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张伯荣 著

图书标签:

• 书法
• 用锋
• 中国书法
• 书法技法
• 临摹
• 传统文化
• 艺术
• 书法教学
• 笔法
• 书法理论

出版社： 齐鲁书社

ISBN：9787533334734

版次：1

商品编码：11950658

包装：平装

开本：32开

出版时间：2016-04-01

用纸：胶版纸

页数：178

字数：106000

正文语种：中文

内容简介

　　《中国书法用锋汲要》较为系统地论证了中锋、逆锋、偏锋、侧锋的不同用锋方式。每种用锋的笔毫状态及产生的作用力不同，执笔、运笔、控毫的方法不同，形成的笔画特点不同。这些区别还是较为明显的，不难掌握。之后又把四种用锋方式进行了综合比较，以便建立一个用锋的清晰概念。习字者既应当对不同的用锋有个基本的辨识，又应当明了各种用锋的掺和使用。《中国书法用锋汲要》之所以称为“汲要”，是笔者张伯荣认为所讲都是用锋的重要之点。为了便于理解，制作了相应的图表，视图有助于对理论的形象思维，列表有助于对理论的逻辑思考。

目录

前言
第一章 用锋基础
第一节 用毫
一、笔毫分解
二、笔毫状态
第二节 用锋
一、用锋方式
二、用锋方法
第三节 用笔
一、送笔与摇笔
二、方笔与圆笔
第四节 用力
一、压力、张力、剪切力
二、指力、腕力、肘力

第二章 中锋
第一节 用笔方式
一、笔管直立或向笔画行进方向倾斜
二、笔毫为聚毫状态
三、作用力为压力
第二节 笔法特征
一、拨镫执笔法
二、中锋运笔的两种方法：使转与绞转
三、提按是运笔控毫的主要方法
第三节 笔画特征
一、中锋用笔有广泛适用性
二、中锋用笔的笔画与结构
三、中锋用笔例字：唐楷

第三章 逆锋
第一节 用笔方式
一、笔管向笔画行进相反方向倾斜
二、笔毫为铺毫状态
三、作用力为张力
第二节 笔法特征
一、鹅头执笔法
二、指腕联用的运笔方法
三、逆锋与中锋之区别
第三节 笔画特征
一、逆锋用笔加强了笔画力度
二、逆锋用笔的笔画与结构
三、逆锋用笔例字：魏碑体

第四章 偏锋
第一节 用笔方式
一、笔管与笔画行进方向横向交叉
二、笔毫为斜铺毫状态
三、作用力为张力
第二节 笔法特征
一、凤眼执笔法
二、“始艮终乾”与“始巽终坤”一解
三、偏锋用笔与中锋、逆锋的关系
第三节 笔画特征
一、偏锋用笔可改善笔力薄怯
二、偏锋用笔的笔画与结构
三、偏锋用笔例字：漆书

第五章 侧锋
第一节 用笔方式
一、笔管侧斜于笔画行进方向
二、笔毫为裹毫状态
三、作用力为剪切力
第二节 笔法特征
一、虎口执笔法
二、捻管是运笔控毫的主要方法
三、侧锋与偏锋之异同
第三节 笔画特征
一、“侧锋取势”与“侧锋取妍”
二、侧锋用笔的笔画与结构
三、侧锋用笔例字：瘦金体

第六章 用锋比较
第一节 用锋与笔法技法的关系
一、用锋决定着笔法技法
二、不同用锋的用毫、用力、用笔、用墨比较
第二节 用锋与笔画形质的关系
一、任何笔画都是动与静的矛盾统一体
二、笔画的动与静
三、不同用锋的笔画动、静比较

第七章 用锋综述
第一节 重视用锋
一、用锋是习字之本
二、用锋的由来与演化
三、不同的用锋有不同的适用范围
第二节 灵活用锋
一、写字需要灵活用锋
二、用锋变换，自有契机
三、勤学善用，灵活用锋

附录一 张伯荣《中国书法笔法探讨》研讨会发言汇编
附录二 艺石苑收藏品一瞥
参考书目
后记

翰墨丹青：中国传统绘画艺术的演变与审美研究 作者： 钱穆 著 出版社： 文渊堂 出版时间： 2023年10月 定价： 188.00 元 --- 内容提要 《翰墨丹青：中国传统绘画艺术的演变与审美研究》并非一部探讨书法用笔技法的专著，而是对中国绘画艺术史进行宏大而深入的考察与梳理。本书立足于中国传统文人精神与哲学思想的土壤，系统分析了自新石器时代岩画遗存至清末民初的绘画发展脉络，重点剖析了唐、宋、元、明、清五个重要历史阶段中，绘画题材、笔墨语言、审美范式以及其背后所蕴含的社会文化意义。 本书的独到之处在于，它超越了单纯的风格流派介绍，致力于挖掘中国画“以形写神”的核心精神。作者以深厚的国学功底，将绘画视为中国士人精神生活的外化，探讨了“画中有诗，诗中有画”的境界是如何通过线条、墨色和留白构建起来的。全书结构严谨，论述深入浅出，旨在为读者构建一个完整而立体的中国传统绘画知识体系。 第一部分：远古溯源与萌芽初显（先秦至魏晋） 本部分追溯中国绘画的源头，从遥远的史前彩陶上的几何纹样与动物形象入手，探讨早期先民对世界秩序的初步认知如何转化为视觉符号。随后，重点聚焦于先秦两汉时期，壁画、帛画和画像石的勃兴。这一时期的绘画，尚处于对现实物象的摹写与象征性表达的过渡阶段，宗教信仰、神话传说与历史叙事占据主导地位。 魏晋南北朝是理解中国画的关键转折点。作者详述了“气韵生动”的提出及其对后世的决定性影响。谢赫的“六法论”被视为中国画论的奠基石，它标志着绘画从单纯的技艺层面上升到哲学与审美高度。东晋顾恺之的人物画理论，如何将道德情操注入笔墨之中，成为文人画早期的思想先驱，是本章的重点论述对象。 第二部分：盛唐气象与宋代格律（唐宋时期） 唐代绘画展现出前所未有的恢弘气象与世俗活力。本书详细分析了唐代宫廷画的典范意义，如吴道子“吴带当风”的线条处理，展现了盛世的自信与饱满。同时，我们也将探讨山水画的初步成熟，以及人物画中对环境氛围的刻画如何开始融入画家主观情愫。 宋代被誉为中国古典绘画的黄金时代。作者将宋代分为北宋的雄浑壮阔与南宋的精微内敛两个阶段。北宋范宽、郭熙等对山川巨嶂的描绘，体现了“可游、可居、可观”的理想山水观。而南宋院体画的精湛技艺，如李唐、马远、夏圭，则在极简的构图中蕴含了深邃的哲思，对“不着一笔，尽得风流”的境界进行了极致的探索。此部分还将深入剖析宋徽宗对“院体”的规范化要求，以及这一时期花鸟画如何达到了写实与写意的完美平衡。 第三部分：文人风骨与水墨精神（元代） 元代的绘画史，本质上是士人阶层对宋代院体规范的反叛与回归自我精神的历程。本书将元代绘画的核心定位为“以书入画”。在政治环境的变迁下，传统士大夫将无法施展的政治抱负与人生哲学，倾注于山水笔墨之中。 “元四家”（黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙）的艺术成就被置于核心地位。作者深入剖析了他们如何运用书法中的皴法、点苔技巧，来体现个人的气节与性情。特别是对倪瓒“清水出芙蓉，不着人间烟火气”的极简风格，以及黄公望《富春山居图》中长卷叙事性的结构，进行了细致的解读。这不仅是技法的革新，更是中国画“写意”精神的里程碑式确立。 第四部分：明清的多元探索与审美定型（明清时期） 明代绘画呈现出明显的“复古”与“创新”的两极分化趋势。 明初，以“浙派”为代表的画家继承了院体画的严谨，而“吴门画派”则高举元代文人旗帜，将山水、花鸟艺术推向成熟的文人趣味。文徵明、唐寅等人的创作，确立了后世对江南文人画的普遍认知。 晚明时期，董其昌的“南北宗论”对后世绘画史的梳理产生了深远影响，本书将客观审视这一理论体系的贡献与局限。 清代绘画则进入了一个高峰与转型的阶段。以“四王”为代表的摹古主义，是对传统程式的集大成与集约化。与之形成鲜明对比的，是个性解放的“四僧”（弘仁、髡残、八大山人、石涛）。石涛的“我自用我法”和“笔墨当随时代”，标志着画家开始自觉地将主观的“意”与客观的“物”进行更剧烈的碰撞与融合。八大山人的冷峻与寓意，则为中国画的现代转型留下了诸多可供后人思索的密码。 结语：中国画的永恒主题 本书最后总结道，中国传统绘画，无论其风格如何演变，始终围绕着“天人合一”的哲学命题。线条不仅仅是描摹外形的工具，更是画家心性的流露。对“气韵”、“意境”的追求，使得中国画成为一种独特的、融合了文学、哲学与视觉艺术的综合性人文实践。 读者对象 本书适合艺术史研究者、美术专业学生、中国传统文化爱好者，以及所有希望深入了解中国绘画审美体系与历史脉络的读者。它提供了一个清晰的框架，帮助读者理解中国画何以区别于其他画种，其独特的精神内核何在。 --- 装帧规格： 精装，全彩印刷，配有大量高清线稿图与彩图案例分析。 字数： 约 45 万字。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初对这类强调技术细节的专业书籍有些畏惧，担心内容过于晦涩难懂，但这部作品的图文结合方式却成功地搭建了一座桥梁。它并没有将所有理论知识堆砌在文字中，而是大量采用了细节放大的线条图谱。比如，当讲解一个笔画的转折点时，书中会提供三到四个不同阶段的放大图，清晰地标示出笔锋的倾斜角度、压力变化的曲线，甚至是毛笔的哪个部位接触了纸面。这种“微观分析”的方法，极大地弥补了传统教学中“只能看成品，无法看过程”的缺陷。我过去在临摹中遇到的许多“顿挫不自然”的问题，通过对照这些细致的图示，很快找到了症结所在——原来是我对某个特定角度的侧锋使用存在偏差。这本书的实用性体现在，它让你仿佛有一位经验丰富的前辈在旁边手把手地指导，随时可以停下来，对照图例，修正自己的手腕和手指位置。它有效地将书写过程中的“动态经验”固化了下来，对于需要大量模仿和内化的学习者来说，简直是宝贵的视觉教材。

评分☆☆☆☆☆

这部作品，初见时便被其古朴典雅的封面设计所吸引。装帧的质感，纸张的触感，无不透露出一种对传统的敬畏与珍视。内页的排版布局，疏密有致，字里行间仿佛能嗅到墨香的韵味，这对于追求阅读体验的读者来说，无疑是一种享受。内容上，作者似乎将大量的篇幅投入到了对笔法结构的深入剖析之中，尤其是对于线条的提按顿挫，给予了极为细致的图解和文字阐释。我印象最深的是关于“中锋行笔”的论述，它并非停留在理论层面，而是结合了不同书体——篆、隶、楷——的实例，展示了在具体运笔过程中如何保持力点的稳定与线条的圆润。书中对“藏锋起笔”与“出锋收笔”的讲解尤其精妙，作者似乎用意在引导读者，书法之妙，始于微末的起笔，终于沉稳的收束。即便是初学者，也能从这些详尽的图示中，找到模仿和实践的清晰路径，感受到传统技法中蕴含的严谨与诗意。整体来看，这是一部对基础技法抱有极大热忱的专著，对于打磨基本功的读者群体，具有极高的参考价值和实操指导意义。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我立刻意识到这并非一本泛泛而谈的书法史或艺术鉴赏录，它更像是一本技法训练手册的升级版。作者的叙事风格极为冷静和克制，没有过多抒情的辞藻，而是直奔主题，用一种近乎“工程师”般的精确性来解构书写过程。书中对“力道”的物理学解释令我耳目一新。它尝试量化那些难以言喻的“力透纸背”或“轻若蝉翼”，通过对执笔角度与墨分五色的微妙控制，构建了一个可操作的技术模型。例如，书中对“悬肘”与“枕腕”两种姿态下的腕部受力分析，配以多角度的线条张力示意图，清晰地展示了不同结构下对笔锋控制的影响。这种科学化的视角，极大地拓宽了我对传统书写模式的理解，打破了过去那种“全凭感觉”的迷思。读到其中关于墨色的层次变化一节时，我更是深受启发，作者详细区分了“宿墨”、“润墨”和“枯笔”在表达情感和结构密度上的差异，提供了一套系统性的色彩管理方案。这本书迫使我重新审视自己的练习过程，不再满足于形似，而是去探求支撑形态背后的内在驱动力。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，许多书法书籍在论及“意境”时，往往流于空泛，让人不知如何着手。然而，这部作品在探讨章法布局的章节里，却提供了非常具体的操作指南。它没有空谈什么“气韵生动”，而是聚焦于“字与字之间”、“行与行之间”的视觉平衡。作者提出了一个非常实用的概念——“视觉重量的分配”。通过对不同结构（如左右结构、包围结构）的字形进行拆解，分析其重心点在哪里，以及如何通过侧锋和藏锋的交替使用来调整这种重量感，从而实现整体画面的稳定与流动。这种对结构美学的精细打磨，让我受益匪浅。我尝试按照书中的建议，在临摹一幅碑帖时，刻意去调整相邻字间的空间关系，结果发现原本僵硬的行列瞬间有了呼吸感和呼应性。这本书的价值就在于，它将抽象的审美要求，转化成了可以被观察、被计算、被实践的具体步骤，让人感觉书法不再是遥不可及的艺术，而是可以通过系统学习掌握的技艺。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格极其内敛且带有强烈的文人气息，它似乎更倾向于对中国传统书论的继承与发展，而不是激进的创新。阅读过程中，我感受到了一种强烈的哲学思辨的影子，尤其在论述“法度与自由”的关系时。作者引用了古代大家的一些只言片语，并进行了深入的个人解读，将书法视为一种“中和之道”的体现。它强调，所有高超的技法（锋的运用、墨的浓淡）最终都是为“心性”服务的。书中对“写意”的阐述并非鼓励随心所欲，而是要求在极致的技巧锤炼之后，方能达到“无法而法”的境界。这种层次感非常深刻，它明确地告诉读者，在达到一定技术门槛之前，必须脚踏实地，遵循古法，积累足够的“能量”。对于那些希望在技法上有所突破，并开始思考书法与个人修养之间关联的读者而言，这本书提供了必要的思想基础和精神指引，它教会的不是如何写字，而是如何“习书”与“养心”。

评分☆☆☆☆☆

有帮助，我喜欢

评分☆☆☆☆☆

《中国书法用锋汲要》：◆实物信息：高21.1cm，宽14.95cm，厚1.5cm，178页。内折式书皮。内页为普通胶印纸，12号文字大小，阅读省力。◆印象：很不错，可以研究、参考！◆京东：购物便捷，运输专业，派送服务好，点赞！

评分☆☆☆☆☆

好！！！！！！！！！！！！

评分☆☆☆☆☆

好东西，质量很好，很好用

评分☆☆☆☆☆

货和描述的一致。快递员服务好。

评分☆☆☆☆☆

很好学习书法，可以学习参考，值得一读

评分☆☆☆☆☆

张伯荣还健在。写的书不错，理论水平不低。奇怪的是书中附了他的硬笔字。

评分☆☆☆☆☆

这本书还是不错的，因为看不懂，所以觉得高大上

评分☆☆☆☆☆

书很好，很实用