小军鼓考级教程(附光盘) 上海市打击乐协会 小鼓奏法教程小军鼓考级教材 上海音乐出版社 正 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807518532

商品编码：29525855767

丛书名： 小军鼓考级教程

出版时间：2011-08-01

商品详情

序一 
序二 
执笔人简介 
DVD演奏者简介 
音符对照表 
XX级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    (一)四分音符和四分休止符 
    (二)八分音符和八分休止符 
    (三)二分音符和二分休止符 
    (四)全音符和全休止符 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第二级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    (一)十六分音符、前十六、后十六节奏音型和休止符 
    (二)三连音 
    (三)重音 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第三级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    (一)较复杂的三连音 
    (二)常见的附点音符 
    (三)连线和切分音 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第四级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    (一)五连音、六连音和七连音 
    (二)双跳 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第五级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    滚奏 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第六级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    (一)单装饰音 
    (二)双装饰音 
    (三)Rudiments 26条小军鼓基本功技法 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第七级 
  一、考级要求 
  二、预备练习 
    (一)三装饰音 
    (二)四装饰音 
  三、练习曲 
  四、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第八级 
  一、考级要求 
  二、练习曲 
  三、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第九级 
  一、考级要求 
  二、练习曲 
  三、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
第十级 
  一、考级要求 
  二、练习曲 
  三、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分 
演奏家级 
  一、考级要求 
  二、考级曲目 
    XX部分 
    第二部分

《小军鼓考级教程》这本教材是由目前活跃在我国打击乐演奏和教学领域中，才艺出众、学有专攻的几位杰出女性共同编写的。教程十分注重贴近受众和读者，尤其强调“度身定制”和“因人施教”，既考虑到教学指导的针对性和计划性，又照顾到学习实践的技巧性和趣味性。比如，它有意识地扩展了考级选曲的内容，并拓宽了考生平时练习的空间。因此，它是一本循序渐进、练考兼容的较和完整的小军鼓考级教材。

《二十世纪西方音乐思潮与实践》 导论：世纪的钟声与音乐的重塑 二十世纪，无疑是人类文明史上一个剧烈变革的时代。两次世界大战的硝烟、科学技术的飞速发展、哲学思想的深刻反思，共同构筑了一个复杂多变、充满矛盾的文化背景。音乐，作为时代精神的敏锐捕捉者，在此期间经历了前所未有的探索与重塑。它挣脱了十九世纪浪漫主义晚期所构建的宏大叙事与情感宣泄的桎梏，开始探寻更深层次的结构逻辑、声音本质，乃至社会批判的维度。《二十世纪西方音乐思潮与实践》一书，旨在系统梳理并深入剖析这一百年间西方音乐的主要流派、关键人物及其核心创作理念和技术革新。 本书并非一部简单的作曲家传记汇编，而是聚焦于思潮的演变脉络及其在具体作品中的体现。我们力求构建一个清晰的知识框架，帮助读者理解：何种哲学观念催生了某种音乐技法？何种社会冲突促使作曲家转向某种全新的音响世界？ 第一部分：断裂与重建——早期现代主义的探索（约1900-1945） 本部分聚焦于对传统调性体系的首次大规模挑战。 第一章：印象主义的“消融”与象征主义的回响 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的音乐，如同印象派绘画，着力于捕捉瞬间的光影与氛围，而非传统的清晰结构。我们将分析他们如何利用全音阶、五声音阶以及复杂的和声色彩，营造出一种朦胧、非指向性的听觉体验。重点探讨《牧神午后前奏曲》与《达芙尼斯与克洛伊》中对管弦乐音色的极致运用，及其与波德莱尔、马拉美等象征主义诗歌精神的内在契合。 第二章：野性与原始的呼唤——斯特拉文斯基与“原始主义” 20世纪初的音乐界被《春之祭》的暴力节奏所震撼。本书将详细考察斯特拉文斯基（Stravinsky）如何通过对民间音乐材料的解构、复调的并置以及强烈的、非对称的节奏型，打破了欧洲自巴赫以来建立的优雅平衡。这种对“原始”力量的回归，不仅是音乐语言的变革，更是对启蒙理性主义的反思。 第三章：无调性与十二音体系的诞生 勋伯格（Schoenberg）是本章的核心。我们将深入解析从晚期调性作品（如《格雷的歌》）到无调性自由创作（如《月之幽灵》）的心理动因。随后，详细阐述十二音技法的基本规则——矩阵的构建、音高的横向与纵向排列逻辑，以及它如何成为一种系统化的、旨在替代调性中心的“新的必然性”。我们也将审视韦伯恩（Webern）如何将十二音技法推向极致的简洁与密度，预示了后来的结构主义倾向。 第四部分：战后激进主义与声音的无限可能（约1945-1970） 二战的结束，带来了对现有文化体系的深刻怀疑，音乐探索进入了一个更为激进的阶段。 第四章：序列主义的全面扩张与“总体序列化” 在勋伯格的“无意识创作”理念受到质疑后，布列兹（Boulez）等人将十二音的逻辑扩展到音高之外的一切参数：力度、时值、音色。本章剖析了“总体序列化”的严密性，以及它所追求的绝对控制与逻辑的彻底性，同时探讨了其带来的“异化”风险。 第五章：电子音乐的兴起与录音室的解放 录音机和磁带的出现，将声音的来源从传统乐器解放出来。本书将对比科隆的“电子音乐工作室”（冯·克塞纳基斯）与巴黎的“具体音乐”（舍费尔）的路线差异。具体音乐对日常声音的采样、重组与抽象化，标志着对“作曲”概念的根本性颠覆。 第六章：偶然性音乐与听众角色的重塑 约翰·凯奇（John Cage）是西方现代音乐中最具哲学意味的叛逆者。我们将分析他如何受到禅宗思想影响，引入“偶然性”（Indeterminacy）作为创作方法，如利用《易经》或掷硬币来决定音乐元素。作品如《4分33秒》不再关注“声音的组织”，而是关注“倾听的行为”本身，从而彻底改变了音乐会的基本定义。 第三部分：多元化与回归——后现代的景象（约1970至今） 随着激进主义的能量消退，音乐开始向更广阔的领域开放，出现了对历史的引用、对简化的回归，以及对新技术的整合。 第七章：极简主义的沉思与“过程美学” 以赖利（Reich）、格拉斯（Glass）为代表的极简主义者，通过对简单动机的相位差（Phasing）和重复（Repetition）的机械式推进，创造出一种类似催眠的、时间感被拉伸的听觉体验。本书将分析其结构上的简洁性如何带来深层的精神体验，并探讨其与非洲、印度音乐中循环概念的内在关联。 第八章：新浪漫主义与新表现主义的回声 部分作曲家开始对战后盛行的智性化音乐表达不满，转向更具情感张力和可听性的表达。本章关注如芬兰的萨吕宁（Saariaho）等如何利用复杂的电子技术，结合传统乐器，创造出既有现代色彩又不失浪漫主义叙事深度的作品。 第九章：空间、技术与跨界融合 当代音乐的趋势是边界的模糊。我们将探讨空间化技术（如多声道扬声器阵列）在声场设计中的应用，以及作曲家如何自觉地从流行音乐、非西方音乐语汇中汲取灵感，形成更加多元、开放的创作生态。 结论：永恒的追问 二十世纪的音乐史，是一部关于“可能性”的史诗。它教会我们，音乐的本质并非在于遵循既定的语法，而在于持续地提问：什么是声音？什么是节奏？什么是美？本书希望为读者提供一把钥匙，去探索这些复杂而迷人的声响迷宫。 附录：关键术语解析（如：十二音矩阵、音色密度、相位差、集群和声等）

评分☆☆☆☆☆

我得坦诚地讲，这本书的难度跨度确实比较大，可能需要学习者有一定的乐理基础才能完全领会其中的奥妙。对于我这种半路出家的爱好者来说，初期阅读体验略显吃力，特别是关于“共振与发声原理”的那几页，涉及了一些声学名词，我不得不停下来查阅额外的资料。然而，一旦攻克了这部分难点，收获是巨大的。例如，书中详细描述了如何通过改变鼓皮的松紧度和避震垫的选择来调控音色的“泛音结构”，这简直就是为追求极致音色的演奏者量身定做的秘籍。我根据书中的建议调整了我的练习鼓的张力，发现那种“扎实、饱满”的声音特质立刻被激发出来了，那种感觉就像是终于找到了解锁乐器潜能的钥匙。而且，这本书的选曲非常有前瞻性，它不仅涵盖了传统的军鼓曲目，还巧妙地融入了一些现代音乐风格的节奏型，这让学习过程始终保持新鲜感。它鼓励学习者去思考“为什么”要这样做，而不是简单地告诉你“怎么做”，这种深层次的探究精神，是很多速成教材所不具备的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计，说实话，比起一些老旧的教材显得更加“现代”和“人性化”。纸张的选择很好，不容易反光，长时间练习时眼睛不容易疲劳，这一点对于需要长时间盯着谱子练习的人来说非常重要。更值得称赞的是，它在涉及到一些高难度技巧时，插入了许多“常见错误分析与纠正”的插页，这些插页通常以图文对照的形式出现，非常直观。比如，在讲解“重音移位”时，书中清晰地指出了两种常见的错误手型——“手腕僵硬”和“手臂过度参与”，并配上了红色的“错误”标记和绿色的“正确”示范，对比之下，即便是自学者也能立刻明白自己的问题所在。这种预防性的指导，大大减少了错误习惯的养成。光盘中的音频质量也是一流的，鼓声的录制非常“干脆”，没有多余的混响，这正好方便我们对比练习时自己演奏的声音，能清晰地分辨出节奏或力度上的偏差。这不仅仅是一本教材，它更像是一位耐心的、时刻准备着为你纠错的私人导师，其细致程度令人叹服。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这本教材的实用性真是深感佩服，尤其是在处理那些让人头疼的“速度与清晰度”的矛盾时，它给出了非常独到的见解。我之前总是在追求速度时牺牲了音色的清晰度，导致连珠的音符听起来像一团模糊的噪音。这本书里专门辟出了一章来讲解“动态控制下的速度渐进法”，它不是简单地让你“打快点”，而是通过分解节奏型，用类似物理学中“加速度”的概念来指导练习。我按照它推荐的“三段式加速法”来练习一段高速的火焰式滚奏（Flam Tap），发现肌肉的紧张度得到了极大的优化，而且在保持力度不变的情况下，音符的分离度明显提高了。更让我惊喜的是，它在涉及一些国际上通用的记谱法差异时，做了非常详尽的对比和解释，这对于想要阅读国外乐谱的学习者来说，省去了很多自行摸索的时间。光盘里附带的那些伴奏音轨也非常专业，鼓点清晰，节奏精准，为我模拟真实演奏环境提供了极大的便利。它确实将理论与实践的桥梁搭建得非常牢固，让人感觉不是在“死记硬背”，而是在“理解和构建”自己的演奏体系。

评分☆☆☆☆☆

从教学法的角度来看，这本教材无疑是教科书级别的典范。它的结构组织简直是教科书式的严谨，每一个章节的引入都基于前一章的知识点，形成了一个完美的知识闭环。让我印象最深刻的是它对“弱奏的控制艺术”的处理。很多教材往往只强调强音的爆发力，但这本书却用大量的篇幅去剖析如何用极小的力量打出清晰、富有表情的弱音，这对提升演奏的细腻度和情感表达至关重要。它提供了许多专门针对“手指微调”的练习，要求练习者用肉眼几乎无法察觉的幅度去控制力度变化，这极大地锻炼了神经对肌肉的精确反馈能力。此外，书中对于考级曲目所涉及的历史背景和作曲家意图的解读也极为到位，这对于准备参加正式考级的学生来说，是无价之宝，因为这能帮助他们在演奏时注入更深层次的音乐理解，避免了机械化的演奏。总而言之，这是一套可以伴随学习者从入门到精通的“工具箱”，内容详实且极具指导性。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实让人眼前一亮，那深邃的蓝色调配上醒目的金色字体，散发出一种古典与现代交织的魅力。初翻开目录，就能感受到编纂者在内容编排上的匠心独运。它显然不仅仅是一本简单的技术手册，更像是一部引导性的艺术之旅。比如，关于基础手型和音色的探讨部分，简直是细致入微，连持槌的角度、手腕的放松程度都配上了高清的示意图，这对初学者来说简直是如获至宝。我记得有一次，我尝试着按照书里描述的“气流驱动”法来练习一个十六分音符的滚奏，那种声音的颗粒感和均匀度，比我之前盲目练习时有了质的飞跃。书中引用的那些历史小故事，比如关于军鼓在不同时期和不同文化背景下的应用，也为枯燥的技巧练习增添了不少趣味性，让人在学习技法的同时，也能感受到打击乐作为一种文化载体的厚重。再者，它对于不同难度的曲目选择也颇为讲究，从最基础的“单跳”练习到复杂的“复调”段落，层层递进，逻辑清晰，确保学习者能够稳扎稳打，不至于在某个技术难点上产生畏惧心理。整体来说，这本教材的装帧、排版以及内容的深度，都体现了出版方的高水准制作，绝对是物有所值的一本工具书。