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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540446277

商品编码：29534139666

出版时间：2014-06-01

商品详情

音乐理论与实践的广阔天地：其他音乐学习指南精选 本书系精选的一套综合性音乐学习资料汇编，旨在为不同阶段、不同兴趣的音乐学习者提供扎实的基础知识和多样的实践指导。它并非聚焦于某一特定乐器或考试体系，而是涵盖了音乐学习的宏观领域，从基础乐理的构建到不同音乐风格的深入剖析，为学习者搭建起一个全景式的音乐知识框架。 第一部分：西方音乐史与风格演变 本部分内容系统梳理了西方音乐自中世纪以来的发展脉络，深入探讨了各个历史时期的核心特征、代表人物及其关键作品。 中世纪与文艺复兴： 详述了格里高利圣咏的特点，复调音乐的萌芽与发展，以及文艺复兴时期合唱音乐的辉煌成就，重点解析了奥兰多·迪·拉索、帕莱斯特里那等作曲家的风格。 巴洛克时期： 深入剖析了巴赫、亨德尔等大师对复调技巧、协奏曲和清唱剧形式的贡献。探讨了通奏低音在这一时期的核心地位及其演奏技法。 古典主义时期： 聚焦于奏鸣曲式、交响曲和弦乐四重奏的成熟与规范化。详细分析了海顿“交响乐之父”的贡献，莫扎特旋律创作的天赋，以及贝多芬如何将古典结构推向浪漫主义的边缘。 浪漫主义时期： 探讨了音乐情感表达的极大拓展，民族乐派的兴起，以及李斯特的交响诗和瓦格纳的“总体艺术作品”概念。分析了肖邦钢琴作品中独特的民族色彩和室内乐的创新。 二十世纪至今： 涵盖了印象主义、表现主义、无调性音乐、序列主义以及电子音乐的出现。介绍勋伯格的十二音体系、德彪西对音色的探索，以及当代音乐中对节奏和音色的实验性运用。 第二部分：和声学与对位法精要 本书的这一核心章节，旨在为学习者奠定严谨的音乐结构基础，无论学习何种乐器或曲风，扎实的和声与对位知识都是不可或缺的。 基础和声学： 从音程、三和弦的构成开始，系统讲解了功能和声的原理，包括级进、转位、导和弦、副属和弦的应用。详细阐述了调式和声在浪漫主义音乐中的扩展，以及非功能和声的初步概念。对和声的色彩变化（如借用和弦）进行了深入分析和实例演示。 实用对位法： 侧重于两种或更多独立声部线条的交织与融合。内容涵盖严格对位法（巴赫对位法）的五种类型练习，重点讲解了如何确保旋律线条的独立性和内在逻辑性，同时实现声部间的和谐共存。特别强调了中、高阶对位中模仿与卡农的处理技巧。 第三部分：不同音乐体裁的演奏与鉴赏 本部分提供了针对不同音乐门类（非打击乐类）的深入解析，帮助学习者理解不同体裁的演奏要求和审美取向。 室内乐的艺术： 探讨了重奏的平衡艺术，如钢琴三重奏、弦乐四重奏的声部关系。分析了室内乐作品对演奏者之间默契与听觉反应的极高要求，并介绍了巴洛克时期到古典时期室内乐的文献发展。 管弦乐队配器法概述： 介绍了各类乐器组（弦乐、木管、铜管、打击乐群——此处仅作概括性介绍其在管弦乐队中的位置和音色作用，不涉及具体演奏技法）的音域、音色特点及在乐队中的功能。解析了配器法如何通过乐器的组合来塑造音乐的宏大叙事或细腻描绘。 爵士乐基础与即兴入门： 概述了爵士乐起源于布鲁斯和拉格泰姆的历程。介绍了摇摆乐（Swing）、比波普（Bebop）等主要流派的节奏特征，并提供了基本的和弦音阶对应关系，为学习者了解和欣赏即兴演奏的底层逻辑打下基础。 第四部分：音乐作品分析与聆听技巧 此部分着重提升学习者的音乐理解力与鉴赏能力，使听音乐不再是被动接受，而是主动的探索过程。 曲式结构分析： 详细讲解了复调、主调音乐中的常见曲式，如呈示部、发展部、再现部的结构，复三部曲式（ABA）、回旋曲式（Rondo）等。通过具体范例分析，指导学习者如何快速抓住作品的骨架。 力度与表情术语指南： 提供了详尽的意大利文、德文、法文音乐术语表，解释了从 pianissimo 到 sforzando 等力度标记的准确含义，以及速度、情绪标记对演奏表现力的决定性影响。 演奏者的自我修养： 强调了乐谱阅读的准确性、对作曲家意图的尊重、以及持续的听觉训练（如视唱练耳）对于提升整体音乐素养的重要性。 综上所述，本套资料汇集了音乐学习的理论基石、历史纵深与风格多样性，为致力于深入理解和实践音乐艺术的求知者，提供了一条宽广且坚实的学习路径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和印刷细节也值得称赞，这在教材中常常是被忽略的一环，但它做得很到位。纸张的选择很合适，既不会反光到影响阅读，又足够坚韧耐用，可以应付我日常高强度的翻阅和记笔记。更重要的是，书中的图示清晰度达到了专业水准，无论是手型、坐姿的示意图，还是鼓组的布局图，线条都非常锐利，没有模糊不清的情况。这对于需要精确模仿动作的学习者来说至关重要。我曾听闻有些教材为了省成本，印刷质量很差，导致乐谱上的小记号都看不清，极大地影响了学习效率。但这本书完全没有这个问题，你可以放心地把书放在鼓架上，不用担心因为汗水或光线问题导致内容辨识度下降。总而言之，这是一套从内容到形式都体现出匠人精神的作品，它的价值远超其标价，对于任何认真对待架子鼓学习的人来说，都是一份值得长期珍藏和反复研习的宝贵资料。

评分☆☆☆☆☆

最近淘到一本非常棒的架子鼓教程，简直是鼓手进阶路上的神助攻！这本书的编排逻辑性极强，从最基础的持棒姿势和力度控制讲起，毫不含糊地把每一个细节都掰开了揉碎了教。尤其是关于节奏感的培养部分，简直是醍醐灌顶。作者没有停留在枯燥的机械练习上，而是巧妙地融入了一些音乐理论的小知识，让我明白“为什么”要这样打，而不是死记硬背。比如，它详细分析了几种常见切分音的演奏技巧，并提供了大量的实战范例，让我感觉自己不是在啃教材，而是在和一位经验丰富的老乐手面对面学习。这本书的排版也做得非常舒服，五线谱和简谱对照清晰，即便是初学者也能快速上手。我特别喜欢它对不同风格鼓点的解析，从基础的摇滚律动到一些更复杂的放克（Funk）切分，都有独到的见解，让我在练习时总能保持高昂的兴趣。这本书的实用性真的没话说，跟着它一步步走下来，我明显感觉到自己对鼓的控制力提升了一个档次，很多以前感觉很别扭的乐句现在打起来都顺畅多了，真心推荐给所有想认真学鼓的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

作为一名自学成才的鼓手，我深知没有一位好的“引路人”是多么困难。这本书，在我看来，就是一位极其耐心且专业的虚拟导师。我尤其欣赏它在面对复杂乐句时的拆解艺术。很多高难度曲目的学习往往让人望而生畏，但这本书采用了“模块化”教学法，把一个复杂的段落分解成几个可独立攻克的微小单元，然后再逐步整合。这种学习路径设计极大地降低了学习的挫败感。更赞的是，针对练习中常出现的节奏不稳、踩镲和底鼓不同步等常见“顽疾”，书里专门开辟了一个“常见错误分析与纠正”的章节。这个章节的实用性简直爆表，我对照着书上的描述，很快就找到了自己长期以来没能察觉的小毛病并加以修正。它对力度控制的描述，不仅仅是力度的强弱，更涉及到音色的变化，比如如何通过镲片敲击位置的不同来获得不同的音色质感，这些细节的把控，让我的演奏听起来瞬间提升了质感。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对市面上那些华而不实的乐器教材一直持保留态度，但这本书彻底颠覆了我的看法。它的内容深度和广度都非常惊人，特别是针对考级体系的梳理，简直是教科书级别的范本。我之前在准备某个等级考试时，总觉得理论和实践之间有一道鸿沟，很多考点掌握得似是而非。然而，这本书不仅清晰地列出了每个级别的技术要求，还针对性地设计了大量的专项练习来攻克难点。举个例子，针对手腕和脚踝的独立性训练，它提供了一套循序渐进的阶梯式练习方案，配套的音频示范清晰准确，让我能非常直观地判断自己的问题所在。而且，这本书对不同速度和力度的控制要求也写得非常细致，比如“pp”和“ff”之间的动态过渡，它给出的指导性建议非常具体，不像有些书只是简单地写个力度标记就带过去了。对于我这种对细节有偏执要求的学习者来说，这种详尽的剖析简直是雪中送炭，让我感觉每一次练习都是在向专业水准迈进，而不是原地打转。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受就是“地道”和“与时俱进”。它没有陷入那种老旧的、只关注传统军鼓技巧的窠臼，而是非常贴合现代鼓乐的发展趋势。其中关于不同音乐风格的节奏型解析，简直是一次美妙的音乐之旅。作者似乎是一位对爵士乐、布鲁斯、拉丁音乐都有深入研究的行家，他不仅仅是教你如何打出特定的节奏，更重要的是让你理解这些节奏背后的文化内涵和律动精髓。比如，在解析巴萨诺瓦（Bossa Nova）的节奏时，它不仅展示了标准的击打模式，还深入讲解了如何通过细微的时间感把握来营造那种慵懒而精准的律动，这在其他教材中是极其罕见的。我尝试用书中的方法去即兴演奏，效果立竿见影，我的音乐表现力瞬间丰富了不少。对于想要突破自己舒适圈，尝试接触更广泛音乐领域的鼓手来说，这本书提供的视角是无价的，它拓宽了我对架子鼓这件乐器的理解边界。