我要學電子琴 王曉蓮 人民音樂齣版社 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 文宇圖書專營店

齣版社： 人民音樂齣版社

ISBN：9787553785899

商品編碼：29561869565

齣版時間：2011-04-01

商品詳情

鋼琴藝術的瑰麗畫捲：一部探索鍵盤樂器精髓的百科全書 書名： 鍵盤音樂的韆年迴響與未來和聲 作者： 萊昂納多·範德堡 (Leonardo van der Burg) 齣版社： 環球音樂史學叢書編委會 頁數： 1280頁 裝幀： 精裝典藏版 --- 內容提要 《鍵盤音樂的韆年迴響與未來和聲》並非僅僅是一本關於“如何彈奏”的教程，它是一部氣勢恢宏的、跨越時空限製的鍵盤樂器發展史、美學哲學探討與演奏技藝深層剖析的綜閤性巨著。本書旨在為所有對鍵盤樂器——無論是以鋼琴、管風琴、大鍵琴還是電子閤成器為載體的音樂——抱有濃厚興趣的學者、演奏傢、作麯傢及愛好者，提供一個全麵而深刻的認知框架。全書結構嚴謹，內容翔實，旨在揭示鍵盤樂器在人類音樂文明進程中所扮演的核心角色及其不斷演變的美學價值。 全書分為七個宏大篇章，並輔以詳盡的附錄與索引。作者範德堡教授窮盡數十年心血，不僅梳理瞭自中世紀管風琴興起到現代數字音樂閤成的完整脈絡，更深入剖析瞭不同時代、不同地域的鍵盤音樂風格背後的文化、技術和社會動因。 --- 第一捲：起源與奠基——鍵盤樂器的遠古迴音 (約 200頁) 本捲追溯瞭鍵盤樂器的原型——從古代的“琴鍵”概念，到中世紀的單簧管（Portative Organ）和大型管風琴（Pipe Organ）的誕生。重點研究瞭管風琴在歐洲教堂音樂和世俗音樂中的壟斷性地位，及其機械結構、音栓原理和早期記譜法的演變。詳細對比瞭早期鍵盤樂器（如古鋼琴、大鍵琴）在音色、力度控製上的技術限製，這些限製如何反過來塑造瞭巴洛剋時期的復調寫作風格。對早期歐洲音樂中心（如威尼斯、羅馬、維也納）的鍵盤音樂實踐進行瞭細緻的地域性考察。 第二捲：巴洛剋的光輝：復調的邏輯與演奏的規範 (約 180頁) 本捲聚焦於1685年至1750年間，鍵盤音樂藝術的黃金時代。核心內容圍繞約翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的鍵盤作品（包括《平均律鋼琴麯集》、《哥德堡變奏麯》）進行深入的對位法和結構分析。範德堡教授首次係統地整理瞭當時主要的演奏實踐，如“手指分配的藝術”（Fingering Art）、顫音（Trill）的演奏規範，以及羽管鍵琴（Harpsichord）音色的調校與維護。此外，本捲也涵蓋瞭斯卡拉蒂、亨德爾等大師的鍵盤創作，闡釋瞭“通奏低音”在鍵盤音樂中的核心作用。 第三捲：古典的清晰：奏鳴麯形式的構建與鋼琴的崛起 (約 220頁) 古典時期是鍵盤樂器從羽管鍵琴嚮現代鋼琴（Fortepiano）過渡的關鍵時期。本捲詳細描述瞭剋萊門蒂、C.P.E.巴赫等人對早期鋼琴的改進意見，以及這種新型樂器如何因其力度變化（Dynamics）的能力而催生瞭新的音樂語言。重點分析瞭海頓和莫紮特奏鳴麯中，清晰的結構、鏇律的優美與清晰的織體之間的完美平衡。本捲還探討瞭“維也納學派”對鋼琴演奏技術（如觸鍵的深度與清晰度）的早期規範化嘗試。 第四捲：浪漫的激情：情感的釋放與技巧的極限 (約 250頁) 浪漫主義時期，鋼琴成為錶達個人內心世界和宏大敘事的最主要載體。本捲深入剖析瞭貝多芬晚期作品中蘊含的哲學深度，肖邦對鋼琴音色（Timbre）的革命性開發，以及李斯特對演奏技巧的“炫技”式拓展。範德堡教授特彆關注瞭“大鋼琴”（Grand Piano）製造技術的飛躍（如框架的加固、琴弦的張力增加）如何直接影響瞭作麯傢的創作手法。本捲還涵蓋瞭舒曼、勃拉姆斯在鋼琴室內樂及獨奏作品中對色彩和情感層次的細膩處理。 第五捲：二十世紀的變革：印象、實驗與拓寬邊界 (約 200頁) 進入二十世紀，鍵盤音樂麵臨現代主義的衝擊。本捲關注德彪西和拉威爾如何利用鋼琴的“模糊性”和“共鳴”來描繪光影和氛圍（印象主義）。隨後，作者轉嚮對位瞭激進的實驗：如斯特拉文斯基對節奏的解構，巴托剋對民間音樂元素的吸收，以及勛伯格十二音體係在鍵盤上的應用。本捲還首次納入瞭對“非傳統觸鍵法”（如打擊樂技法、使用闆凳等）的記錄和分析，預示著鍵盤樂器功能的多樣化。 第六捲：電子的浪潮：閤成器、采樣與數字鍵盤的誕生 (約 150頁) 本捲聚焦於戰後至當代，電子技術對鍵盤音樂的顛覆性影響。詳細介紹瞭早期模擬閤成器（如Moog, Buchla）的工作原理，以及它們如何被先驅們（如溫迪·卡洛斯）用於重新詮釋傳統音樂和創造全新的聲音景觀。深入分析瞭采樣技術（Sampling）和MIDI協議的齣現，如何使得鍵盤樂器不再局限於物理聲學限製，從而融入流行音樂、電影配樂和先鋒電子音樂的創作流程。 第七捲：演奏的未來：跨界、傳承與人機交互 (約 80頁) 本捲為總結與展望。作者探討瞭當代鍵盤演奏傢在麵對海量曆史文獻與尖端科技時的角色定位。討論瞭即興創作在當代鍵盤藝術中的復興，以及演奏傢如何利用數字工具輔助練習、分析和錶演。最後，本捲提齣瞭對未來鍵盤樂器形態的哲學思考：當聲音的産生不再依賴於錘子和琴弦時，什麼是“鍵盤音樂”的本質？ --- 附錄與特色 附錄一： 曆代著名鋼琴、大鍵琴及管風琴製造廠商的技師名錄與技術演進時間綫。 附錄二： 關鍵演奏術語及德語/法語/意大利語/英語對照解析。 特色： 全書配有超過300幅珍貴曆史樂器圖片、樂譜插圖及技術圖解。作者的論述風格嚴謹而不失文學性，擅長將技術分析融入宏大的曆史敘事之中，使讀者在領略藝術之美的同時，亦能掌握鍵盤科學的深層知識。本書緻力於提供一種全麵而平衡的視角，既尊重鋼琴藝術的古典傳統，又擁抱電子音樂帶來的無限可能。

評分☆☆☆☆☆

我最近讀瞭一本關於世界民族音樂學理論的導論性質的書籍，感覺格局一下子打開瞭。這本書完全跳齣瞭西方中心主義的視角，而是非常係統地介紹瞭民族音樂學（Ethnomusicology）這門學科是如何從早期的“記錄”轉變為後來的“參與式觀察”和“文化詮釋”的。作者開篇就提齣瞭一個很有衝擊力的觀點：任何音樂的記錄本身就是一種“錶演”和“重構”。書中花瞭很大篇幅去探討不同文化中“音樂性”（Musicality）的定義差異，比如在某些非洲部落，音樂與舞蹈、儀式是完全不可分割的，你不能單拎齣鏇律來分析。我印象特彆深的是它對東南亞加美蘭音樂的分析，作者詳細描述瞭他們復雜的復節奏和套層結構，並著重強調瞭演奏者之間非語言的交流和互動，這讓我意識到，傳統的記譜法對於這類音樂是多麼的無力。這本書的學術性很強，充滿瞭人類學和符號學的交叉討論，閱讀起來需要極大的耐心去理解那些定義和理論框架。它真正教會我的，是如何帶著一種謙卑和開放的心態去傾聽來自不同文化背景的聲音，不再用“好聽”或“不好聽”這種主觀標簽去簡單評判。

評分☆☆☆☆☆

最近淘到一本關於現代爵士樂即興創作技巧的寶典，簡直是我的“救命稻草”。我一直覺得自己的和聲基礎還行，但一到實際演奏中，腦袋裏就是一片空白，不知道該從哪裏下手纔能讓自己的Solo聽起來“像那麼迴事”。這本書的結構非常實用主義，完全是以“實戰”為導嚮的。它沒有過多地糾纏於冗長的樂理曆史，而是開篇就直接進入主題——如何將五聲音階、布魯斯音階與調式即興進行有機結閤。作者用大量的Aebersold風格的伴奏譜（雖然沒有附帶CD，但提供瞭下載鏈接）來配閤講解，每一段練習都有明確的目標，比如“如何在屬七和弦上運用減七和弦的琶音來製造張力”。最棒的是，書中對“節奏型”的強調，作者認為節奏纔是區分“好Solo”和“平庸Solo”的關鍵，書中列舉瞭許多經典爵士樂手的節奏切分模式，並鼓勵讀者通過模仿和變奏來內化這些節奏感覺。我跟著書上的練習，每天堅持對著節拍器打磨，感覺手指和大腦的連接都順暢瞭許多，尤其是在處理復雜的和弦進行時，腦子裏不再是死記硬背的音階，而是能自然地“流動”齣符閤和聲色彩的鏇律綫。對於那些已經掌握基礎知識，但苦於無法將理論轉化為實際演奏的樂手來說，這本書無疑是提供瞭最直接、最有效的“升級包”。

評分☆☆☆☆☆

說實話，我最近在看一本關於二十世紀西方實驗音樂思潮的批判性迴顧。這本書的觀點非常犀利，它毫不留情地揭露瞭後二戰時期，尤其是在達姆施塔特學派興起後，音樂界是如何陷入一種“學院派的僵化”的。作者以一種近乎“反叛”的姿態，挑戰瞭序列主義、偶然音樂等流派的權威性。書中對約翰·凱奇的某些作品進行瞭非常深入的、甚至是顛覆性的解讀，認為其對“隨機性”的推崇，在某種程度上是對聽眾智力的傲慢。該書大量引用瞭當時的音樂評論和作麯傢之間的通信，揭示瞭許多流派爭論背後的權力鬥爭和學術站隊。閱讀過程中，我不斷地在思考，藝術的前沿探索和大眾接受度之間，那條模糊的界限到底在哪裏。這本書的語言充滿瞭思辨性，結構上采用瞭大量的對比和反駁，引導讀者去質疑那些被奉為圭臬的“現代經典”。它不是一本普及讀物，更像是一劑清醒劑，提醒所有音樂人，真正的創新不應該僅僅是技法的堆砌或符號的符號化，而應該迴歸到音樂與人類經驗的真誠連接上。讀完後，我對許多“晦澀”的當代音樂有瞭更復雜、也更具批判性的理解。

評分☆☆☆☆☆

天哪，最近迷上瞭一本關於古典音樂史的鴻篇巨製，簡直是打開瞭我對巴赫、莫紮特那個時代全新的認識。這本書的作者顯然是位浸淫此道多年的學者，他對那個時期不同流派音樂的興起、演變，以及背後的社會文化背景都有著極其深刻的洞察。比如，書中詳細分析瞭奏鳴麯式是如何在海頓手中逐步完善，並最終在貝多芬那裏達到巔峰的整個脈絡，引用瞭大量的樂譜片段進行佐證，而不是空泛的描述。更讓我驚喜的是，作者在論述宗教音樂（特彆是清唱劇和受難麯）對當時社會思想的影響時，引用瞭許多一手文獻資料，比如當時的教會文件和貴族的信件，這使得論述的厚度和可信度大大增加。閱讀過程中，我時常需要停下來，去翻閱一些相關的曆史資料，纔能更完整地理解作者的論點，這絕不是一本能“輕鬆瀏覽”的書，它需要讀者投入極大的精力和專注力。這本書的排版也十分考究，雖然頁數眾多，但索引係統做得非常清晰，能迅速定位到特定的作麯傢或特定的音樂術語解釋。我尤其欣賞它對“風格”這個抽象概念的拆解，作者試圖用具體的和聲進行分析和對位技巧的描述，將“古典”與“浪漫”之間的微妙過渡描繪得淋灕盡緻，仿佛能透過文字直接“聽見”音樂的色彩變化。總之，對於任何想深入瞭解西方古典音樂發展脈絡的愛好者來說，這本書都是一本繞不開的案頭必備。

評分☆☆☆☆☆

最近在研究音樂心理學和聽覺認知方麵的內容，無意中翻到瞭一本探討“鏇律感知”的專業著作。這本書的切入角度非常新穎，它不是教你如何寫鏇律，而是解釋我們的大腦是如何處理和記憶鏇律的。作者引用瞭大量的實驗心理學研究結果，比如“間隔效應”如何影響我們對音程的判斷，以及大腦中負責處理鏇律輪廓（Contour）的特定區域。書中詳細區分瞭“輪廓”和“音高序列”這兩個概念，並通過視覺化的圖錶展示瞭不同類型鏇律（如弓形、階梯形、鋸齒形）在大腦中激活的路徑差異。我特彆喜歡其中關於“預期”的討論，即我們聽到一個不和諧音時，大腦會立即在後颱搜索最可能的解決方嚮，而這種解決的“滿足感”是如何被量化的。這本書的論述嚴謹，充滿瞭神經科學和數學模型，對於我這種希望從科學層麵理解音樂創作規律的人來說，簡直是寶藏。它讓我意識到，我們習以為常的“悅耳”，背後其實是一係列復雜的認知捷徑和模式識彆的結果。閱讀這本書就像是給自己的耳朵做瞭一次深度體檢，徹底顛覆瞭我過去對“鏇律美感”的樸素認知。