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出版社： 广西师大

ISBN：9787559801630

商品编码：29690871112

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(3)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801630

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：48

目录

三十六分音符(Demisemiqu**er)
有4个升记号或降记号的大调(Major Keys with 4 Sharps or Flats)
主三和弦(Tonic Triads)
两条加线以上(Beyond 2 Ledger Lines)
八度变调(Transposition)
复拍子6 8 9 8 12 8(Compound Time 6 8 9 8 12 8)
复拍子的规则(Rules of Compound Time)
有4个升记号或降记号的小调(Minor Keys with 4 Sharps or Flats)
复拍子中的音符和休止符组合(Grouping Notes and Rests in Compound Time)
音阶和调号复习(Scales and Key Signatures Revision)
四小节节奏(Four-bar Rhythm)
音程(Intervals)
简单乐句结构(Simple Phrase Structure)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
复习(Revision)

深入探索音乐的奥秘：一部涵盖和声、对位与曲式分析的综合教程 书名：音乐理论精要：从基础到高级的全面解析 内容简介 本书旨在为音乐学习者、爱好者以及希望系统提升音乐素养的专业人士提供一套详尽、深入且实用的音乐理论指南。它摒弃了对单一理论点的碎片化讲解，构建了一个宏大而精密的音乐知识体系，涵盖了从最基础的音高概念到复杂和声进行、对位技巧以及曲式结构分析的各个层面。本书的独特之处在于，它不仅是理论的陈述，更是一份实践的蓝图，致力于培养读者“用理论思考音乐”的能力。 第一部分：音乐的基石——音响与节奏的逻辑 本部分从声学和心理声学的角度切入，奠定坚实的理论基础。 一、音高的精确界定与系统构建： 我们将详细探讨十二平均律的起源与运作机制，对比不同历史时期的音律体系（如纯律），并深入分析全音与半音在不同调式中的功能性差异。重点剖析了音程的听觉感知与功能分类，包括如何通过和弦结构来感知和定义音程关系。 二、调性与调式：色彩的源泉： 书中详尽阐释了大小调体系的形成过程及其在古典音乐中的核心地位。随后，我们将展开对各种调式，如自然大调、和声小调、旋律小调的结构解析，并扩展到更具民族色彩或特定风格的调式，例如教会调式（多利亚、弗里吉亚等）和特定文化背景下的音阶系统。对于转调的原理，本书提供了丰富的实例分析，说明功能和声如何引导听众在不同的调性中心之间平稳过渡。 三、节奏与节拍的内在结构： 节奏的分析不仅仅是记谱法的学习。本章深入探讨了拍号的层级结构，以及如何通过重音和休止符的巧妙运用，创造出复杂的复节奏和错拍效果。我们将分析不同音乐风格（如巴洛克舞曲、浪漫主义叙事曲）中对基本节拍的“弹性”处理（Tempo Rubato）及其对音乐情感表达的贡献。 第二部分：和声的演进与功能性分析 本部分是本书的核心，系统梳理了西方音乐和声从功能性到非功能性发展的脉络。 一、三和弦与七和弦的构建与功能识别： 详细讲解了三和弦的转位、七和弦（属七、减七、增三和弦）的结构特点。重点在于功能的识别：主和弦（T）、属和弦（D）和下属和弦（S）如何构成功能和声的“骨架”，以及导和弦在解决倾向性上的关键作用。 二、复杂的和声进行与色彩变化： 我们将超越基础的三和弦连接，进入到更丰富的情感表达领域。内容包括： 1. 副属和弦（Secondary Dominants）： 如何利用它们短暂地导向非主和弦，增加色彩的对比度。 2. 导和弦（Borrowed Chords）： 从同主音的大小调中借用和弦，实现瞬间的情绪转换，例如在 C 大调中使用升F减七和弦。 3. 和弦外音的运用： 深入剖析经过音、经过和弦、倚音、持续音（Pedal Point）等如何柔化或强化和声线条，避免僵硬的垂直结构。 三、调性瓦解的边缘：非功能性和声探索： 面对晚期浪漫主义和印象派的和声变革，本书探讨了以下概念： 1. 和声的非功能化： 德彪西、拉威尔等作曲家如何使用九和弦、十一和弦、十三和弦，以及“色彩和弦”（如帕拉斯和弦），它们更多地侧重于音响色彩本身而非解决倾向。 2. 全音阶与十二音体系的初探： 简要介绍无调性音乐的萌芽，为后续的现代音乐理论学习打下铺垫。 第三部分：对位艺术——线条的独立与交织 对位法是音乐逻辑的精髓。本书将巴赫的对位范例作为核心教材，辅以严格的练习方法。 一、严格对位法：两条旋律的对话： 详细讲解了弗罗斯特（Fux）提出的“五种对位法”： 1. 第一、二对位： 侧重于音高的精确匹配与节奏的对比。 2. 第三、四对位： 引入附点节奏和切分，模拟更复杂的音乐织体。 3. 自由对位： 强调旋律线自身的流畅性与逻辑性。 二、赋格曲的结构分析： 赋格曲被视为对位法的集大成者。我们将解析“呈示部”（Exposition）中主题（Subject）的引入方式（同度、五度、八度），中介入的“间奏”（Episode）如何运用主题材料进行模写和转调，以及“再呈示部”（Middle Entry）的组织逻辑。特别关注“入微模仿”（Stretto）这种高度浓缩的写作手法。 三、旋律写作的原则： 旋律不仅仅是音符的序列，它具有自身的呼吸和轮廓。本书探讨了平衡、动机的发展、乐句的划分（Antecedent and Consequent）以及如何通过节奏型和音域的控制来塑造有生命力的旋律线条。 第四部分：曲式结构——音乐的宏观蓝图 理解曲式，如同掌握建筑学的结构原理，能让人洞悉作曲家如何组织时间和材料。 一、基础结构模块的解析： 1. 重复（Repetition）、变化（Variation）与再现（Recapitulation）： 这是所有结构的基础动词。 2. 段落结构： 讲解乐段（Phrase）、乐句（Period）的概念及其构建方式。 二、古典曲式范例的深度剖析： 1. 复三部曲式（Ternary Form, ABA’）： 从小型器乐曲到歌剧咏叹调，分析A段的稳定性和B段的对比功能。 2. 奏鸣曲式（Sonata Form）： 这是古典主义的基石。我们将详尽拆解呈示部（主题一、过渡段、主题二、结束部）、发展部（材料的分解、冲突与转调）以及再现部（功能性的回归与尾声的处理）。 3. 回旋曲式（Rondo Form）： 分析ABACA等结构中，主部（A）的稳定性和插部（B, C）的对比与色彩作用。 三、变奏曲与组曲结构： 对主题进行不同层面的重构（节奏变奏、和声变奏、对位变奏），以及对巴洛克组曲（如前奏曲、快板、萨拉班德、吉格）中各舞曲风格的界定。 总结与展望 本书最终的落脚点在于“应用”。理论的学习并非目的，而是通往更深刻音乐理解和更高创作水平的工具。通过对上述各个领域的系统学习，读者将能够自信地阅读复杂的乐谱，分析不同历史时期的作品特征，并能将理论知识转化为个人独特的音乐语言。本书提供了足够的深度和广度，确保学习者不仅知其“然”，更能明其“所以然”。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴入门教材，真的是让人又爱又恨。我本来以为自己对古典音乐一窍不通，拿起这本书想自己摸索一下，结果发现它的内容排布实在是过于“跳跃”。比如，它在第一课就要求你识谱，而且是同时学习高音谱号和低音谱号，对于一个完全的门外汉来说，这简直就像是直接把你扔到深海里让你自学游泳。教材中的图例倒是挺清晰的，黑白分明的琴键和五线谱对照着，但讲解的理论点过于密集，完全没有循序渐进的感觉。我记得有一章专门讲到“三和弦的转位”，理论讲解得非常学术化，各种术语堆砌，看得我一头雾水。然后下一章又突然跳到了“琶音的练习”，似乎觉得读者已经完全掌握了前面的内容。而且，书里配的曲目选择也偏向于一些比较枯燥的练习曲，而不是那些能激发学习兴趣的经典小品。我不得不承认，这本书对于那些已经有一定基础，想快速梳理理论框架的学习者来说或许有用，但对于我这种想在轻松愉快的氛围中接触音乐的人来说，它带来的挫败感远大于成就感。我花了大量时间去查阅其他资料来填补这本教材留下的理解空白，感觉这本书更像是一本理论字典，而不是一本手把手的指南。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本号称“简单学”的书，我最大的感受是它的“简洁”程度有些过了头。内容上，它似乎过于自信于读者的理解能力，很多核心概念的引入缺乏必要的铺垫和类比。比如，当它提到“调性”和“和声功能”时，直接抛出了几个定义，然后就要求你开始分析乐曲。我试着按照书上的步骤去分析一首简单的民谣，结果发现自己卡在了最基础的判断上——到底这个和弦是主功能还是属功能？书里给的解释只有一行字，完全没有举例说明在实际听感上的区别。更让我头疼的是排版，虽然纸张质量不错，但很多重要公式和标记都挤在一起，视觉上不够清爽。我希望一本入门书能提供更多的“白话”解释，或者至少提供一些可以跟着哼唱的例子。这本书给我的感觉就像是一个技术手册，非常精确，但缺少了人情味。我甚至怀疑作者是不是以为所有的读者都已经完成了初级的视唱练耳训练。我不得不承认，当我尝试用它来指导我的手指在键盘上做一些简单的弹奏尝试时，这本书的指导性非常弱，它似乎更关注“你知道什么”，而不是“你能做什么”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑，在我看来，更像是一个音乐学院的内部讲义，而不是面向大众的科普读物。它的深度是够的，但广度上明显不足。例如，它对“节奏型”的讲解非常深入，详细分析了切分音和复节奏的数学原理，这对于想深入研究作曲的学生可能很有价值。然而，对于只想学会弹奏流行歌曲的普通读者来说，这些内容显得过于“硬核”了。我特别希望能看到更多关于如何将这些理论知识应用到现代音乐中的实例，比如摇滚乐的和弦走向，或者爵士乐的即兴基础。这本书似乎完全停留在古典音乐的框架内，对现代音乐的语汇几乎没有提及。此外，书中的练习题设计也偏向于纸面计算，很少有让你“听出来”或“唱出来”的互动环节。对我而言，音乐是听觉的艺术，而这本书却过度强调了视觉和逻辑的分析，导致我在学习过程中，总是感觉理论和耳朵是脱节的。如果能增加一些听力辨识的练习，或者提供配套的音频资源来佐证那些枯燥的符号，体验感一定会大幅提升。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的风格非常“学术派”，甚至有些保守。它在介绍基础概念时，引用了大量历史上的音乐学家观点，这无疑增加了理论的严谨性，但也极大地抬高了阅读门槛。我记得有一处提到巴赫对复调音乐的贡献时，引用了一段非常晦涩的德语学者的评论（虽然有中文翻译，但语境很难懂），搞得我需要花上半个小时去理解这句话到底在说什么。对于一个初学者来说，我更需要的是一个清晰的蓝图，告诉我每一步应该做什么，而不是陷入无休止的学术争论中。这本书更像是一本用于考研的参考书，而不是一本让你轻松入门的工具书。它的优点是内容全面、逻辑自洽，缺点也很明显——它假设你已经对音乐有了一种天然的亲近感和较高的理解力。我尝试用它来教我弟弟，结果他只看了几页就放弃了，理由是“太像数学题了”。我个人也觉得，如果能在理论讲解中多穿插一些音乐史的小故事，或者用更具画面感的语言来描述音程的色彩，这本书的吸引力会大很多。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排给我的感觉像是“先给你工具箱，再告诉你该怎么造房子”。它把大量的乐理知识点——从音阶构成到复杂的调式——一股脑地塞在前面几十页。当我翻到后面需要查找具体技巧时，发现很难快速定位。比如，我想回顾一下“变化音程”的规则，我需要在前面几百页的理论海洋中重新搜寻，而书里没有清晰的章节导读或者索引帮助我快速定位。而且，这本书在解释如何“运用”这些知识时显得力不从心。比如，讲解了什么是“属七和弦”，但没有深入探讨为什么在特定情况下我们会选择使用它，以及它在不同音乐风格中的情感作用。这导致我虽然“知道”这个和弦的构成，却无法在创作或即兴中“使用”它。总而言之，它更像是一个知识点的堆砌，缺乏一条清晰的、以实践为导向的学习路径。这本书对于那些想做理论研究的人或许是宝藏，但对于渴望通过学习乐理来提升演奏或创作能力的实践者来说，它提供的“地图”过于抽象，缺乏明确的“地标”。