 页  数:167 装  帧:平装 ISBN:9787532283422 暂无

内容简介

暂无
画中有画:艺术史中的意境与精神 这部作品并非简单的画作集锦,而是一场关于“画中有画”的探索。它邀请读者一同潜入中国绘画悠久的历史长河,不仅欣赏那些令人惊叹的笔墨丹青,更重要的是,去理解隐藏在这些视觉表达背后的精神世界、哲学思考以及时代的回响。它旨在揭示,中国画的魅力远不止于表面的形似,而在于其深邃的意境,以及艺术家如何通过精妙的构图、色彩的运用和笔墨的起伏,将个人的情感、对自然的感悟以及对人生哲理的体悟融入其中,创造出超越时空的艺术对话。 本书并非按照时间顺序或画种分类的枯燥编年史,而是一条贯穿中国绘画发展脉络的精选路线,选取了那些最能代表中国画独特精神和艺术追求的 seminal 作品。每一幅被收录的作品,都不仅仅是一件孤立的艺术品,它们是作者思考的载体,是时代精神的缩影,是与后世艺术家对话的起点。我们将从早期充满神秘主义色彩的山水画开始,追溯那些表现天地玄黄、物我两忘的早期探索。这些作品往往勾勒出壮丽的山河,却又在云雾缭绕中留下无限的想象空间,引人深思人与自然的渺小与宏大,个体与宇宙的关联。 随着历史的演进,我们还将触及那些细腻写实的人物画。这些作品描绘了帝王将相的威严、文人雅士的清雅、市井百姓的鲜活,以及闺阁女子内心的细腻情愫。它们不仅是历史的记录,更是艺术家对人性、对社会百态的深刻洞察。艺术家们通过人物的表情、姿态、服饰乃至眼神,传达出丰富的情感信息,勾勒出鲜活的生命力。我们会探讨,在追求形似的背后,艺术家是如何注入精神,让笔下的人物“活”起来,触动观者的心弦。 在山水画与人物画之外,我们还会深入探究那些充满诗情画意的花鸟画。这些作品以微观的视角,捕捉了自然界中最动人的瞬间:傲然绽放的牡丹、清逸脱俗的兰竹、振翅欲飞的白鹭、驻足饮水的锦鲤。它们不仅仅是对自然景物的客观呈现,更是艺术家借物抒情,将个人的品格、情趣、志向寄托于笔下的生灵。一枝梅花,可以象征不畏严寒的坚韧;几竿修竹,可以寓意虚心有节的君子风范。本书将引导读者去辨析这些象征意义,理解花鸟画如何成为艺术家精神世界的“代言人”。 此外,本书还会关注那些极具实验性和创新性的作品。中国画的发展从来不是一成不变的,无数的艺术家在继承传统的基础上,不断地挑战边界,探索新的表现手法和艺术语言。我们会看到,艺术家们如何突破固有的程式,大胆地运用色彩、墨色,如何通过笔墨的飞白、浓淡、干湿来营造独特的韵味和氛围。这些作品,往往代表着一个时代的艺术高峰,也为后来的艺术发展指明了方向。 本书的独特之处在于,它并非简单地罗列作品,而是致力于解析每一件作品背后的“画论”——那些艺术家们对于绘画创作的理念、方法、以及美学追求的思考。我们将深入浅出地解读那些流传千古的绘画理论,如“以形写形,以色貌色”的写实观念,与“外师造化,中得心源”的写意精神之间的张力与融合;探讨“气韵生动”作为中国画最高艺术境界的内涵;分析“墨分五色”的奥妙,以及如何通过水墨的晕染和笔触的变化来表现物体的质感和体积;考察“诗中有画,画中有诗”的艺术理想,以及文学与绘画之间密不可分的联系。 我们还将关注艺术家们在创作过程中所遵循的“法度”与“个性”之间的辩证关系。中国画强调师承与传承,但同时又鼓励艺术家在掌握基本技法之后,形成自己独特的风格。本书将通过对具体作品的剖析,展示艺术家是如何在遵循传统“法度”的前提下,将自己的个性、情感和审美趣味融入创作,最终形成“笔笔有我”的鲜明艺术特色。 更重要的是,本书将引导读者超越纯粹的技巧层面,去感受中国画所蕴含的东方哲学与人生智慧。从道家“天人合一”的思想,到儒家“中庸”之道,再到佛家“空寂”的意境,这些哲学观念深刻地影响着中国画的审美取向。我们将探讨,为何中国山水画往往追求“气韵”、“意境”,而非西方绘画强调的“真实性”;为何中国艺术家对“留白”情有独钟,以及这种“留白”如何承载了无限的想象空间。 本书的语言力求通俗易懂,但又不失学术的严谨性。每一幅作品的介绍,都将包含作品的时代背景、作者生平、创作意图,以及其在艺术史上的重要意义。同时,我们会用最直观的语言,分析作品的构图、用笔、设色,以及这些元素是如何共同服务于艺术家所要表达的主题和意境。我们不回避那些复杂的艺术理论,但会将其转化为读者能够理解和欣赏的语言。 阅读本书,将是一次沉浸式的艺术体验。你会被那些穿越时空的笔墨所吸引,被那些或壮丽、或细腻、或灵动的画面所打动。但更重要的是,你将被引导去思考,去感悟,去理解,中国画为何能够成为中华民族精神文化的重要载体。它不仅是一门技艺,更是一种哲学,一种生活态度,一种与自然、与宇宙、与自身对话的方式。 本书的目标,是让读者在欣赏美的同时,能够领略到中国画的精髓,感受到其中蕴含的东方智慧。它将成为你走进中国画艺术世界的一扇窗,让你发现画中有画,意在笔先,景外有声,形外有神的艺术魅力。它将帮助你理解,为何千百年来,中国人对绘画如此钟爱,为何这些古老的画作至今依然能够触动我们的心灵,引发我们对生命、对自然、对艺术的无限遐想。它将是一场关于视觉的盛宴,更是一次心灵的洗礼。

用户评价

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这本书给我带来的最直接的影响,就是让我开始重新审视我所处的这个时代。我一直觉得当代艺术充斥着各种概念和实验,有时候会让我感到迷失,不知道什么是真正的艺术价值。《中国画论名篇读本》就像是一盏明灯,让我看到了中国传统绘画的深厚根基和持久生命力。书中对“移情”的讨论,让我理解到画家如何将自己的情感投射到笔下的景物,让无生命的物体也充满了情感。这与当代许多艺术作品的“表达”方式有着本质的区别,更加注重内在的抒发和意境的营造。我特别欣赏书中对“应物”的解读,它强调的是画家对自然万物的深刻观察和体悟,而不是简单的模仿。这种“知其然,知其所以然”的学习过程,让我看到了艺术背后真正的学养和功力。在读到关于“画外功夫”的章节时,我更是深受触动。作者强调了诗、书、印、鉴赏等多种能力的综合培养,认为“笔下功夫”是“胸中之学”的外化。这让我意识到,真正的艺术家,需要有广阔的视野和深厚的文化底蕴。这本书让我对“艺术”这两个字有了更深刻的理解,也让我对中国传统文化的智慧有了更深的敬意。

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坦白说,我以前对绘画的理解是很肤浅的,总觉得画画就是把东西画得像,或者画得漂亮就行了。《中国画论名篇精读》这本书,彻底颠覆了我的这种想法。书中关于“意境”的论述,让我明白了中国画的灵魂所在。它不仅仅是画面的内容,更是画面所传达出来的那种超越视觉的美感和哲学思考。作者用生动的语言,结合大量的案例,解释了如何通过“虚实”、“疏密”、“聚散”等手法,营造出引人遐想的意境。我最喜欢的是关于“神似”的讨论,它让我理解到,中国画追求的不是形似,而是神似。画家通过笔墨的挥洒,捕捉到的是事物的神韵和生命力,这是一种更高层次的“像”。书中对“笔墨的性格”的描述也很有趣,比如有的笔法是“雄健”的,有的笔法是“秀润”的,这些“性格”的塑造,使得画面充满了动态感和生命力。我看完这本书,再去看那些经典的中国画,感觉完全不一样了,仿佛能听到画中的故事,感受到画家的心跳。这种从“看”到“懂”的飞跃,是这本书带给我的最宝贵的财富。

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在我看来,这本《中国画论名篇读本》不仅仅是一本关于绘画的书,它更是一本关于如何观察世界、如何理解生命的哲学读本。书中对“六法”的解读,特别是“气韵生动”和“骨法用笔”,让我看到了中国画背后深厚的哲学思想。我一直认为“气韵”是一个很虚的概念,难以捉摸,但这本书通过对历代画论的梳理和分析,将“气韵”的具体表现方式,比如笔墨的运行轨迹、色彩的微妙变化、构图的巧妙安排等等,都进行了详细的阐述。它让我明白,“气韵”并非凭空而生,而是画家通过对自然的深入观察和对生命的深刻体悟,最终凝聚在笔墨之中的。另外,书中关于“应物象形”的讨论,让我意识到,画家并非只是机械地复制现实,而是通过“象”来传达“意”,通过“形”来表达“神”。这种“心物合一”的创作理念,让我对中国画的理解上升到了一个新的高度。读这本书,就像是在与古圣先贤进行一场跨越时空的对话,他们的智慧和见解,至今仍然闪耀着光芒,给予我无穷的启迪。

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我一直认为,艺术是需要有“气”的,无论是绘画、音乐还是文学,都应该有一种贯穿其中的生命力。《中国画论名篇读本》这本书,恰恰让我看到了中国画所特有的那种“气”。书中的很多论述,都围绕着“气韵生动”展开,让我明白了,这种“气”并非是简单的“气势”,而是画家通过对自然万物的深刻理解和感悟,最终将这种生命力注入到笔墨之中。我印象特别深刻的是,书中对“笔墨”的阐释,它不仅仅是工具,更是画家情感的载体,是画家精神世界的直接表达。通过对不同笔法的运用,画家能够表现出物象的不同质感、形态和情感。这种“以形写神,以神写形”的创作理念,让我看到了中国画的独特魅力。读完这本书,我仿佛能够“听”到画中的声音,“闻”到画中的花香,“感”受到画中的风声。这种沉浸式的阅读体验,让我对中国画的理解,上升到了一个新的高度,也让我对中国传统文化的智慧,有了更深的敬意。

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我一直对中国传统的水墨画情有独钟,但总是感觉自己对它的理解停留在很表面的层次。这本书的出现,彻底改变了我的看法。它不仅仅是介绍了一些画论的篇章,更是深入剖析了中国画的灵魂和精髓。我尤其喜欢书中对“墨分五色”的阐述,这让我明白了水墨画并非只有黑白灰,而是通过墨的浓淡干湿,能够表现出丰富的色彩层次和质感。作者还引用了大量的古代画作作为例子,将抽象的理论与具体的画面相结合,让我在欣赏画作的同时,也能够理解到其中蕴含的创作理念。比如,在谈到“经营位置”时,书中详细介绍了画家如何构图,如何安排景物,如何通过虚实对比来营造画面的空间感和深度。这让我意识到,一幅好的中国画,不仅仅是笔墨技巧的展示,更是画家对空间、对比例、对整体和谐的深刻把握。读完这本书,我再去看那些经典的中国山水画,感觉就像是在体验一次心灵的旅行,能够感受到画中蕴含的壮丽景色和深邃意境。

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我一直对书法的笔墨情有独钟,总觉得那黑色的线条里蕴含着无穷的能量和生命力。当我拿到这本《中国画论名篇读本》后,才发现原来画论与书法有着如此紧密的联系。书中有专门的篇章探讨了“笔墨”的重要性,以及不同笔法的运用如何表现不同的质感和情感。比如,书中对“骨法用笔”的阐述,让我理解到每一笔的起承转合都蕴含着力量的传递和结构的美感。而且,作者将笔墨与哲学思想相结合,比如将“中锋用笔”比作“守中”,将“藏锋”比作“含蓄”,这种联系让我豁然开朗。我一直觉得很多书法和绘画作品,尤其是古代的,有一种“韵味”,但又说不清是什么。这本书就为我揭示了这“韵味”的来源,它不仅仅是技巧,更是画家修养、学识和对自然的体悟。书中对“皴法”的解读也让我印象深刻,各种皴法的名称,如披麻皴、斧劈皴、解索皴,不再是冰冷的术语,而是变成了一种生动的语言,描绘出山石的不同肌理和生命力。我甚至开始尝试着去模仿一些简单的笔法,虽然离大师的水平还差十万八千里,但已经能感受到笔墨的魅力了。

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这本《中国画论名篇读本》为我提供了一个全新的视角来理解中国传统文化。我一直对中国画中那种“静”和“雅”的气质很欣赏,但又不知道这种气质是如何产生的。读了这本书,我才明白,原来这是一种“境界”的追求,是一种“天人合一”的哲学理念在艺术上的体现。书中对“神似”的论述,让我意识到,中国画的伟大之处在于它能够超越形体的限制,捕捉到事物的精神本质。这种“似与不似之间”的微妙境界,是中国画独有的魅力。作者对历代画论的梳理和解读,让我看到了中国画理论体系的博大精深。特别是关于“意境”的阐述,让我明白了,一幅好的中国画,不仅仅是客观景物的再现,更是画家主观情感的抒发和精神世界的表达。这本书让我开始思考,如何将这种“境界”的追求,融入到我的生活中,如何用更“有意味”的方式去感受和体验生活。

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这本《中国画论名篇读本》简直是打开了我对中国画认识的新世界。我一直觉得中国画很美,但总是在一种很表面的欣赏层面,对它的精神内核、理论体系知之甚少。拿到这本书,我抱着试试看的心态开始翻阅,结果却是一发不可收拾。第一篇论述就让我惊叹不已,它深入浅出地讲解了“气韵生动”的精髓,不再是简单的“有气势”、“有生命力”,而是从笔墨的运行、色彩的搭配、意境的营造等方面,层层剥茧,让我看到了一个全新的“气韵”维度。作者对历代画论名家的观点进行了梳理和辨析,比如对顾恺之“以形写神”的解读,以及宗炳“山水之形,莫善于影”的论述,都提供了非常独到的视角。我尤其喜欢其中关于“胸有成竹”的论述,它不再是简单的比喻,而是深入到画家创作过程中,从观察、体验到最终落笔的整个心理和技法过程。书中的例子也都很贴切,引用了大量的经典画作,让我能够结合理论去理解画面,这种“读图”和“读文”相结合的方式,效果远胜于我以往独自摸索。读完后,我再看那些熟悉的山水画、花鸟画,感觉完全不一样了,仿佛能听到画中的风声,感受到笔尖的温度,甚至能窥见画家当时的心境。这本书的价值,不仅仅在于知识的传授,更在于它点燃了我对中国画更深层次的探索欲。

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我一直对中国传统文化中的那些“道”的东西很着迷,总觉得它们蕴含着深刻的智慧,但又常常感到难以捉摸。当我在书店看到这本《中国画论名篇读本》时,立刻就被它吸引住了。我原本以为画论会很枯燥,充斥着晦涩的术语,没想到这本书的语言风格异常流畅,而且充满了一种哲学思辨的魅力。比如,书中对“以神写形”和“以形写神”的辩证关系做了深入的探讨,让我理解到中国画的“写”不仅仅是简单的描摹,更是对对象精神特质的捕捉和升华。我印象最深刻的是关于“黑白”在水墨画中的运用,作者阐述了“虚实相生”的道理,如何通过墨色的浓淡干湿,以及留白的艺术,营造出无限的空间感和意境。这让我意识到,中国画的“少即是多”,往往蕴含着更大的张力。书中的一些段落,读起来就像是在与古代的智者对话,他们提出的问题,经过千百年的沉淀,依然具有现实的指导意义。特别是关于“应物象形”的讨论,让我从“像”与“不像”的简单二元对立中解脱出来,理解到真正的“像”,是心灵的感应,是精神的契合。读完这本书,我感觉自己的审美观得到了极大的提升,看事物的角度也变得更加广阔和深入。

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这本书给我的最大感受就是,中国画的艺术不仅仅是视觉的享受,更是一种心灵的修炼。书中关于“诗中有画,画中有诗”的论述,让我明白了中国画与诗歌、书法之间密不可分的联系。画家不仅仅是在描绘景物,更是在抒发情感,表达人生感悟。书中的一些章节,让我看到了画家如何将自己的胸中丘壑,通过笔墨挥洒,转化为画面中的山水草木。这是一种“移情”的过程,也是一种“托物言志”的艺术手法。我尤其欣赏书中关于“用笔”的讲解,它不仅仅是讲笔法的技巧,更是讲笔墨的“性格”和“生命力”。比如,有的笔法是“刚劲”的,有的笔法是“婉转”的,这些不同的笔法,能够表现出不同的物象的质感和情感。读完这本书,我感觉自己对中国画的理解,已经从“看热闹”进入到了“看门道”的阶段,我开始能够体会到其中蕴含的深厚文化底蕴和哲学智慧。

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