形象造型设计 9787568249768 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周硕珣，彭西银 著

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• 时尚
• 美学
• 设计
• 艺术
• 职业教育
• 技能提升
• 色彩搭配

店铺： 韵读图书专营店

出版社： 北京理工大学出版社

ISBN：9787568249768

商品编码：29798621102

包装：平装

出版时间：2018-01-01

图书基本信息
图书名称	形象造型设计	作者	周硕珣,彭西银
定价	68.00元	出版社	北京理工大学出版社
ISBN	9787568249768	出版日期	2018-01-01
字数		页码	107
版次	1	装帧	平装
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《形象造型设计》是服装和形象设汁专业的基础教材，以美学设计方法为依据，结合化妆、发型、服饰品搭配等专业知识，详细讲解了整体造型设计的方法及技巧。全书共包含四个学习情境，十一章内容，阐述了形象设计中化妆造型和服饰搭配的相关内容，以及人物整体形象统一的原则，在加强对学生专业能力与技巧培养的同时，强调教学内容的实操性，帮助个体实现塑造良好形象的目标。书中每个章节末尾都设置了能力训练题，指导学生很好地实践章节的知识点，促使学生逐步改变和进步。 　　《形象造型设计》可供高等院校服装设计和形象设计等相关专业师生使用，对渴望提升自我形象的广大爱美人士也有指导作用。

作者简介

目录

编辑推荐

文摘

序言

现代形象造型设计是彰显人类品质、体现人类自身社会价值与地位的一种行为方式。随着人类社会经济文化的发展及国际化政治文化交流的拓宽，形象在人际交往中的作用越来越重要。形象造型设计是非语言性的信息传递媒介，人们关注的形象已不再仅仅是一张脸，而是从发型、化妆、服饰到社交礼仪、气质风度的整体性修饰，人们希望通过外表的美化充分地展示自己的人格、社会地位、职业、文化水平、个性以及所承担的社会责任，创造一个属于自己的更有特色以及更的整体形象。 　　本书内容涵盖了个人形象设计、服饰形象设计的发展历程、服饰形象设计的建构与管理、日常服饰形象设计方法等基础理论知识；同时针对个人外在特征和个人气质性格倾向分析与个人风格评定，对职业服饰形象设计、休闲服饰形象设计、社交场合服饰形象设计、创意形象设计进行了风格划分及解读。 　　本书注重应用与实践环节的契合，具有很强的实用性和可操作性；由浅入深、由理论到实践，从体系、内容、观点到材料的选择，均以强调知识性、应用性和系统性为前提，力图有所创新。 　　本书由周硕珣、彭西银担任主编，由曾澄波、李四仙、邓超、周洪梅、石树勇担任副主编，其中周洪梅负责完成相关资料的整理校对工作。本书在编写过程中，参考了各高等院校服装设计专业老师提供的大量建议，在此，对提供相关理论依据的同人深表谢意。同时，本书的完成还得益于广州榕唏贸易有限公司李广芝和徐水良、广州汇弛服饰有限公司钟沅豪、广州田字格服饰有限公司毛乘胜的大力支持，吸取了他1门企业的设计经验，确保了教材内容与企业实际紧密结合，在此，对他们表示诚挚的感谢。 　　由于编写时间仓促，编者水平有限，书中难免存在疏漏及不足之处，敬请各位读者及广大同人批评指正。

《服饰美学与文化研究：从传统到前沿的时尚脉络》 内容概要： 本书深入探讨了服饰这一人类文明载体所蕴含的丰富美学价值与深厚文化意涵。全书以宏大的历史视野和精微的学术分析相结合，系统梳理了服饰风格的演变脉络，剖析了不同地域、不同时代社会结构、宗教信仰、意识形态如何物化于衣着之上。同时，本书前瞻性地关注了当代全球化背景下，技术革新、可持续发展理念以及身份政治对时尚产业和个人着装选择带来的深刻影响。 第一部分：服饰的物质文化与历史语境 本部分聚焦于服饰作为物质文化遗存的本质，探讨了纺织技术、染料应用以及服装形制如何受制于特定历史时期的生产力水平和气候条件。 第一章：材质的密码——纺织技术与社会等级的关联 本章追溯了从原始纤维采集到复杂机织技术的演进历程。详细分析了丝绸、麻、棉、毛等不同材质的获取难度、加工工艺，以及它们在不同社会阶层中的象征意义。例如，探讨了古代中国“黄袍加身”的色彩禁忌，以及欧洲中世纪羊毛和天鹅绒在贵族服饰中的地位，揭示了材质选择如何直接反映财富、权力与社会地位的划分。我们考察了手工艺人的精湛技艺如何通过服饰的肌理和垂感，构建出超越实用性的审美体验。 第二章：形制的变迁——廓形、剪裁与时代精神的对话 服饰的“形”是时代精神最直观的载体。本章通过对比不同历史时期的代表性廓形，如古希腊的褶皱袍服、中世纪的修身长袍、文艺复兴时期的紧身胸衣与裙撑，直至近现代的去结构化设计，阐释了社会规范、性别观念和身体美学标准的变迁。特别深入分析了工业革命后，制版技术和量产化对服装剪裁效率和风格普适性的影响，以及由此引发的对“标准人体”的重新定义。 第三章：地域的印记——民族服饰的符号学解读 本章超越了对异域服饰的猎奇式描述，着重于民族服饰内部的符号系统。通过对亚洲、非洲、美洲原住民等多元文化服饰的个案研究，解析了刺绣图案、佩饰组合、头饰样式所承载的氏族历史、祭祀功能、婚姻状态等非语言信息。强调了服饰在维护文化认同和区域界限方面的关键作用，以及其作为活态历史的传承价值。 第二部分：美学建构与媒介传播 本部分将视角转向服饰设计背后的美学原则、设计思维，以及时尚在现代社会中如何通过媒介被建构、传播和消费。 第四章：设计的核心——比例、和谐与创新原则 本章深入探讨了服饰美学的基本构成要素，包括色彩的心理学效应、图案的视觉引导力，以及“黄金分割”等古典美学原则在服装设计中的应用。详细分析了“功能性美学”与“装饰性美学”的辩证统一，考察了诸如巴洛克风格的繁复装饰性与极简主义（Minimalism）的结构纯粹性之间，设计师如何运用形式语言达成不同的审美目标。 第五章：T台之外——时尚产业的运作逻辑与媒介化 本章剖析了20世纪以来，时尚产业如何从少数精英的定制转向大众化的消费现象。重点研究了高级定制（Haute Couture）、成衣（Prêt-à-Porter）与快速时尚（Fast Fashion）的生态链条。同时，详细分析了时尚杂志、广告、电影乃至互联网自媒体对“潮流”的塑造过程，揭示了时尚传播中的权力结构与符号意义的生产机制。 第六章：身体的政治——性别、身份与反叛着装 服饰从未是中立的。本章集中探讨了服饰如何被用作表达政治立场、挑战社会规范的工具。分析了女性解放运动中对紧身胸衣的摒弃，朋克（Punk）文化对日常服装的解构与重组，以及中性着装（Androgyny）风潮对传统性别二元对立的模糊化尝试。着重探讨了“身份政治”语境下，特定亚文化群体如何通过服饰的“场域入侵”来争取可见性和话语权。 第三部分：面向未来的挑战与可持续设计 本部分将目光投向当代，探讨了全球化、技术进步与环境危机对服饰设计和消费模式带来的颠覆性变革。 第七章：科技赋能——智能材料与数字化的未来衣橱 本章考察了高科技在纺织品开发中的应用，如温控纤维、自清洁面料、可穿戴电子设备的集成。探讨了3D打印、虚拟试衣技术对传统供应链的冲击，以及数字时尚（Digital Fashion）和非同质化代币（NFT）在时尚资产化方面的潜力，预示着未来服装的形态与存在方式。 第八章：生态责任——可持续时尚与循环经济 面对日益严峻的环境问题，本章重点批判性地审视了快时尚模式带来的资源浪费和污染。系统阐述了循环设计（Circular Design）的原则，包括延长产品生命周期、零废弃剪裁、生物可降解材料的开发以及二手时尚市场的崛起。探讨了消费者伦理和企业社会责任在推动行业向更负责任的方向转型中的关键作用。 第九章：跨文化融合与设计伦理 在文化交流日益频繁的今天，设计中的“挪用”（Appropriation）与“欣赏”（Appreciation）之间的界限变得模糊。本章探讨了全球化背景下，设计师如何在尊重文化源头、避免刻板印象的前提下，进行有效的跨文化元素借鉴与创新。强调了设计伦理对知识产权保护、本土工匠技能传承的重要性，以及构建一个更加尊重多样性的时尚生态系统的必要性。 结语：未完成的叙事 本书的结论部分总结了服饰作为历史记录者、文化载体和审美表达工具的永恒价值，并强调了设计思维在解决未来社会复杂问题中的潜力，认为服饰的设计与实践，永远是一部持续书写、充满变数的“人类行为艺术史”。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我抱着一种审慎的态度开始翻阅的，因为近些年关于“快速出成品”的速成指南太多了，往往华而不实。但这本书在内容编排上的严谨性，很快打消了我的疑虑。它的知识体系结构非常完整，从最基础的观察和感知训练开始，逐步过渡到复杂的人物或产品造型构建，每一步都像是精心设计的阶梯，确保读者不会在某个环节“掉队”。我特别留意了其中关于材料特性与造型效果之间相互作用的章节，作者没有止步于描述材料的物理属性，而是深入探讨了光线与不同材质的互动关系，以及这种互动如何影响最终的视觉感知和用户体验。这种跨学科的视角，让原本单一的技术学习变得立体而丰富。而且，书中的案例分析非常具有说服力，它们并非空中楼阁般的完美作品，而是包含了尝试、修正和突破的过程，这对于我们这些正在摸索中的学习者来说，提供了极大的心理慰藉和实用的参考坐标——原来成功的设计往往是无数次细微调整的结果。

评分☆☆☆☆☆

我一直对如何将抽象的“美学概念”转化为具体可操作的“视觉语言”感到困惑，市面上很多教程要么过于理论化，要么就是纯粹的技法堆砌，缺乏一种贯穿始终的底层逻辑。这本书最吸引我的地方，恰恰在于它似乎搭建了一座坚实的桥梁，连接了理论的深邃与实践的落地。我尤其欣赏它在介绍基础元素——比如线条、色彩、结构——时的那种层层递进的讲解方式，不是简单地罗列规则，而是深入剖析了这些元素在不同造型情境下所蕴含的情感和功能。书中对于“风格化”的探讨，更是让我茅塞顿开。它没有给出一个标准化的模板，而是引导读者去理解不同文化背景和时代趋势如何塑造出独特的造型语汇，并鼓励我们在掌握传统的基础上进行创新和表达。这种培养独立思考和自我构建体系的能力，远比死记硬背几个所谓的“流行趋势”来得宝贵。阅读过程中，我经常会停下来思考作者提出的每一个观点，发现它真正触及到了造型设计领域的核心问题，即“为什么”要这么设计，而不仅仅是“怎么”这么做。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的著作给我的整体感觉是“信息密度极高，但阅读体验出奇地流畅”。作者的叙事风格非常沉稳，没有太多浮夸的辞藻，而是用精准、凝练的语言直击要害。尤其值得称赞的是，它在处理一些复杂的技术难点时，展现出一种罕见的耐心和清晰度。比如，关于空间关系和动态平衡的讲解，往往是造型设计中的难点，但书中通过一系列剖面图和分解图的结合使用，将抽象的几何关系可视化，使得原本晦涩难懂的概念变得异常直观。我感觉自己不是在被动地接受知识灌输，而是在与一位经验丰富的导师进行一对一的深入交流。这种交流感，很大程度上归功于书中大量的“设计师手札”或“思考路径”的穿插，它们像是作者在工作现场留下的思考痕迹，展示了决策背后的逻辑推理，而不是只呈现最终完美的结果。这种透明度，极大地提升了学习的效率和兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面色彩的运用大胆而富有层次感，那种光影的过渡处理得非常细腻，让人忍不住想立刻翻开看看里面究竟藏着怎样的乾坤。初上手的时候，就能感觉到纸张的质地非常考究，不是那种廉价的印刷品能比拟的，厚实而富有纹理，想必是为了更好地呈现书中的视觉内容而精心挑选的。内页的排版也透露出一种专业和严谨，版式布局清晰合理，即便是大量的图文并茂的内容，也丝毫没有显得拥挤或杂乱。特别是那些关键步骤的解析部分，图例的清晰度和细节的捕捉都达到了相当高的水准，即便是初学者，也能通过这些直观的图像迅速理解设计思路的脉络。整个阅读体验下来，感觉这本书不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心制作的艺术品，体现了出版方对设计领域应有的尊重与追求。这种对细节的执着，无疑为内容的深度和广度奠定了坚实的基础，让人对接下来学习到的具体造型技巧充满了期待。从初步的视觉感受来看，这本书在提升读者的审美层次和实际操作能力上，无疑是下足了功夫的。

评分☆☆☆☆☆

读完前三分之一的篇章后，我开始明显感觉到自己对周围事物的观察角度发生了微妙的转变。以往只是“看”，现在则开始“解析”——分析一个成功的造型是如何通过元素的疏密、主次的对比以及节奏的把握来引导观众视线的。这本书对“设计意图”的强调，是其超越一般教材的关键所在。它反复提醒读者，每一个造型的呈现都必须服务于一个明确的沟通目的或审美追求。书中对“符号学”在造型设计中的应用的探讨也十分精辟，阐释了某些特定的形状或线条是如何在不同文化中被约定俗成地解读，这对于进行面向全球化的设计工作至关重要。这种将造型艺术提升到文化符号层面的解读，无疑拓宽了我的认知边界，让我明白优秀的造型设计绝非简单的装饰，而是一种深刻的、无声的交流方式。这本书的价值在于，它不仅教会了“如何做”，更重要的是，它塑造了“如何思考”设计。