音乐是什么（精装）音乐大师芥川也寸志写给大家的音乐入门书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[日] 芥川也寸志 著

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店铺： 书色图书专营店

出版社： 南海出版社

ISBN：9787544292139

商品编码：29493856831

包装：精装

开本：32

出版时间：2018-05-31

用纸：胶版纸

页数：195

套装数量：1

正文语种：中文

编辑推荐

文学大师芥川龙之介之子、现代音乐大师芥川也寸志，写给大家的音乐入门书

音乐评论家、《爱乐》前主编曹利群老师审校并热情推荐

音乐到底是什么？一本小书给你全部的解答。畅销日本四十余年，至今仍雄踞各大音乐书籍排行榜

作者是日本电影配乐的一代大师，曾跟众多知名导演合作，更受到黑柳彻子等人喜爱

比同系列热卖作品《如何听懂音乐》《极简音乐史》更好读，更清晰，更贴近现代

兼具大众和专业特色，设计清新优美

内容简介

本书是音乐大师芥川也寸志写给大家的音乐入门书。

人们欣赏音乐，演奏音乐，以不同的方式享受着它带来的乐趣。但要深入音乐的世界，首先应该了解音乐是什么。

音乐像一座城堡。节奏是基底，带来基础和生命；和声是外部设计，勾勒出轮廓；音程是一砖一瓦，构筑出纵向高度；对位法是内部构造，决定了城堡的复杂程度；曲式则是室内设计，与音乐的时间和空间有着紧密联系。

音乐是万物的语言。地平线的跃动、夏夜此起彼伏的虫鸣、绿荫深处的清风、恋人间的絮语……一刹那，一种感动满溢而出，音乐由此诞生。

本书以风趣易懂的语言，带你进入音乐的世界。只有完全沉浸其中的人，才会有美的发现。

作者简介

芥川也寸志（1925-1989）

日本作曲家、指挥家，作家芥川龙之介之子，毕业于东京音乐学校。1954年起开始发表作品，是日本战后音乐的代表人物之一，并多次担任柴科夫斯基国际音乐比赛的评委。

创作上深受普罗科菲耶夫和斯特拉文斯基影响。代表作有《埃洛拉交响曲》《弦乐三章——三折画》、声乐曲《车尘集》、歌剧《广岛的俄耳甫斯》等。著有《音乐是什么》《关于音乐的讲话》《音乐之旅》等。为纪念其在作曲方面的成就，三得利基金会特设立“芥川作曲奖”。

目录

第1章音乐的素材

第2章音乐的原则

第3章音乐的形成

第4章音乐的结构

精彩书摘

寂静

相对安静的环境是音乐存在的必要条件。比如说在钟声（或其他类似的声响）非常响亮的环境下，就没法演奏以“钟声”为素材的音乐。因为就算演奏了，乐声也会融入环境音，听不出来，仿佛是用红色的蜡笔在红色的纸上涂画。

然而，过度的安静—真正的寂静与连续不断的轰鸣一样，都会给人的精神带来异常的痛苦。在日常生活中，我们不会有这样的体验，但如果被关进测试音响设备的消音室，你会发现所有声音都被墙壁、地板和天花板吸收殆尽，连自己的说话声都听不分明。这时，你会产生极其强烈、近乎恐惧的孤独感。据说忍受这样的环境是非常痛苦的，一旦超过身体的承受极限，甚至可能造成精神失常。

夜幕笼罩下的辽阔的沙漠，有时会被彻底的寂静支配。这样的环境会带来与消音室相似的恐惧，让人感觉自己仿佛要被寂静吞没一般。

真正的寂静的确是一种极为特殊的环境，日常生活中并不存在。不过这个事实正暗示着“无声”在音乐领域的意义，或者说是逐渐变弱、趋向休止的音具有一定积极的含义。在某些情况下，休止能发挥出超越最强音的强烈效果。

我们平时所谓的“寂静”，指的其实是有一点声响的空间。这样的寂静能起到抚平心绪的作用，带给人美的感受。我们甚至可以说，音乐始于“承认寂静是美的”。

作曲家如果对自己写下的某段旋律不满意，会立刻把它删去。“删除已经写下的音符”就等于“回归寂静”。这个举动意味着，他承认原来的寂静比自己的旋律要美。

音乐站在寂静之美的对立面，是与寂静对决的产物。创造音乐的过程，便是针对寂静之美，追寻以声音为素材的全新美感的过程。

声音在它诞生的那一瞬间就走上了通往寂静的道路。虽然途中的变化视声音的种类而定，但所有的声音都具有这种性质。即便是潺潺的流水声、汹涌的波涛声这样具有连续性的声音，也是由“刚诞生便立刻衰减”的声音组成的集合。声音到头来还是敌不过寂静。

欣赏交响曲的听众，在演奏结束的那一刻，才能真正把握这部作品的全貌。就“鉴赏音乐”而言，最关键的时刻正是演奏结束的那一瞬间，也就是寂静最初造访的时刻。因此音乐作品的价值也是由寂静决定的。现代的演奏会带上了越来越浓厚的娱乐色彩，导致人们还没等到演奏结束，就急不可耐地开始欢呼鼓掌。对鉴赏者来说，最重要的瞬间就这样被生生打断了。这实在是一种不幸的习惯。

从上面所说的角度来看，寂静正是音乐的基础。

音乐的万千气象：探索古典、爵士与现代音乐的奥秘 一部深入浅出、涵盖历史、理论与审美的音乐百科全书，带你领略不同风格的音乐精髓。 第一部分：古典音乐的宏伟殿堂 1. 巴洛克的回响：从格里高利圣咏到巴赫的对位艺术 本卷聚焦于西方古典音乐的奠基时期，详细解析了中世纪晚期向巴洛克过渡的音乐形态。我们将追溯格里高利圣咏的庄严与纯粹，探讨奥尔加农等早期复调的萌芽。重点深入巴洛克时期（约1600-1750年），这不是一个简单的年代标签，而是一场关于“情感的狂热表达”和“数学般精准结构”的艺术革命。 歌剧的诞生与发展： 蒙特威尔第在佛罗伦萨“享乐学派”的探索，如何将戏剧与音乐完美结合。我们将剖析早期歌剧的结构，如宣叙调（Recitative）与咏叹调（Aria）的职能划分，并重点分析亨德尔的清唱剧（Oratorio）如何将宗教题材提升到世俗的艺术高度。 协奏曲的定型： 对维瓦尔第《四季》的深入解析，不仅限于旋律优美，更在于其对“音乐模仿自然”的精妙手法，以及对快-慢-快（Fast-Slow-Fast）三乐章结构的成熟运用。 巴赫的宇宙： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫被誉为西方音乐的集大成者。本部分将详细拆解对位法（Counterpoint）的逻辑，通过分析《平均律钢琴曲集》中的赋格（Fugue），展示巴赫如何将复杂的数学关系转化为极具人性温度的音乐语言。同时，对《勃兰登堡协奏曲》中对不同乐器组间的对话与平衡的描述，揭示巴洛克乐队的组织艺术。 2. 经典时期的光辉：秩序、平衡与德奥精神 经典时期（约1750-1820年）是欧洲启蒙运动的音乐体现，强调清晰、平衡与普适性。 奏鸣曲式（Sonata Form）的剖析： 这是理解海顿、莫扎特和贝多芬音乐结构的核心钥匙。我们将以海顿的“交响曲之父”地位为引，解析奏鸣曲式的呈示部、发展部和再现部的内在冲突与解决机制。 三大巨匠的差异： 海顿： 幽默与结构的化身，尤其在弦乐四重奏中对“对话艺术”的极致追求。 莫扎特： 旋律的天才，其歌剧（如《费加罗的婚礼》）中人物心理刻画的音乐深度，远超同期作品。 贝多芬的革命： 从海顿式的古典框架中挣脱，通过扩大篇幅、强化对立冲突，预示了浪漫主义的到来。重点分析他如何利用动机（Motive）的变奏和发展，构建出史诗般的音乐叙事。 3. 浪漫主义的澎湃：情感的无限延伸 浪漫主义（约1820-1900年）是音乐史中对个人情感表达最为热烈的一页。 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 舒伯特与舒曼如何通过钢琴伴奏与人声旋律的紧密结合，将诗歌的意境提升到新的维度。 民族乐派的兴起： 德沃夏克、斯美塔那、柴可夫斯基等作曲家如何从本国民间音乐、神话传说中汲取灵感，构建具有强烈地域色彩的音乐语言。 后浪漫主义的巨制： 瓦格纳的“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论，对主导动机（Leitmotif）在歌剧中无缝连接的运用，以及对和声的极度扩展，如何将听众带入情绪的漩涡。 第二部分：二十世纪的音乐变革与多元化 1. 印象主义与新古典主义的回潮 面对德奥浪漫主义的过度膨胀，音乐家们开始寻求新的声音方向。 德彪西与色彩的描绘： 印象主义音乐如何借鉴绘画中的光影效果，使用全音阶（Whole-tone scale）和五声音阶，营造朦胧、易逝的听觉体验。 斯特拉文斯基与回归秩序： 新古典主义的复苏，强调清晰的节奏结构和对位技巧的运用，是对巴赫和莫扎特手法的现代重塑。 2. 现代音乐的冲击：无调性与序列的探索 二十世纪初的两次世界大战，深刻影响了艺术家的创作心境。 第二维也纳乐派的革命： 勋伯格如何从瓦格纳的半音体系走向彻底的无调性（Atonality），以及十二音序列技法（Twelve-Tone Technique）的产生——一种旨在重建音乐秩序的理性尝试。 非传统技法的引入： 对偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）的介绍，探讨音乐中“不确定性”的角色，以及如何重新定义“作品”的边界。 第三部分：爵士乐：美国的即兴之声 1. 爵士乐的根源与早期形态 爵士乐是欧洲和声体系与非洲节奏、精神的完美融合。 布鲁斯的灵魂： 解析布鲁斯音阶（Blues Scale）的特性，以及其在情感表达上的不可替代性，这是爵士乐一切情绪的起点。 新奥尔良的熔炉： 探究集体即兴（Collective Improvisation）的特点，以及路易斯·阿姆斯特朗如何将个人独奏提升到前所未有的高度，确立了爵士乐“独奏家”的核心地位。 2. 爵士乐的风格演变：从摇摆到现代 摇摆乐（Swing）的黄金时代： 探讨大型乐队（Big Band）的编制，以及本尼·古德曼、艾灵顿公爵等人在节奏和编曲上的创新。 比波普（Bebop）的智力转向： 迪兹·吉莱斯皮和查理·帕克如何将爵士乐从舞蹈音乐转变为高度复杂的、需要高超技巧和音乐理解力的室内乐形式，强调快速的节奏变化和复杂的和声替代。 冷爵士与融合： 迈尔斯·戴维斯在不同阶段的贡献，特别是他对“空间”和“极简主义”的探索，以及爵士乐如何与摇滚乐结合，催生出融合爵士（Fusion）。 结语：聆听的艺术 本书的最终目标并非是让读者成为音乐家，而是成为一位有修养的聆听者。我们鼓励读者在阅读理论和历史的同时，实际去接触这些音乐作品，理解不同的音乐“语言”背后的文化语境和情感逻辑。通过掌握这些基础知识，聆听将不再是被动接受，而是一场主动的、充满洞察力的对话。

评分☆☆☆☆☆

2. 告别“听不懂”的尴尬，拥抱音乐的无限可能 我一直觉得音乐是一门我难以企及的语言，每次听到复杂的乐曲，总会感到一丝挫败感。这本书就像一盏明灯，照亮了我通往音乐理解之路的迷雾。芥川先生以一种极为亲切和包容的姿态，引导我一步步走进音乐的殿堂。他用最浅显易懂的方式解释了那些我曾望而却步的概念，比如节奏的律动是如何影响情绪的，旋律的起伏又如何勾勒出内心的波澜。更让我惊喜的是，他并没有强求我去记住那些枯燥的乐理知识，而是鼓励我去“听”，去“感受”。他分享的那些关于作曲家创作背后的故事，那些充满人情味的点滴，让我觉得音乐家也并非高高在上，他们同样有凡人的喜怒哀乐，而这些情感最终都融入了他们的音乐作品之中。读完这本书，我不再害怕接触新的音乐类型，甚至开始主动去探索那些我以前认为“太难”的曲目。我感觉自己终于告别了“听不懂”的尴尬，取而代之的是一种由衷的喜悦和对音乐的全新认知。

评分☆☆☆☆☆

1. 沉浸于声音的奇妙旅程，仿佛置身音乐的殿堂 当我翻开这本书，仿佛推开了一扇通往奇妙声音世界的大门。我不是音乐科班出身，对乐理知识的了解仅限于皮毛，但芥川先生用他那充满艺术气息的笔触，将那些原本可能枯燥深奥的音乐概念，变得生动有趣，触手可及。他没有直接堆砌名词术语，而是通过一个个生动的比喻，一次次引人入胜的故事，将音乐的灵魂展现在我面前。我仿佛能看到音符在纸上跳跃，听到旋律在耳边回荡。他谈论的那些大师的创作，不再是遥不可及的高雅艺术，而是充满人类情感的真挚表达。我开始理解，音乐原来可以如此多元，如此富有力量，它能表达喜悦，能宣泄悲伤，甚至能捕捉最细微的情绪。这本书让我对音乐的感知发生了翻天覆地的变化，我不再是被动地聆听，而是开始主动地去感受，去体会，去与音乐进行灵魂的对话。每一个字句都充满了启迪，让我重新认识了音乐的魅力，也让我对自己的音乐探索之路充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

3. 哲学与艺术的交融，点亮我对生命的理解 这本书带给我的，远不止是音乐知识的启蒙。芥川先生在探讨音乐的本质时，常常将它与人生、哲学、甚至宇宙的奥秘联系起来。他让我意识到，音乐并非孤立的存在，它与我们生活的方方面面都息息相关，它是人类情感和思想的载体，是连接个体与集体，甚至连接过去与未来的桥梁。他引用了许多先哲的智慧，将音乐的理解提升到了一个更高的维度。我开始思考，为什么某些旋律会让我们产生共鸣？为什么节奏的改变会带来不同的感受？这些问题在书中得到了深刻的解答，让我对生命本身有了更深层次的体悟。我发现，音乐的美，其实就蕴藏在我们生活的细微之处，就体现在我们内心的每一次触动。这本书就像一次心灵的洗礼，它让我以一种更广阔的视角去审视音乐，也以一种更深刻的理解去感受生命。

评分☆☆☆☆☆

4. 告别“快餐式”文化，回归音乐的纯粹与感动 在如今这个信息爆炸的时代，我们很容易被各种“快餐式”的文化所裹挟，匆匆掠过，不留痕迹。这本书如同一股清流，让我有机会慢下来，静下心来，去品味音乐的真正魅力。芥川先生用他充满智慧和哲思的语言，引导我们去关注音乐的内在肌理，去理解旋律背后的情感张力，去体会每一个音符所承载的意义。他没有迎合潮流，也没有刻意追求炫技，而是始终坚持着对音乐纯粹的热爱和对艺术的敬畏。我开始意识到，真正的音乐，能够触及灵魂深处，它不需要华丽的辞藻，也不需要复杂的技巧，只需要一份真诚的情感和一颗敏感的心。阅读这本书，我仿佛与一位睿智的长者进行了一场深入的对话，他教会了我如何去聆听，如何去感受，如何去真正地被音乐所感动。这种体验，是任何碎片化的信息都无法替代的。

评分☆☆☆☆☆

5. 跨越时空的对话，与伟大灵魂的深度连接 这本书最让我着迷的，莫过于它所带来的跨越时空的对话感。当我阅读芥川先生对那些伟大作曲家作品的解读时，我仿佛亲身经历了那个时代的音乐创作，与那些早已离世的音乐巨匠进行了一场心灵的交流。他没有将那些历史人物神化，而是用一种极为人性化的视角，去剖析他们的创作动机，去展现他们的情感世界。我能感受到贝多芬的悲壮，能体会莫扎特的灵动，更能理解巴赫的深邃。这种感觉，就像是通过一扇窗户，看到了不同时代人们内心深处的情感共鸣。芥川先生的文字，不仅是知识的传递，更是一种精神的感召。它让我明白，音乐的力量可以超越时间和空间，连接起不同时代、不同文化背景的人们。这本书不仅仅是一本音乐入门读物，更是一本关于如何理解人性，如何与伟大灵魂建立连接的智慧之书。