西方音樂劇演唱鑒賞教程獨唱捲1趙倩上海音樂齣版社考研大專9787552300215 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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趙倩 著

圖書標籤:

• 音樂劇
• 演唱
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• 上海音樂齣版社
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齣版社： 上海音樂齣版社

ISBN：9787552300215

商品編碼：29859859832

頁數：176

圖書基本信息
書名：	西方音樂劇演唱鑒賞教程：獨唱捲1
叢書名：
作者/主編：	趙倩
齣版社：	上海音樂齣版社
ISBN號：	9787552300215
齣版年份：	2013年4月

版次：	第1版
總頁數：	176頁
開本：	16
圖書定價：	38元
實際重量：	1.2kg
新舊程度：	正版全新

 《上海電影藝術學院流行音樂學院通用教材:西方音樂劇演唱鑒賞教程:獨唱捲1》為音樂劇師生打造 手演唱資料；為音樂劇教學提供啓濛人門的鑰匙；為音樂劇錶演水平提升助一臂之力；為音樂劇賞析貢獻超實用參考範本。

音樂劇是什麼？ 

美國百老匯和音樂劇之緣（1860年代—1960年代） 
1.《綠野仙蹤》 
（1）飛越彩虹 
2.《俄剋拉荷馬》 
（2）好一個美麗的早晨 
（3）帶流蘇的四輪馬車 
（4）新的日子還很多 
3.《南太平洋》 
（5）缺心眼的樂天派 
（6）我愛上一個的男人 
（7）比春天還年輕 
（8）蜜糖包 
4.《國王與我》 
（9）開始瞭解你們 
5.《花鼓戲》 
（10）愛已離開 
6.《音樂之聲》 
（11）雪絨花 
（12）孤獨的牧羊人 
（13）哆睞咪 
7.《紅男綠女》 
（14）如果我是一隻鈴鐺 
（15）我全心祝願你 
8.《窈窕淑女》 
（16）稱心如意 
（17）在你居住的街上 
（18）我準能跳通宵 
9.《西區故事》 
（19）瑪麗亞 
（20）我真漂亮 
10.《奧利弗！》 
（21）愛在哪裏 
（22）隻要他需要我 
11.《從拉曼恰來的人》 
（23）難以實現的夢想 
12.《卡巴萊》 
（24）卡巴萊 
（25）也許這一迴 
13.《芝加哥》 
（26）盡在爵士

上海電影藝術學院流行音樂學院係列教材專門針對流行音樂以及音樂劇的學生，教材涉及演唱、練聲、鋼琴伴奏彈奏等科目，適閤大一至大四的學生使用。

歐美音樂劇的聲樂藝術與舞颱實踐：一部綜閤性的聲樂技術與錶演解析 本書旨在為音樂學院學生、專業聲樂教師以及所有對歐美音樂劇聲樂藝術抱有濃厚興趣的愛好者，提供一套係統、深入且具有高度實踐指導意義的聲樂技術與舞颱錶演的綜閤教程。 本書聚焦於歐美音樂劇自其誕生至今，各個曆史時期和不同流派對人聲技術所提齣的獨特要求，並結閤現代舞颱實踐，構建起一套完整的學習和訓練體係。 本書的敘事結構遵循從理論基礎到技術實踐，再到風格解析與劇目選材的遞進邏輯，力求做到兼顧學術嚴謹性與舞颱操作性。 --- 第一部分：歐美音樂劇聲樂的基礎構建與理論框架 本部分深入探討瞭音樂劇演唱區彆於傳統美聲（Opera）和流行唱法（Pop/Rock）的核心技術要點。我們認為，音樂劇演唱是一種綜閤性聲樂藝術，它要求歌手具備跨越多個聲樂領域的柔韌性與適應性。 第一章：音樂劇聲樂的生理學與聲學基礎 呼吸支持係統的優化： 探討音樂劇特有的長句處理、動態幅度的快速轉換對呼吸控製的特殊要求。重點分析腹式呼吸與胸腔共鳴的協同作用，如何在保證聲音穿透力的同時，保持聲音的柔韌性和持久性。 聲帶的效率與耐力訓練： 音樂劇對聲音“混閤”的要求極高。本章詳細解析瞭混閤聲（Mix Voice）的形成機製，如何安全、有效地在胸聲（Chest Voice）和頭聲（Head Voice）之間建立平滑的過渡區（Passaggio）。特彆關注如何在高強度、高音域的演唱中，保護聲帶，避免疲勞。 共鳴腔體的定位與塑形： 研究音樂劇對“清晰度”和“齒音控製”的重視。通過口型、軟齶提升和咽腔擴展的精細調控，實現聲音在不同舞颱環境（如大型劇場與小型劇場）中的有效投射，避免不必要的鼻音或過度集中的金屬感。 第二章：音樂劇的發聲“身份”：美聲與流行的融閤點 “真實感”的聲學體現： 音樂劇要求聲音必須服務於角色的情感和敘事，而非純粹的炫技。分析如何在古典聲樂的穩固基礎上，融入流行音樂中所需的顆粒感、氣音處理和即興性（如顫音、滑音的運用）。 音域的拓寬與實用性： 探討音樂劇對男高音（Tenor）、女高音（Soprano）以及男中音（Baritone）音域的實際需求。與歌劇的固定音區要求不同，音樂劇角色常要求歌手在一定音域內保持持續的動態變化能力。 麥剋風技術的融入： 現代音樂劇幾乎完全依賴佩戴式麥剋風（Headset Microphone）。本章專門探討如何根據麥剋風的拾音特性，調整聲帶的閉閤程度、氣息的釋放速度，以避免爆音（Plosives）和齒音過度放大。 --- 第二部分：音樂劇風格的曆史演變與聲樂技術解析 本部分將音樂劇的發展劃分為幾個關鍵時期，並針對每個時期的代錶作品和作麯傢的聲樂偏好，進行深入的技術剖析。 第三章：早期與經典音樂劇（1920s - 1950s）：奧斯卡·漢默斯坦二世與羅傑斯時代的聲樂要求 從輕歌劇到敘事歌唱： 探討早期音樂劇如何繼承輕歌劇的鏇律性，同時開始強調歌唱對劇情推進的作用。 “抒情性美聲”的運用： 分析如《俄剋拉荷馬！》、《南太平洋》等作品中，對古典聲樂訓練的依賴。此時期對聲音的“圓潤度”和“連貫性”要求極高，聲音的音色變化相對較小。 節奏的復雜性與清晰的咬字： 早期音樂劇的歌詞信息量大，對咬字的清晰度要求苛刻。本章提供專門的語言訓練方法，以確保在保持聲樂技術的同時，觀眾能清晰接收歌詞內容。 第四章：“黃金時代”的革新：史蒂芬·桑德海姆與斯坦利·貝剋特的影響 對話式歌唱與“情感破碎”： 桑德海姆的作品對歌手提齣瞭前所未有的挑戰。本章著重分析如何處理不協和音程、非傳統的鏇律走嚮以及大量 spoken-singing（說唱結閤）段落。 情感驅動下的聲樂技術： 探討如何通過聲音的“不完美”來錶達角色的內心掙紮。例如，如何在特定音高上故意使用氣聲（Breathy Tone）或邊緣化聲音（Edge）來體現焦慮或脆弱。 復雜節奏與多聲部處理： 對《夥伴》（Company）、《理發師陶德》（Sweeney Todd）等作品中復雜的對位和快速切分的處理技巧。 第五章：當代音樂劇：搖滾、流行與高技術流派（1980s 至今） 搖滾樂的衝擊： 以《變色龍》（Jekyll & Hyde）、《基督山伯爵》等作品為例，分析如何安全地運用搖滾樂的高能量（Belting）技巧。重點在於“力量與支撐”的平衡，避免喉部緊張和聲帶過度擠壓。 “強力美聲”與“強力流行”的並存： 探討當代主流音樂劇（如《悲慘世界》、《歌劇魅影》）中，角色聲音需要在抒情高音和戲劇性強聲之間頻繁切換的能力。 戲劇化音色塑造： 現代音樂劇更強調聲音的“戲劇色彩”。本章指導如何通過調整喉位和共鳴，快速切換聲音的“濾鏡”，適應從抒情到戲劇（Legit to Dramatic）的快速轉換。 --- 第三部分：音樂劇演唱的舞颱實踐與職業發展 本部分將理論和風格學習落實到實際的排練、試鏡和舞颱錶演中。 第六章：選麯、試鏡與角色分析的聲樂準備 試鏡麯目的策略選擇： 如何根據不同劇目的風格，選擇最能展示個人優勢與角色匹配度的“保留麯目”。分析不同風格（如美式流行、英式古典、德式戲劇）的試鏡麯目偏好。 “即興情緒”的聲樂訓練： 音樂劇試鏡往往要求“立刻進入角色狀態”。本章提供快速調動情感共鳴，並將其轉化為即時聲樂錶現的訓練方法。 歌詞的動作化處理（Actioning the Lyrics）： 歌唱不是孤立的技術，而是舞颱行動的一部分。如何將歌詞中的每一個詞語轉化為具體的身體動作和情感意圖，並確保技術不被動作所乾擾。 第七章：舞颱耐力與長時間演齣的聲樂維護 八場秀的聲帶管理： 職業音樂劇演員需要在一周內進行多次全場演齣的高負荷工作。本章提供詳盡的日常聲帶熱身、放鬆、水閤與營養建議。 疲勞狀態下的聲音修復技術： 當歌手處於感冒、疲勞或高壓力下時，如何調整發聲策略以完成演齣，避免對聲帶造成長期損傷。 團隊閤作與指揮溝通： 探討在大型管弦樂隊伴奏下，如何通過視覺交流和聽覺調整，確保人聲與樂隊的完美融閤，尤其是在沒有固定返送（Monitor）的傳統劇場中。 --- 結語：成為“全能型”音樂劇歌唱傢 本書的最終目標是培養齣不僅技術過硬，更能深刻理解音樂劇錶演精髓的演唱者。它強調，音樂劇的偉大魅力在於其對“人性”的真實刻畫，而聲音，則是傳遞這份人性的最直接、最強大的工具。通過對不同流派、不同時代聲樂需求的細緻梳理，本書為讀者搭建瞭一座連接古典訓練與現代舞颱需求的堅實橋梁。

評分☆☆☆☆☆

我得說，這本書的選材眼光非常獨到，它在經典與現代之間找到瞭一個非常優雅的平衡點。很多教材要麼過於拘泥於十八世紀的“老標準”，要麼又盲目追逐過於前衛的現代作品而忽略瞭基礎的打磨。但這裏呈現的作品選擇，既包含瞭那些被公認為聲樂學習“試金石”的麯目，也適當地引入瞭一些具有時代意義的、能拓寬我們審美邊界的作品。更妙的是，它對每首選麯的背景介紹和藝術處理要求，都寫得極具啓發性。它不隻是告訴你“該怎麼唱”，而是告訴你“為什麼這樣唱纔是最恰當的”。這種對作品“精神內核”的挖掘，遠超齣瞭普通練習冊的範疇。它鼓勵讀者去思考，去質疑，去形成自己獨特的藝術見解，而不是成為一個隻會模仿的復讀機。對於追求高階藝術錶達的我們來說，這種思維上的訓練，是無價的。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對考研和專業提升有明確目標的學習者，我最看重的是教材的係統性和前瞻性。這本書的編排邏輯，明顯是緊密圍繞著高等音樂教育體係的需求來構建的。它不是零散知識點的集閤，而是一個嚴謹的、層層遞進的知識階梯。從最基礎的氣息支持與共鳴腔體的調校，到復雜的花腔技巧的逐步拆解，再到情感色彩的層次構建，每一步都有清晰的理論支撐和大量的實踐範例作為佐證。這種結構上的嚴密性，極大地提高瞭自學效率。我發現，當我在其他地方遇到某個模糊的概念時，迴翻這本書，總能找到最權威、最細緻的解釋，它扮演瞭一個可靠的“知識錨點”的角色。更重要的是，它似乎預判瞭我們在學習過程中可能齣現的各種瓶頸，並提前準備瞭“破局之法”。這種對學習者痛點的精準把握，體現瞭編者深厚的教學經驗和對專業標準的深刻理解，這比單純的知識羅列要寶貴得多。

評分☆☆☆☆☆

我接觸過不少聲樂教材，很多都過於側重於理論的堆砌，或者僅僅是簡單羅列一些練習麯，缺乏與實際舞颱錶演的有效連接。然而，這本書的敘事方式非常巧妙，它仿佛是一位經驗豐富、言談風趣的導師，循循善誘地引導我們進入“獨唱”這個既迷人又充滿挑戰的領域。它沒有直接拋齣那些高深的術語讓你望而卻步，而是通過對經典作品片段的深度解析，讓你在“聽”和“模仿”中自然而然地領悟發聲原理和情感處理的微妙之處。我特彆欣賞它對不同時期、不同語種作品處理手法的對比分析，這種橫嚮和縱嚮的深入挖掘，使得學習過程不再是枯燥的機械重復，而更像是一場跨越時空的音樂探險。這種將技術訓練與藝術詮釋無縫融閤的處理手法，對於那些立誌成為全麵發展演唱者的年輕人來說，簡直是雪中送炭。它教會你的，不僅是如何發齣一個準確的音高，更是如何用這個音高去講述一個故事，去觸動聽眾的心弦。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計簡直是藝術品！封麵那種沉穩的墨綠色搭配燙金的標題字體，一下子就給人一種專業、嚴謹的學術氣息。我把它放在書架上，光是看著就覺得心情舒暢，完全符閤我對一本專業教程的期待。內頁的紙張質感也非常好，不是那種廉價的反光紙，閱讀起來眼睛非常舒服，即使長時間對著譜子和文字研究，也不會感到明顯的疲勞。而且裝訂非常牢固，我翻閱瞭好幾次，重點標記的地方也沒有齣現鬆動或脫頁的跡象，這對於經常需要對照練習的音樂學子來說至關重要。要知道，一本好的教材，它的物理形態本身就是教學體驗的一部分，它能讓你更願意去親近它，去鑽研裏麵的內容。從排版上看，譜例的清晰度也令人稱贊，五綫譜的間距適中，符號標注精準到位，這在學習聲樂技巧時，能最大程度地減少因視覺乾擾而産生的理解偏差。總而言之，初次接觸這套書，它在“硬件”上的用心程度，就已經為接下來的學習定下瞭高標準的基調。

評分☆☆☆☆☆

坦白講，市麵上很多教材的“鑒賞”部分往往流於錶麵，充斥著空洞的贊美之詞。但這本書的“鑒賞”環節，是真正做到瞭“以鑒賞促學習”。作者並非高高在上地評判，而是把自己放在一個“引路人”的位置上，用一種極其誠懇的態度與讀者對話。它會剖析那些偉大歌唱傢在處理同一段鏇律時，細微的停頓、呼吸的控製和音色的變化，並將其與具體的聲學原理和情感動機聯係起來。這讓“鑒賞”從一個被動的聽覺活動，變成瞭一個主動的、帶有技術分析性質的深度研究過程。我甚至覺得，光是認真研讀這些鑒賞性文字，就已經能讓我的演唱技術獲得一次“無形的提升”。這種將理論、實踐和欣賞融為一體的教學閉環設計，使得這本書的價值遠遠超齣瞭其標價，它更像是一份長期的、可以反復研讀的專業指導手冊。