扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书

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刘达章 编
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店铺: 思睿图书专营店
出版社: 人民音乐
ISBN:9787103017289
商品编码:29691270672
出版时间:1999-09-01

具体描述

基本信息

  • 商品名称:扬琴演奏艺术(技巧与练习)/哆唻咪快乐音乐教与学丛书
  • 作者:编者:刘达章
  • 定价:40
  • 出版社:人民音乐
  • ISBN号:9787103017289

其他参考信息(以实物为准)

  • 出版时间:1999-09-01
  • 印刷时间:2018-01-01
  • 版次:1
  • 印次:5
  • 开本:
  • 页数:0

弦韵律动:中国传统乐器演奏的精髓与探索 本书并非聚焦于扬琴的专项技艺,而是以更宏观的视角,深入探讨中国传统音乐在器乐演奏领域中蕴含的丰富内涵、理论基础及其在现代舞台上的传承与创新。 本书旨在为所有对中国民乐,特别是弓弦乐器、弹拨乐器乃至吹管乐器演奏艺术有深度兴趣的学习者、演奏家和研究者,提供一套系统而深入的理论框架与实践指导。 第一部分:传统器乐的“根”——理论与哲学 本部分着重于构建理解中国传统器乐演奏的哲学基础和美学标准。我们避开对单一乐器技巧的细致讲解,转而探讨那些跨越乐器界限的共性原则。 一、中国音乐美学:意境与气韵的表达 探讨中国传统音乐的核心审美追求——“意境”和“气韵”。不同于西方音乐强调的结构逻辑与情感的直接抒发,中国器乐更注重声音的内在张力、节奏的呼吸感以及乐曲所营造的氛围。书中详细分析了“虚实相生”、“抑扬顿挫”等概念如何指导演奏者对音色和力度的处理。例如,如何通过对“慢”的把握,体现出“气长”的意境,而非简单的时间延长。 二、调式结构与微律分析 本书详尽梳理了中国传统七声音阶、五声音阶的变体及其在不同地域音乐(如江南丝竹、北方吹打、戏曲音乐)中的应用差异。重点分析了“宫”、“商”、“角”、“徵”、“羽”五音的内在精神联系。我们引入了现代声学分析工具,来解读传统音律中那些微妙的、难以用西方十二平均律精确描述的“微律”现象,并讨论了演奏者在追求“准”的同时,如何保持“活”的生命力。 三、记谱法简史与演奏的二次创作 考察了工尺谱、减字谱等传统记谱法的发展历程及其局限性。核心讨论在于:传统记谱法更多是提供一个“框架”或“蓝图”,演奏者在实际操作中,必须依赖口传心授和个人经验进行大量的即兴发挥与艺术再创造。本章通过分析不同流派对同一古曲的不同处理方式,阐明演奏即是“二次创作”的本质。 第二部分:弓弦之思——器乐演奏的共通技巧体系 本部分将注意力投向以二胡、板胡、高胡等为代表的弓弦类乐器的共性技巧训练,但这并非是教授如何持弓,而是探讨“力度控制”与“音色塑形”的深层技术。 一、弓法:力量的传导与情感的阀门 探讨弓在不同速度、不同压力下对声音产生的物理效应。书中系统区分了“揉弦”的多种类型——生理性揉弦、心理性揉弦、装饰性揉弦——并分析了它们在表达如泣如诉、或慷慨激昂等不同情绪时的适用性。我们着重分析了“分弓”、“合弓”在乐句划分中的作用,强调弓法是构建音乐呼吸的关键。 二、指法与泛音的科学 分析左手按弦技术如何影响音准的稳定性与音色的纯净度。特别对中国弓弦乐器中常用的“吟猱”(揉弦)、“滑音”以及“泛音”的指位精确性进行了深入的力学分析。书中提供了一系列针对性练习,旨在提高演奏者对指尖触弦瞬间的细腻控制能力,确保声音在变化中保持清晰的轮廓。 三、合奏中的“对位”与“烘托” 在民族管弦乐队的语境下,弓弦乐器往往扮演着旋律主体或重要和声背景的角色。本章教授演奏者如何聆听其他声部,掌握何时应“融入”以形成整体张力,何时应“突出”以展现个人风采,避免“各自为政”的演奏弊病。 第三部分:指板上的对话——弹拨乐器的表现力挖掘 本部分聚焦于琵琶、古筝等弹拨乐器,侧重于指甲与弦的互动关系,以及节奏的弹性处理。 一、指甲的艺术:力度与音色的物理界面 详细阐述了传统与现代指甲形态对音色和技巧发挥的影响。重点分析了“扫”、“轮”、“轮指”等核心技巧中,如何通过调整指甲的角度和触弦的深度,实现从“刚劲”到“柔美”的音色跨越。这部分内容超越了基础的“扫弦”,深入到指甲边缘与弦的摩擦系数的探讨。 二、节奏的灵活性:自由律动与“板眼”的平衡 中国弹拨乐器演奏的精髓在于对速度的掌控,即“板眼”的内化。本书系统介绍了如何在外力(节拍器)的约束下,实现内部节奏的自由律动(如小快板中的“拖沓”与“催促”)。通过对传统曲目如《十面埋伏》、《汉宫秋月》的片段分析,展示了节奏弹性如何成为塑造戏剧冲突的有效手段。 三、拨弦与虚化:空间感的营造 探讨弹拨乐器在快速连贯演奏之后,如何通过轻微的“虚化”或“虚拨”来制造音乐的间隙,以适应中国音乐中对“留白”的偏爱。这是一种高级的技巧,旨在让听众感受到声音的延伸而非戛然而止。 第四部分:融入时代——传统器乐的创新与传播 最后一部分将目光投向现代语境下,传统器乐如何应对新的挑战,实现艺术上的生命延续。 一、改编与融合:跨文化对话的实践 分析传统器乐作品(如民歌、戏曲牌子)在改编为民族管弦乐曲时所面临的挑战,包括如何处理复调结构、如何引入和声概念而不破坏主体风格。书中列举了成功的器乐协奏曲案例,讨论了传统乐器在与西方管弦乐队合作时,如何保持自身音色和演奏体系的独立性。 二、数字化时代的演奏记录与传播 探讨高清录音技术和视频记录对演奏艺术标准的影响。演奏者如何利用现代技术手段反哺自身练习,如慢速回放分析自己的弓法细节或指法精确度。同时,也探讨了社交媒体时代,传统器乐如何以更亲近的方式面向年轻观众。 三、演奏者的自我修养与职业生涯规划 强调了对传统文化典籍、地方剧种的深入学习,是支撑演奏家艺术生命力的关键。本章提供了一个框架,指导演奏者如何在保持对传统的敬畏之心下,勇敢地探索个人的声音定位和艺术表达方向。 总结而言,本书是一部关于“演奏方法论”的探讨,它关注的是所有中国传统乐器演奏者共同面对的美学困境、技术挑战与时代使命,而非单一乐器的教学指南。

用户评价

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这本书简直是打开了我对音乐世界一扇全新的大门!我一直以为学习一门乐器需要枯燥的指法和生硬的理论,但这本书完全颠覆了我的认知。它没有那种高高在上的说教感,反而像一位经验丰富、充满热情的老师,手把手地引导你进入音乐的殿堂。书中的讲解深入浅出,特别是对于初学者来说,那些原本晦涩难懂的概念,经过作者的妙笔生花,变得清晰易懂。我最欣赏的是它对音乐情感的捕捉和表达的强调,而不仅仅是机械地演奏出音符。读完前几章,我仿佛能“听”到作者想要传达的那些细腻的情绪,这比单纯的技巧练习要有价值得多。它让我明白了,音乐的灵魂在于表达,而技巧只是实现这个目标的工具。这本书不仅仅是教你如何“弹”,更是在教你如何“听”和如何“感受”。我强烈推荐给所有对音乐有热情,但不确定如何开始的人。

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这本书的装帧和排版也值得称赞,看得出出版方在细节上是下了功夫的。纸张的质感很好,长时间阅读眼睛也不会感到疲劳,而且谱例的印刷清晰度极高,无论是复杂的倚音、颤音还是快速的轮指,都能看得一清二楚,这在演奏过程中至关重要,避免了因看不清谱子而产生的挫败感。此外,书中对一些传统技法的现代演绎也进行了探讨,这使得这本书既有深厚的底蕴,又不显得陈旧。它成功地架起了一座连接古典与现代的桥梁。对于那些希望将传统技艺融入当代作品演奏的乐手来说,这本书提供了一个非常成熟和富有洞察力的参考框架。它不是一味地复古,而是鼓励创新和个性化表达,这点非常符合当下音乐发展的趋势。

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作为一个已经有几年演奏经验的爱好者,我总觉得自己的演奏停滞不前,缺乏那种深入骨髓的“音乐味儿”。很多教材侧重于展示“能做到什么”,而这本书却花了大量篇幅探讨“为什么要这么做”。它讨论了演奏风格的历史沿革,分析了不同流派在处理同一段旋律时的细微差别。这对我来说太重要了,它让我开始跳出“我弹得对不对”的思维定式,转而思考“我弹得好不好听,有没有我的理解在里面”。书里对于音色控制的探讨尤其精彩,作者分享了一些非常私密的、经过多年沉淀才领悟到的“小窍门”,比如如何通过指尖的微妙变化来改变共鸣,这些细节是课堂上老师可能一笔带过,但却是区分“匠人”和“艺术家”的关键所在。读完这些章节,我感觉自己对乐器的理解提升到了一个新的哲学层面。

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坦白讲,我之前买过不少号称“权威”的教材,但读完后往往觉得索然无味,因为它们似乎只为那些已经达到某种水平的学习者准备的。这本书的伟大之处在于它的包容性。它对零基础的读者展现了清晰的路线图,而对于有一定基础的人,它又提供了足够深入的内容来挑战瓶颈。我特别喜欢它在章节末尾设置的“自我检测与反思”环节,它迫使你停下来,不是去检查音符是否按对,而是去审视自己的听觉和内心感受。这种引导性的提问方式,极大地促进了学习的主动性。可以说,这本书不仅仅是一本工具书,更像是一本伴随成长的伙伴,它教会我的不仅仅是演奏的技巧,更是如何持续地保持学习的热情和对音乐的敬畏之心。

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说实话,我购买这本书是抱着试试看的心态的,因为市面上的乐器教材汗牛充栋,真正能让人眼前一亮的凤毛麟角。但拿到这本书后,我立刻被它的编排方式所吸引。它不是那种把所有技巧堆砌在一起的“大杂烩”,而是非常有逻辑性地将演奏过程分解成了几个核心模块,每个模块都配有详尽的图解和练习曲目。尤其是关于节奏感的培养和双手协调性的训练部分,设计得非常巧妙,采用了递进式的难度设置,让人在不知不觉中就完成了难度上的飞跃。我记得有一次我卡在一个高难度乐句上很久都过不去,翻阅这本书后,作者提供的那个“拆分组合”的练习方法,简直是醍醐灌顶,一下子就找到了突破口。这种注重实操性、强调“学以致用”的编写风格,是很多理论书所不具备的,这本书更像是一本实战手册。

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