西方音乐剧演唱鉴赏教程独唱卷1赵倩上海音乐出版社考研大专9787552300215 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵倩 著

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• 赵倩
• 上海音乐出版社
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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552300215

商品编码：29859859832

页数：176

图书基本信息
书名：	西方音乐剧演唱鉴赏教程：独唱卷1
丛书名：
作者/主编：	赵倩
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787552300215
出版年份：	2013年4月

版次：	第1版
总页数：	176页
开本：	16
图书定价：	38元
实际重量：	1.2kg
新旧程度：	正版全新

 《上海电影艺术学院流行音乐学院通用教材:西方音乐剧演唱鉴赏教程:独唱卷1》为音乐剧师生打造 手演唱资料；为音乐剧教学提供启蒙人门的钥匙；为音乐剧表演水平提升助一臂之力；为音乐剧赏析贡献超实用参考范本。

音乐剧是什么？ 

美国百老汇和音乐剧之缘（1860年代—1960年代） 
1.《绿野仙踪》 
（1）飞越彩虹 
2.《俄克拉荷马》 
（2）好一个美丽的早晨 
（3）带流苏的四轮马车 
（4）新的日子还很多 
3.《南太平洋》 
（5）缺心眼的乐天派 
（6）我爱上一个的男人 
（7）比春天还年轻 
（8）蜜糖包 
4.《国王与我》 
（9）开始了解你们 
5.《花鼓戏》 
（10）爱已离开 
6.《音乐之声》 
（11）雪绒花 
（12）孤独的牧羊人 
（13）哆睐咪 
7.《红男绿女》 
（14）如果我是一只铃铛 
（15）我全心祝愿你 
8.《窈窕淑女》 
（16）称心如意 
（17）在你居住的街上 
（18）我准能跳通宵 
9.《西区故事》 
（19）玛丽亚 
（20）我真漂亮 
10.《奥利弗！》 
（21）爱在哪里 
（22）只要他需要我 
11.《从拉曼恰来的人》 
（23）难以实现的梦想 
12.《卡巴莱》 
（24）卡巴莱 
（25）也许这一回 
13.《芝加哥》 
（26）尽在爵士

上海电影艺术学院流行音乐学院系列教材专门针对流行音乐以及音乐剧的学生，教材涉及演唱、练声、钢琴伴奏弹奏等科目，适合大一至大四的学生使用。

欧美音乐剧的声乐艺术与舞台实践：一部综合性的声乐技术与表演解析 本书旨在为音乐学院学生、专业声乐教师以及所有对欧美音乐剧声乐艺术抱有浓厚兴趣的爱好者，提供一套系统、深入且具有高度实践指导意义的声乐技术与舞台表演的综合教程。 本书聚焦于欧美音乐剧自其诞生至今，各个历史时期和不同流派对人声技术所提出的独特要求，并结合现代舞台实践，构建起一套完整的学习和训练体系。 本书的叙事结构遵循从理论基础到技术实践，再到风格解析与剧目选材的递进逻辑，力求做到兼顾学术严谨性与舞台操作性。 --- 第一部分：欧美音乐剧声乐的基础构建与理论框架 本部分深入探讨了音乐剧演唱区别于传统美声（Opera）和流行唱法（Pop/Rock）的核心技术要点。我们认为，音乐剧演唱是一种综合性声乐艺术，它要求歌手具备跨越多个声乐领域的柔韧性与适应性。 第一章：音乐剧声乐的生理学与声学基础 呼吸支持系统的优化： 探讨音乐剧特有的长句处理、动态幅度的快速转换对呼吸控制的特殊要求。重点分析腹式呼吸与胸腔共鸣的协同作用，如何在保证声音穿透力的同时，保持声音的柔韧性和持久性。 声带的效率与耐力训练： 音乐剧对声音“混合”的要求极高。本章详细解析了混合声（Mix Voice）的形成机制，如何安全、有效地在胸声（Chest Voice）和头声（Head Voice）之间建立平滑的过渡区（Passaggio）。特别关注如何在高强度、高音域的演唱中，保护声带，避免疲劳。 共鸣腔体的定位与塑形： 研究音乐剧对“清晰度”和“齿音控制”的重视。通过口型、软腭提升和咽腔扩展的精细调控，实现声音在不同舞台环境（如大型剧场与小型剧场）中的有效投射，避免不必要的鼻音或过度集中的金属感。 第二章：音乐剧的发声“身份”：美声与流行的融合点 “真实感”的声学体现： 音乐剧要求声音必须服务于角色的情感和叙事，而非纯粹的炫技。分析如何在古典声乐的稳固基础上，融入流行音乐中所需的颗粒感、气音处理和即兴性（如颤音、滑音的运用）。 音域的拓宽与实用性： 探讨音乐剧对男高音（Tenor）、女高音（Soprano）以及男中音（Baritone）音域的实际需求。与歌剧的固定音区要求不同，音乐剧角色常要求歌手在一定音域内保持持续的动态变化能力。 麦克风技术的融入： 现代音乐剧几乎完全依赖佩戴式麦克风（Headset Microphone）。本章专门探讨如何根据麦克风的拾音特性，调整声带的闭合程度、气息的释放速度，以避免爆音（Plosives）和齿音过度放大。 --- 第二部分：音乐剧风格的历史演变与声乐技术解析 本部分将音乐剧的发展划分为几个关键时期，并针对每个时期的代表作品和作曲家的声乐偏好，进行深入的技术剖析。 第三章：早期与经典音乐剧（1920s - 1950s）：奥斯卡·汉默斯坦二世与罗杰斯时代的声乐要求 从轻歌剧到叙事歌唱： 探讨早期音乐剧如何继承轻歌剧的旋律性，同时开始强调歌唱对剧情推进的作用。 “抒情性美声”的运用： 分析如《俄克拉荷马！》、《南太平洋》等作品中，对古典声乐训练的依赖。此时期对声音的“圆润度”和“连贯性”要求极高，声音的音色变化相对较小。 节奏的复杂性与清晰的咬字： 早期音乐剧的歌词信息量大，对咬字的清晰度要求苛刻。本章提供专门的语言训练方法，以确保在保持声乐技术的同时，观众能清晰接收歌词内容。 第四章：“黄金时代”的革新：史蒂芬·桑德海姆与斯坦利·贝克特的影响 对话式歌唱与“情感破碎”： 桑德海姆的作品对歌手提出了前所未有的挑战。本章着重分析如何处理不协和音程、非传统的旋律走向以及大量 spoken-singing（说唱结合）段落。 情感驱动下的声乐技术： 探讨如何通过声音的“不完美”来表达角色的内心挣扎。例如，如何在特定音高上故意使用气声（Breathy Tone）或边缘化声音（Edge）来体现焦虑或脆弱。 复杂节奏与多声部处理： 对《伙伴》（Company）、《理发师陶德》（Sweeney Todd）等作品中复杂的对位和快速切分的处理技巧。 第五章：当代音乐剧：摇滚、流行与高技术流派（1980s 至今） 摇滚乐的冲击： 以《变色龙》（Jekyll & Hyde）、《基督山伯爵》等作品为例，分析如何安全地运用摇滚乐的高能量（Belting）技巧。重点在于“力量与支撑”的平衡，避免喉部紧张和声带过度挤压。 “强力美声”与“强力流行”的并存： 探讨当代主流音乐剧（如《悲惨世界》、《歌剧魅影》）中，角色声音需要在抒情高音和戏剧性强声之间频繁切换的能力。 戏剧化音色塑造： 现代音乐剧更强调声音的“戏剧色彩”。本章指导如何通过调整喉位和共鸣，快速切换声音的“滤镜”，适应从抒情到戏剧（Legit to Dramatic）的快速转换。 --- 第三部分：音乐剧演唱的舞台实践与职业发展 本部分将理论和风格学习落实到实际的排练、试镜和舞台表演中。 第六章：选曲、试镜与角色分析的声乐准备 试镜曲目的策略选择： 如何根据不同剧目的风格，选择最能展示个人优势与角色匹配度的“保留曲目”。分析不同风格（如美式流行、英式古典、德式戏剧）的试镜曲目偏好。 “即兴情绪”的声乐训练： 音乐剧试镜往往要求“立刻进入角色状态”。本章提供快速调动情感共鸣，并将其转化为即时声乐表现的训练方法。 歌词的动作化处理（Actioning the Lyrics）： 歌唱不是孤立的技术，而是舞台行动的一部分。如何将歌词中的每一个词语转化为具体的身体动作和情感意图，并确保技术不被动作所干扰。 第七章：舞台耐力与长时间演出的声乐维护 八场秀的声带管理： 职业音乐剧演员需要在一周内进行多次全场演出的高负荷工作。本章提供详尽的日常声带热身、放松、水合与营养建议。 疲劳状态下的声音修复技术： 当歌手处于感冒、疲劳或高压力下时，如何调整发声策略以完成演出，避免对声带造成长期损伤。 团队合作与指挥沟通： 探讨在大型管弦乐队伴奏下，如何通过视觉交流和听觉调整，确保人声与乐队的完美融合，尤其是在没有固定返送（Monitor）的传统剧场中。 --- 结语：成为“全能型”音乐剧歌唱家 本书的最终目标是培养出不仅技术过硬，更能深刻理解音乐剧表演精髓的演唱者。它强调，音乐剧的伟大魅力在于其对“人性”的真实刻画，而声音，则是传递这份人性的最直接、最强大的工具。通过对不同流派、不同时代声乐需求的细致梳理，本书为读者搭建了一座连接古典训练与现代舞台需求的坚实桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品！封面那种沉稳的墨绿色搭配烫金的标题字体，一下子就给人一种专业、严谨的学术气息。我把它放在书架上，光是看着就觉得心情舒畅，完全符合我对一本专业教程的期待。内页的纸张质感也非常好，不是那种廉价的反光纸，阅读起来眼睛非常舒服，即使长时间对着谱子和文字研究，也不会感到明显的疲劳。而且装订非常牢固，我翻阅了好几次，重点标记的地方也没有出现松动或脱页的迹象，这对于经常需要对照练习的音乐学子来说至关重要。要知道，一本好的教材，它的物理形态本身就是教学体验的一部分，它能让你更愿意去亲近它，去钻研里面的内容。从排版上看，谱例的清晰度也令人称赞，五线谱的间距适中，符号标注精准到位，这在学习声乐技巧时，能最大程度地减少因视觉干扰而产生的理解偏差。总而言之，初次接触这套书，它在“硬件”上的用心程度，就已经为接下来的学习定下了高标准的基调。

评分☆☆☆☆☆

我接触过不少声乐教材，很多都过于侧重于理论的堆砌，或者仅仅是简单罗列一些练习曲，缺乏与实际舞台表演的有效连接。然而，这本书的叙事方式非常巧妙，它仿佛是一位经验丰富、言谈风趣的导师，循循善诱地引导我们进入“独唱”这个既迷人又充满挑战的领域。它没有直接抛出那些高深的术语让你望而却步，而是通过对经典作品片段的深度解析，让你在“听”和“模仿”中自然而然地领悟发声原理和情感处理的微妙之处。我特别欣赏它对不同时期、不同语种作品处理手法的对比分析，这种横向和纵向的深入挖掘，使得学习过程不再是枯燥的机械重复，而更像是一场跨越时空的音乐探险。这种将技术训练与艺术诠释无缝融合的处理手法，对于那些立志成为全面发展演唱者的年轻人来说，简直是雪中送炭。它教会你的，不仅是如何发出一个准确的音高，更是如何用这个音高去讲述一个故事，去触动听众的心弦。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对考研和专业提升有明确目标的学习者，我最看重的是教材的系统性和前瞻性。这本书的编排逻辑，明显是紧密围绕着高等音乐教育体系的需求来构建的。它不是零散知识点的集合，而是一个严谨的、层层递进的知识阶梯。从最基础的气息支持与共鸣腔体的调校，到复杂的花腔技巧的逐步拆解，再到情感色彩的层次构建，每一步都有清晰的理论支撑和大量的实践范例作为佐证。这种结构上的严密性，极大地提高了自学效率。我发现，当我在其他地方遇到某个模糊的概念时，回翻这本书，总能找到最权威、最细致的解释，它扮演了一个可靠的“知识锚点”的角色。更重要的是，它似乎预判了我们在学习过程中可能出现的各种瓶颈，并提前准备了“破局之法”。这种对学习者痛点的精准把握，体现了编者深厚的教学经验和对专业标准的深刻理解，这比单纯的知识罗列要宝贵得多。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的选材眼光非常独到，它在经典与现代之间找到了一个非常优雅的平衡点。很多教材要么过于拘泥于十八世纪的“老标准”，要么又盲目追逐过于前卫的现代作品而忽略了基础的打磨。但这里呈现的作品选择，既包含了那些被公认为声乐学习“试金石”的曲目，也适当地引入了一些具有时代意义的、能拓宽我们审美边界的作品。更妙的是，它对每首选曲的背景介绍和艺术处理要求，都写得极具启发性。它不只是告诉你“该怎么唱”，而是告诉你“为什么这样唱才是最恰当的”。这种对作品“精神内核”的挖掘，远超出了普通练习册的范畴。它鼓励读者去思考，去质疑，去形成自己独特的艺术见解，而不是成为一个只会模仿的复读机。对于追求高阶艺术表达的我们来说，这种思维上的训练，是无价的。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，市面上很多教材的“鉴赏”部分往往流于表面，充斥着空洞的赞美之词。但这本书的“鉴赏”环节，是真正做到了“以鉴赏促学习”。作者并非高高在上地评判，而是把自己放在一个“引路人”的位置上，用一种极其诚恳的态度与读者对话。它会剖析那些伟大歌唱家在处理同一段旋律时，细微的停顿、呼吸的控制和音色的变化，并将其与具体的声学原理和情感动机联系起来。这让“鉴赏”从一个被动的听觉活动，变成了一个主动的、带有技术分析性质的深度研究过程。我甚至觉得，光是认真研读这些鉴赏性文字，就已经能让我的演唱技术获得一次“无形的提升”。这种将理论、实践和欣赏融为一体的教学闭环设计，使得这本书的价值远远超出了其标价，它更像是一份长期的、可以反复研读的专业指导手册。