具體描述
産品特色
編輯推薦
★美學大師蔣勛親自執筆，解讀梵高、達芬奇等6位藝術傢名作背後的美學奧秘。大師筆下的大師，沒有某一種瘋狂，看不見美！
★全彩四色印刷，每本書精選藝術傢百幅經典畫作；附重要作品列錶及畫作收藏博物館。為讀者提供更賞心悅目的閱讀體驗。
★願你在喧囂時代，與偉大的靈魂在書中相遇，相談甚歡。
★塑封盒隨機發放！
內容簡介
套裝全6冊，包括：《蔣勛破解達芬奇之美》、《蔣勛破解梵高之美》、《蔣勛破解米開朗基羅》、《蔣勛破解莫奈之美》、《蔣勛破解德加之美》和《蔣勛破解高更之美》。
《蔣勛破解達芬奇之美》：一場“孤獨”的聆聽，一次“心靈”的對話。
《蔣勛破解梵高之美》：沒有某一種瘋狂，便不會看到美！
《蔣勛破解米開朗基羅》：創世紀以來，隻有一個米開朗基羅！
《蔣勛破解莫奈之美》：用顔色鎖住陽光的詩人。
《蔣勛破解德加之美》：凝視繁華的孤寂者。
《蔣勛破解高更之美》：我們從哪裏來？我們是什麼？我們要往哪裏去？
作者簡介
蔣勛，福建長樂人。1947年生於古都西安，成長於寶島颱灣。颱北中國文化大學史學係、藝術研究所畢業。1972年負笈法國巴黎大學藝術研究所，1976年返颱後，曾任《雄獅美術》月刊主編，並先後執教於文化大學、輔仁大學及東海大學。現任《聯閤文學》社社長。
蔣勛先生文筆清麗流暢，說理明白無礙，兼具感性與理性之美，有小說、散文、藝術史、美學論述作品數十種，並多次舉辦畫展，深獲各界好評。近年專注兩岸美學教育推廣，他認為：“美之於自己，就像是一種信仰一樣，而我用布道的心情傳播對美的感動。”
目錄
《蔣勛破解梵高之美》目錄
作者序
第部蔣勛現場
014梵高工農素描
020吃馬鈴薯的人
024唐基老爹
028嚮日葵
032梵高自畫像
038割耳自畫像
042星空
046奧維教堂
050麥田群鴉
第二部梵高
056荷蘭的心靈與美學革命
062荷蘭畫派——迴歸平凡生活的美學
066林布蘭——創造生命的信仰之光
072文森特Vincent
079喀爾文教派牧師——梵高傢族的傳統信仰
086藝術？宗教？獻身給誰？
094苦讀神的話語
100社會主義的時代浪潮
104憂愁與絕望
121巴黎，一八八六明亮起來的梵高
128一八八七，梵高的新階段
144日本浮世繪——異文化的嚮往
148阿爾，燃燒起來的心
151朗魯瓦橋
166星空——宇宙的無限華麗
178嚮日葵——燃燒生命的花
186房間與椅子——兩個人的記憶
196自畫像——看到自己深的靈魂
212聖·瑞米病房的窗口——他看到瞭奇跡
224一八九〇，後的奧維，麥田飛起瞭群鴉
238附錄重要作品列錶
精彩書摘
嚮日葵——燃燒生命的花（《蔣勛破解梵高之美》
一八八八年七月以後，為瞭迎接高更來到阿爾，梵高畫瞭一係列《嚮日葵》。
“嚮日葵”有特彆的象徵與隱喻嗎？
在法國南部，到處可見大片大片的葵花田，在艷陽高照的夏日，這些明黃色的花朵，仿佛反射著燦爛的太陽的光。
嚮日葵像在陽光中燃燒自己的花朵，冶艷、頑強、熱烈、剽悍，使人感覺到旺盛而熾烈的生命力。
梵高尋找著陽光，從鬱暗的荷蘭到巴黎，又從巴黎一路南下到陽光亮烈的阿爾，梵高自己像追逐陽光的人。
他覺得嚮日葵是熱烈明亮的花，他覺得嚮日葵是友誼的溫暖、慷慨。
當時高更在布列塔尼貧病交迫，梵高呼喚高更前來，他覺得可以照顧這個落魄潦倒的朋友。
梵高《嚮日葵》係列構圖很一緻，都是以直接的方式，下端一個水平桌麵，桌上陶罐裏插滿嚮日葵，大約都是93×73厘米的長方比例，很古典的構圖，主題在正中央。
梵高大概用瞭兩種不同顔色的背景，一種是孔雀藍，一種是明黃。
背景的單色係使畫麵主題凸顯，有類似東方留白的效果。
葵花插在陶罐裏久瞭，花瓣很乾，像亂草飛張，葵花的中央是一粒一粒的葵花籽，赭褐色密密的小點，梵高用油料不斷堆疊，看原作時像是浮雕，有厚而粗獷的質感，畫麵隻是花蒂和莖是綠色的，有時加一點粗黑綫條，使花蒂顯得更頑強。
這是熾烈強悍的生命，但被截斷瞭，插在陶罐中，好像有一種頑強的對抗，好像生命在後死亡的時刻依然如此熱烈地燃燒。
梵高的《嚮日葵》像他自己的符咒。
他有時候把自己的名字“Vincent”簽在陶罐上，藍色的簽名，在整個黃色的明亮中很顯眼。
梵高的形式風格非常自信，陶罐或桌麵都是幾筆簡單的墨綫，準確，沒有猶疑，在傳統西方學院技法中沒有人使用過的形式，他大膽而自由地畫齣他的心中之花。
這樣燦爛的花，這樣的明亮、熱情，用全部生命來燃燒的花，梵高指名是要送給高更的。
他希望把這些嚮日葵掛在高更的房中，他為高更準備瞭好的房間，他一再跟朋友描寫他如何為高更布置一個優雅的住處，他把自己畫的嚮日葵掛在牆上，等待高更到來。
“嚮日葵”是梵高純粹的熱情與愛，那些明度非常高的黃色，事實上是大量的白色裏調進一點點黃，像日光太亮，亮到泛白，亮到使人睜不開眼睛。
梵高也許不知道他畫的正是他自己的生命，這麼熱烈，無論是友誼或愛情，都使人害怕。
高更在一八八八年十月二十八日到瞭阿爾，一下火車，連車站咖啡館的老闆吉爾努斯先生都認齣瞭他，因為梵高早已拿著高更的畫像四處宣傳瞭。
高更走進梵高為他精心準備的房間，看到牆上為他畫的《嚮日葵》，高更是什麼感覺？
高更曾經拋棄妻兒以及證券市場的高薪，一意去荒野找尋原始與自由，他麵對梵高不可思議的熱情，會覺得想逃開嗎？
一八八八年十一月，高更曾經為梵高畫一張像，畫像中梵高正在畫《嚮日葵》。
《嚮日葵》是瀕臨崩潰的生命後高亢的歌聲，像王爾德小說裏的夜鶯，徹夜用心髒抵著玫瑰的刺，刺得越痛，歌聲越美，越嘹亮，但沒有人知道，它是在用血灌溉一朵黎明時燦爛綻放的花。
梵高的《嚮日葵》使他熾烈燃燒的生命留下瞭燦爛的形式。
自畫像——看到自己深的靈魂
梵高與高更兩個月的相處像是一種實驗。
依據後來高更的迴憶記錄，當時他們的錢是放在一個共用的紙盒中，紙盒中的錢，用來買菜，用來買煙草，連解決生理需要時上妓院的錢都包括在內。
十九世紀西方許多藝術傢似乎都在實驗一種全新的生活。
他們不遵守人類傳統固定的倫理，他們追求全新的創造，創造不隻是藝術的創新，其實更是全新生活模式的實驗。
實驗，包含瞭成功，當然也包含著失敗。
梵高與高更在兩百年前的“同居”形式可能是今天一般人也難以想象的。
他們的相處並不和諧，生活如此緊密的關係，太多衝突，太多摩擦，太多瑣細的現實細節會使兩個敏感縴細的心靈發瘋，會使兩個自我個性強烈的心靈發瘋。
高更抱怨梵高把湯煮得難以下咽，梵高抱怨高更性欲太強，去妓院次數太多。
兩個人共同生活的夢想在現實中變得荒謬、扭麯、瑣碎而難堪。
高更事後描述梵高要發瘋瞭，他常常半夜忽然驚醒，看到梵高嚮他走來，凝視著他，又無言地走迴自己的床上睡倒，好像沒有任何事情發生。
高更事後的迴憶很具體，他們為一點點小事爭吵辯論，互不相讓，梵高常常反應激烈過度，高更自然察覺到一些梵高精神上的異常。
高更無法忍受梵高一堆一堆完全沒有整理的顔料，梵高作畫時，為瞭捕捉瞬間的光，常常不用筆，直接將一管一管顔料擠在畫布上，色彩與色彩擠壓堆疊，麵對他的原作，感覺到創作的豐沛如狂濤巨浪洶湧而來，而他處理顔料的方式自然與在節製之下用平塗技巧如織布綉花一般的高更非常不一樣。
在美學的領域，沒有絕對的是與非。高更與梵高是兩種截然不同的生命，各自以自己的形式完成自我。他們彼此欣賞但又無法相容，短暫的相處卻的確激蕩齣瞭創作的火花。
一八八八年十二月二十三日，在數度從噩夢中驚醒後，高更驚覺梵高精神狀態的失常，他發現梵高手裏拿著剃刀，亦步亦趨跟隨在他身後。高更當天不敢迴“黃色房屋”，梵高在一個人極度絕望的夜晚舉刀自戕，割下瞭右耳。
倒在血泊中的梵高被發現，送往醫院救治。
十二月三十日阿爾當地的《共和論壇報》發布瞭一則小小的地方消息：
一個原籍荷蘭的畫傢文森特·梵高，舉刀割耳。
小小的地方消息，卻引起瞭騷動，鄰居竊竊私語，惶惶不安。
梵高反而似乎暫時從焦慮中得到瞭舒緩，一八八九年一月，他的耳傷尚未痊愈，頭上裹著紗布，他坐在鏡子前麵，凝視著自己，好像醫生省視著病人，用冷靜的態度畫下瞭割耳之後的自畫像。
自畫像是梵高留給世人的病曆錶，他的焦慮、他的狂想、他的熱情、他的憤怒、他的激情與寜靜都在自畫像中。
荷蘭前代大師林布蘭從二十歲開始記錄自己的容貌，一直到六十三歲逝世，留下完整的一生記錄，成為畫傢自畫像中重要的傳統。
梵高自然受到林布蘭的影響，他的自畫像卻主要集中在一八八八年到一八九〇年這兩年之間，自畫像成為他精神疾患睏擾他的真實剖白。
一般人或許無法像梵高這麼真實地麵對鏡子裏的自己，這個人，這麼焦慮，這麼不安，這麼痛苦，這麼瘋狂，他凝視自己，這個生命，存活的意義是什麼？這個肉體，受到什麼詛咒，心靈要如此飽受磨難？這樣崎嶇的五官，這樣狂亂的頭發，這樣緊鎖的眉頭，這樣憂傷的眼神，這樣固執而不妥協的嘴角與下頷……
梵高一絲一毫不放過自己，這樣嚴肅地逼視到內心深處。
我們說：梵高瘋瞭。
我們慶幸自己沒有瘋，但是我們無法看到這麼純粹的自己。
隻有瘋狂，一個人可以如此誠實逼視自己。
梵高自一八八七年開始比較密集地畫自畫像，有些隻是在草稿紙上隨意的素描，但看得齣來他在鏡子裏凝視自己、分析自己的習慣已經形成。
一八八八年九月他畫瞭一件使人印象強烈的自畫像，清冷的石綠色背景，好像巨大而無聲的寂靜，梵高頭發剪得很短，幾近於光頭，兩隻在淡色眉毛下炯炯的眼睛，像銳利的鷹，顴骨高聳，兩頰凹陷，堅毅的嘴唇四周圍繞金黃色的鬍子。
這張自畫像單純、乾淨，當時梵高正在讀有關日本的小說，他嚮往日本風格的空間，簡潔空無一物。
這件自畫像是為瞭等待高更到阿爾畫的，他把自己作為一件禮物送給高更，他跟高更說，畫裏的自己，像日本苦修的僧侶，把身體獻給永恒之佛。
梵高對東方佛學瞭解不多，但是他有足夠基督殉道與救贖的背景使他通往另一個信仰。
這張自畫像如火焰燃燒，細看背景裏都是嚮上飛騰的筆觸，但是這張自畫像又極度寜靜，好像高熱的火焰到瞭極點，反而像是靜止清冷的光。
可以在鏡子裏這樣絕對逼視自己的人不多，梵高在狂熱與絕望緊綳的精神狀態，的確如苦修殉道的生命。
用戶評價
不得不說，這套《蔣勛藝術美學係列》中的《梵高之美》是我近期讀過最讓我震撼的藝術類書籍之一。梵高，這個名字本身就充滿瞭傳奇色彩，他的畫作更是以其燃燒的激情和扭麯的筆觸聞名於世。然而，以往我對梵高的理解，總覺得他是個在痛苦中呐喊的瘋子，他的藝術是純粹情緒的宣泄。但蔣勛先生在這本書裏的闡釋，卻讓我看到瞭一個截然不同的梵高。他細緻地剖析瞭梵高那些廣為人知的作品，比如《星夜》、《嚮日葵》、《麥田裏的麥田收割者》，但他的切入點非常特彆。他不僅僅是在描述畫麵的內容，更是在解讀梵高筆觸背後的情感湧動，那些看似雜亂的綫條，在他筆下卻充滿瞭生命的力量和內在的秩序。我之前總覺得梵高的色彩過於濃烈，甚至有些刺眼，但蔣勛先生卻讓我看到瞭那種色彩背後蘊含的對生命最純粹的熱愛，那種對陽光、對土地、對自然最深切的眷戀。他分析瞭梵高如何運用黃色來象徵希望與生命力，如何用藍色來錶達內心的憂鬱與掙紮。這種色彩的分析，讓我對梵高的作品産生瞭一種前所未有的共鳴。更讓我驚喜的是，蔣勛先生將梵高的藝術與其人生經曆巧妙地結閤起來，他並沒有煽情地渲染梵高的悲慘遭遇，而是著重於分析這些經曆如何塑造瞭他獨特的藝術語言，以及他如何在睏境中依然堅守著對藝術的信仰。他筆下的梵高，不再是孤單的瘋子，而是一個對生命有著深刻體悟，用盡全力去捕捉和錶達那些稍縱即逝的美的靈魂。讀這本書，仿佛置身於梵高的畫室，感受他筆尖流淌齣的熾熱情感，也仿佛在與他進行一場跨越時空的對話，理解他對生命的理解和熱愛。
評分當我翻開《米開朗基羅》這本書時，心中充滿瞭對這位文藝復興巨匠的敬畏。米開朗基羅，這個名字總讓人聯想到那些宏偉的雕塑和氣勢恢宏的壁畫，比如《大衛》、《摩西》以及西斯廷教堂的天頂畫。然而，在我過去的認知裏，這些作品更多的是一種技術上的奇跡，是人類在藝術創作上能達到的巔峰。但蔣勛先生的解讀，卻讓我看到瞭米開朗基羅藝術背後更深邃的哲學思考和人性探索。他不僅僅是在介紹這些藝術品的宏偉，更是在剖析米開朗基羅是如何將對人體比例的極緻追求，與對神性的理解和對人性的洞察融為一體。我尤其被他對《大衛》的解讀所吸引，蔣勛先生並沒有僅僅停留在對大衛肌肉綫條的贊美，而是深入分析瞭米開朗基羅在創作《大衛》時所融入的哲學理念，比如對理想人性的塑造，對英雄主義的歌頌，以及那種在麵對挑戰時所展現齣的冷靜與堅定。他解釋瞭米開朗基羅是如何在冰冷的石頭中注入靈魂，讓每一個綫條都充滿瞭生命的力量和內在的張力。在解讀西斯廷教堂天頂畫時，蔣勛先生更是將那些復雜而龐大的人物群像，分解成一個個鮮活的個體，去解讀他們之間的關係，去感受米開朗基羅在描繪這些神話故事時所注入的人文關懷。他讓我明白瞭，米開朗基羅的藝術，不僅僅是對神學的詮釋，更是對人類存在狀態的深刻反思，是對生命意義的永恒追問。讀這本書，我仿佛親眼見證瞭米開朗基羅的創作過程，感受到瞭他雕刻時指尖的溫度，以及他揮灑顔料時內心的澎湃。這不僅僅是一次藝術欣賞，更是一次對人類精神力量的緻敬。
評分在我打開《蔣勛藝術美學係列》中的《高更之美》之前，我一直以為高更隻是一個因為厭倦瞭西方文明的虛僞而選擇逃離的畫傢。他的畫作，在我看來，充滿瞭原始的野性，色彩過於飽和，人物變形誇張，似乎帶著一種對文明社會的刻意反叛。然而，蔣勛先生的解讀，卻為我打開瞭一扇新的大門，讓我看到瞭高更藝術背後更深層的思考和情感。他並沒有將高更簡單地標簽化，而是深入分析瞭高更對“原始”的理解，並非是膚淺的復古，而是一種對生命本質的迴歸，一種對人類心靈深處未被汙染的純粹的追尋。蔣勛先生對高更的色彩運用進行瞭極為細緻的分析，他讓我看到瞭那些看似狂野的色彩，背後卻有著極為精妙的構圖和情感錶達。他解釋瞭高更如何運用鮮艷的色彩來打破西方繪畫的傳統，如何用平塗的色塊來營造一種超越現實的神秘感。我尤其被他關於高更在塔希提島創作的解讀所打動，他描繪瞭高更如何在那片充滿異域風情的土地上，捕捉到原始生命的律動，如何將當地人的生活狀態和精神世界，通過他獨特的藝術語言錶現齣來。蔣勛先生並沒有迴避高更在生活中遇到的睏難和爭議，但他並沒有讓這些成為評判藝術的焦點，而是著重於分析這些經曆如何激發瞭高更更深層次的藝術靈感，如何塑造瞭他更加堅韌和深刻的藝術追求。讀這本書，我仿佛置身於高更筆下的熱帶天堂，感受著那裏純粹的生命氣息，也仿佛聽到瞭高更內心的呼喚，他對於尋找生命真諦的執著追求。這不僅僅是一次藝術的鑒賞，更是一次對生命本真狀態的深刻體悟。
評分剛拿到這套《蔣勛藝術美學係列》，迫不及待地翻閱瞭《梵高之美》。我對梵高一直懷有一種復雜的情感，他的畫作極具感染力，充滿瞭燃燒的激情，但同時，他的生命曆程又充滿瞭痛苦和掙紮，這讓我常常覺得他的藝術是在用生命去呐喊。然而，蔣勛先生的解讀，卻讓我看到瞭一個更加立體、更加平和的梵高。他沒有一味地強調梵高的“瘋癲”或“苦難”，而是著重於分析梵高藝術中的“美”的來源。他細緻地剖析瞭梵高那些經典的筆觸，那些看似雜亂的綫條，在他筆下卻充滿瞭生命的力量和內在的韻律。我之前總覺得梵高的色彩過於濃烈，甚至有些刺眼，但蔣勛先生卻讓我看到瞭那種色彩背後所蘊含的對生命最純粹的熱愛，那種對陽光、對土地、對自然最深切的眷戀。他分析瞭梵高如何運用色彩來錶達他對平凡事物的熱愛，比如對農民、對麥田、對星空的贊美，這些平凡的生命在他的筆下，都煥發齣瞭耀眼的光芒。讓我印象深刻的是，蔣勛先生將梵高的藝術與他早期的傳教士經曆聯係起來，他認為梵高對底層人民的關懷，以及他對生命價值的深刻思考，都深深地影響瞭他的藝術創作。他筆下的梵高，不再是那個孤單的、在痛苦中掙紮的藝術傢，而是一個用盡全力去捕捉和錶達生命之美，並且對人類懷有深厚關懷的靈魂。讀這本書，我仿佛能感受到梵高筆尖流淌齣的熾熱情感，也能理解他為何能從平凡中發現不平凡的美。這不僅僅是一次藝術的鑒賞，更是一次對生命中那些被忽視的美好事物的重新發現。
評分剛收到這套《蔣勛藝術美學係列》，迫不及待地翻開瞭第一本，我選的是《高更之美》。坦白說，一直以來，我對高更的印象都停留在那個“野性”、“原始”的標簽上，覺得他筆下的色彩濃烈得有些過於奔放，人物造型也帶著一種奇異的疏離感。但蔣勛先生的解讀，就像一把鑰匙，悄悄地打開瞭我內心對高更藝術理解的壁壘。他沒有一開始就大談特談高更的生平經曆，而是從高更作品中那些似乎不經意的細節入手，比如一塊布料的紋理，一個眼神的捕捉，一片雲的形狀。通過對這些“小”之處的細緻描摹，蔣勛先生引導我們去感受高更在色彩運用上的獨特匠心，那種看似隨意卻又充滿張力的搭配，以及他對光影變幻的敏銳洞察。我一直以為色彩隻是為瞭填滿畫麵，但蔣勛先生讓我意識到，在高更那裏，色彩本身就是一種語言，一種情緒的載體，甚至是一種哲學。他分析瞭高更如何運用色彩來錶達他對社會、對文明的疏離感，以及他對自然、對原始生命力的渴望。讀到他描述高更在塔希提島的創作時，我仿佛也置身於那片熱帶雨林，聽著海浪拍打著沙灘，感受著微風拂過肌膚，看到瞭高更是如何將那些熱烈而純粹的生命力，通過他那標誌性的色彩和變形的造型，躍然紙上。尤其令我印象深刻的是，蔣勛先生並沒有迴避高更生活中的爭議，但他並沒有將這些爭議作為評價藝術的唯一標準，而是著重於分析這些經曆如何潛移默化地影響瞭他的藝術創作，如何塑造瞭他獨特的藝術視角。這種辯證的解讀方式，讓我對高更這個人，以及他的藝術，有瞭更立體、更深刻的認識。這不僅僅是一本關於藝術史的講解，更像是一次心靈的對話，一次對自我感官的喚醒。
評分剛收到這套《蔣勛藝術美學係列》，我迫不及待地翻閱瞭《高更之美》。在此之前，我對高更的印象，主要來自他“野性”、“原始”的標簽，總覺得他的畫作色彩濃烈，構圖大膽，帶著一種對西方文明的疏離和反叛。但蔣勛先生的解讀，卻為我打開瞭通往高更內心世界的另一扇門。他並沒有簡單地將高更定位為一個“逃離者”，而是深入分析瞭他對“原始”的理解，認為那並非是一種簡單的懷舊，而是一種對生命本真狀態的迴歸，一種對人類心靈深處純粹渴望的探尋。蔣勛先生對高更色彩的運用進行瞭極為細膩的分析，他讓我看到瞭那些看似狂野的色彩背後，所蘊含的深刻情感和哲學意涵。他解釋瞭高更如何用平塗的色塊來營造一種超越現實的神秘感，如何運用大膽的色彩對比來打破傳統繪畫的視覺習慣，從而喚醒觀者內心深處的感受。尤其令我印象深刻的是，蔣勛先生在解讀高更在塔希提島的創作時，並沒有迴避當地文化的復雜性和高更個人生活的睏境，但他將這些經曆視為藝術創作的催化劑，而非簡單的背景。他描繪瞭高更如何在那片充滿異域風情的土地上，捕捉到原始生命的律動，如何將當地人的生活狀態和精神世界，通過他獨特的藝術語言錶現齣來，從而創作齣那些既充滿神秘感又飽含人文關懷的作品。讀這本書，我仿佛置身於高更筆下的熱帶天堂，感受著那裏純粹的生命氣息，也仿佛聽到瞭高更內心深處對於尋找生命真諦的執著呼喚。這不僅僅是一次藝術的鑒賞，更是一次對生命本真狀態的深刻體悟，以及對人類內心深處純粹渴望的重新發現。
評分在收到《蔣勛藝術美學係列》這套書之後，我第一個拿起的就是《米開朗基羅》。此前，我對米開朗基羅的印象，大多停留在那些宏偉的雕塑和壁畫上，比如《大衛》的健碩、《摩西》的莊嚴，以及西斯廷教堂那令人嘆為觀止的天頂畫。我一直認為，他的藝術是人類在技術上的巔峰，是力量與技藝的完美結閤。但是，蔣勛先生的解讀，卻讓我看到瞭米開朗基羅藝術背後更深邃的精神世界和哲學思考。他並沒有僅僅描述作品的視覺衝擊力，而是深入分析瞭米開朗基羅在創作中如何將對人體結構的極緻理解，與對神性的敬畏和對人性的洞察融為一體。尤其是在解讀《大衛》時，蔣勛先生讓我看到瞭，那不僅僅是一個完美的男性軀體，更是米開朗基羅對理想人性的追求，是對勇氣、智慧和堅定意誌的象徵。他分析瞭米開朗基羅如何通過雕塑的每一個細節，來傳達齣人物內心的力量和精神上的升華。在解讀西斯廷教堂時，蔣勛先生更是將那些龐大的人物群像，還原成一個個鮮活的生命個體，去解讀他們之間的情感互動，去感受米開朗基羅在描繪這些神話故事時所注入的對人類命運的思考。他讓我明白，米開朗基羅的藝術，並非隻是宗教的圖解，而是對人類在宇宙中的位置，對生命意義的永恒追問。讀這本書，我仿佛能聽到米開朗基羅在工作室敲擊石頭的迴聲，感受到他創作時內心的澎湃，以及他對於完美與真理的不懈追求。這不僅僅是一次藝術的鑒賞，更是一次對人類精神力量的深刻探尋。
評分購買這套《蔣勛藝術美學係列》，其中《莫奈之美》是我非常期待的一本。一直以來，我對印象派的理解都比較淺顯，覺得就是捕捉光影，描繪瞬間的感受。莫奈的畫作，在我眼中，就像是窗外的風景，美好，但似乎又少瞭些什麼。然而，蔣勛先生的這本書，徹底顛覆瞭我的看法。他不僅僅是在描述莫奈筆下的睡蓮、乾草堆、魯昂大教堂，更是在解讀莫奈是如何通過色彩和光綫來捕捉“瞬間”的本質。他讓我意識到，莫奈的“瞬間”並不是膚淺的視覺捕捉，而是一種對時間、對生命流逝的深刻體悟。蔣勛先生非常細膩地分析瞭莫奈如何運用冷暖色調的對比，如何通過點彩的筆觸來錶現光綫在不同時間、不同天氣下的微妙變化。他舉例分析瞭莫奈在同一地點、不同時間創作的係列畫作，讓我看到瞭時間在畫麵中流淌的痕跡，以及莫奈是如何通過這些瞬間的疊加，來呈現事物更本質的生命力。我印象最深刻的是，蔣勛先生將莫奈的藝術與他個人的人生經曆相結閤，分析瞭莫奈晚年視力下降，但依然堅持創作，這背後所蘊含的那種對藝術的執著和對生命的熱愛。他讓我明白瞭，莫奈的畫作不僅僅是眼睛看到的，更是心靈感受到的，是對生命中那些短暫而美好的瞬間的珍藏。讀這本書，仿佛置身於莫奈的花園，感受著陽光透過葉片的斑駁，聽著微風吹過水麵的漣漪，也仿佛在與莫奈一起，去捕捉那些稍縱即逝的美麗。這不僅僅是一本藝術賞析，更是一次對生命瞬間的溫柔凝視。
評分在拿到這套《蔣勛藝術美學係列》後，我最先翻開的是《梵高之美》。一直以來，梵高在我心中就是一個飽受痛苦摺磨的天纔畫傢，他的畫作充滿瞭燃燒的激情和扭麯的筆觸，仿佛是他內心痛苦的宣泄。然而，蔣勛先生的解讀，卻讓我看到瞭一個更加平和、更加充滿愛意的梵高。他並沒有過多渲染梵高的悲慘遭遇，而是著重於分析梵高藝術中“美”的來源。他細緻地剖析瞭梵高那些標誌性的筆觸，那些看似雜亂的綫條，在他筆下卻充滿瞭生命的力量和內在的秩序。我之前總覺得梵高的色彩過於濃烈，甚至有些刺眼，但蔣勛先生卻讓我看到瞭那種色彩背後所蘊含的對生命最純粹的熱愛，那種對陽光、對土地、對自然最深切的眷戀。他分析瞭梵高如何運用明亮的色彩來歌頌平凡的生命，比如他對農民、對麥田、對星空的描繪，這些平凡的事物在他的筆下，都煥發齣瞭耀眼的光芒。讓我印象深刻的是，蔣勛先生將梵高的藝術與其早期傳教士的經曆聯係起來，他認為梵高對底層人民的關懷，以及他對生命價值的深刻思考，都深深地影響瞭他的藝術創作。他筆下的梵高，不再是那個孤單的、在痛苦中掙紮的藝術傢，而是一個用盡全力去捕捉和錶達生命之美，並且對人類懷有深厚關懷的靈魂。讀這本書，我仿佛能感受到梵高筆尖流淌齣的熾熱情感，也能理解他為何能從平凡中發現不平凡的美。這不僅僅是一次藝術的鑒賞，更是一次對生命中那些被忽視的美好事物的重新發現，以及對生命本身的熱愛與贊美。
評分《蔣勛藝術美學係列》中的《莫奈之美》是我近期最喜歡的一本書。一直以來，我對印象派的理解都比較片麵，覺得它隻是捕捉光影的瞬間，描繪眼睛看到的景色。莫奈的畫作，在我看來，就像是美麗的風景照，賞心悅目，但總覺得少瞭些什麼。然而，蔣勛先生的解讀，徹底顛覆瞭我對莫奈的認知。他沒有僅僅停留於對莫奈畫作中色彩和光綫的贊美，而是深入剖析瞭莫奈為何會選擇以“瞬間”作為創作的主題，以及他如何通過對“瞬間”的捕捉，來呈現事物更本質的生命力。他非常細膩地分析瞭莫奈的筆觸，那些看似隨意而又充滿生機的點彩，是如何有效地錶現齣光綫的流動感和色彩的微妙變化。他舉例分析瞭莫奈創作的係列畫作，比如乾草堆和魯昂大教堂，讓我看到瞭時間在畫麵中是如何流淌的，不同時間、不同天氣下的光綫是如何賦予同一景物不同的生命。讓我印象深刻的是，蔣勛先生將莫奈的藝術與其晚年的生活經曆相結閤，他講述瞭莫奈即使在視力下降的情況下，依然堅持創作，這背後所蘊含的對藝術的執著和對生命的熱愛。他讓我明白瞭，莫奈的畫作不僅僅是用眼睛看到的，更是用心靈去感受的，是對生命中那些短暫而美好的瞬間的深情凝視。讀這本書，我仿佛置身於莫奈的吉維尼花園，感受著陽光透過葉片的斑駁，聽著微風拂過睡蓮的漣漪，也仿佛在與莫奈一起，去捕捉那些稍縱即逝的美好，並賦予它們永恒的生命。這不僅僅是一次藝術的鑒賞，更是一次對生命中稍縱即逝的美好事物的溫柔珍藏。
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