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伏蝣 著

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• 伏蝣

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出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115482822

商品编码：30151658490

出版时间：2018-07-01

页数：200

书名：	未闻 古风水彩/岩彩手绘技法教程|8049329
图书定价：	98元
图书作者：	伏蝣
出版社：	人民邮电出版社
出版日期：	2018/7/1 0:00:00
ISBN号：	9787115482822
开本：	16开
页数：	200
版次：	1-1

内容简介

本书围绕古风插画这一主题，以水彩、工笔、岩彩三个画种为依托，诠释了中国古代传统祥瑞元素，如花木、古器、瑞兽、敦煌等的画法，可以给读者提供创作的灵感和活力。 此外，书中还包含三个画种的材料介绍、绘画灵感来源与心得体会，以及完整的过程示范图解。作者将自己学习插画三年来微末的心得体会集结成册，既是对自己这一阶段学习的总结，也希望能够给读者提供借鉴。 世间万物纷呈，绘画艰辛而有幸，愿我们秉性前行。

目录

1.1 古风水彩简析／057 1.2 灵感来源与构思／058 2.1 水彩纸／061 2.2 水彩颜料／062 2.3 画笔／062 2.4 关于裱纸／063 2.5 描线稿小工具／064 2.6 画型实例／069 2.7 经典构图方式／071 2.8 水彩色彩搭配／074 2.9 常用的水彩技法／075 3.1 墨／079 3.2 钛白、蛤粉白／079 3.3 国画颜料／082 3.4 古风水彩背景绘制方法／083 4.1 莲心鹿——巧用主题色与背景色的对比／091 4.2 古灯——掌握光感的层次和对比／094 4.3 飞天——控制墨的浓淡程度／099 4.4 海碗——熟悉传统用色／105 4.5 团扇——注意明暗对比／110 4.6 天女——如何画出白色的层次感／116 4.7 鲁山行——小的元素往往更点题／121 5.1 工笔概述／128 5.2 胶矾水及蛤粉的配制方法／129 5.3 常用且实用的工笔技法／132 6.1 霓凰——艳丽的色彩更提神／136 6.3 荷绘——熟练掌握矿物质颜料／139 6.3 鹭鸶——注意构图的趣味性／145 7.1 岩彩概述／150 7.2 岩彩画板画纸的处理／156 7.3 岩彩颜料及工具讲解／160 7.4 常用的岩彩技法／163 8.1 月光河——注意色彩的过渡／172 8.2 瑞兽——掌握撒金的方法／178 8.3 瑞兽-鹤／182 8.4 拈花-寻——控制好颜料的浓度／186 8.4 拈花-归——色彩搭配要和谐／191 8.5 拈花-逝／196

编辑推荐

微博、乐乎红人伏蝣经典作品。 16个作品详细绘制教程。 结合中国精美古器与祥瑞灵兽，糅合水彩、工笔、岩彩多种技法。 画型、裱纸、背景肌理制作手法、颜料介绍及制作等多重技法讲解剖析。

卷帙浩繁的东方意境：中国传统绘画的精髓与现代演绎 导言：穿越时空的笔墨之旅 本书旨在带领读者深入领略中国传统绘画的博大精深与独特魅力。我们不聚焦于某一特定画种的技法细节，而是将目光投向中国水墨艺术的宏观脉络、哲学内涵及其在当代语境下的传承与创新。通过对历代大家作品的剖析，以及对不同画科（山水、花鸟、人物）理论基础的系统梳理，我们期望构建一个全面而立体的中国画知识体系，为绘画爱好者、艺术史研究者以及所有对东方美学心存向往的读者提供一份厚重的参考指南。 --- 第一部分：中国画的哲学基石与审美范畴 第一章：天人合一的宇宙观——写意精神的溯源 中国传统绘画并非单纯的视觉再现，它根植于深厚的道家与儒家思想土壤。本章首先探讨“气韵生动”作为中国画的最高审美准则，是如何体现了古人“天人合一”的宇宙观。我们将追溯顾恺之的“传神论”与谢赫的“六法”，阐释从魏晋到唐宋，画家如何从摹古的技法训练转向对自然万物内在精神的捕捉。 气的流动与笔墨的生命力： 深入分析“笔墨”如何超越物质颜料的属性，成为承载生命力和宇宙律动的媒介。讨论“虚实相生”的辩证关系，理解“计白当黑”在营造空间感与意境上的关键作用。 文人画的崛起： 重点考察元代四大家——赵孟頫、黄公望、倪瓒、吴镇——如何确立了以“抒写胸臆”为核心的文人画体系，强调“士气”对画风的决定性影响。 第二章：色彩的哲学：石青、石绿与水墨的对话 中国画在色彩运用上独具匠心，尤其体现在对天然矿物颜料的运用上。本章将详述唐代“金碧山水”的辉煌与宋代“院体”的工整细致，并着重分析水墨（墨分五色）如何成为中国画的主流语言。 矿物颜料的象征意义： 研究石青、石绿、朱砂等颜料在不同历史时期的使用规范与文化寓意。例如，青绿山水如何体现宫廷的富丽堂皇与对盛世的歌颂。 墨色的千变万化： 剖析“焦、浓、重、淡、清”五色墨法，以及通过用水控制来实现的晕染效果。探讨如何仅用墨色即可表现出山川的厚重、云雾的飘渺以及时间的流逝感。 --- 第二部分：画科的独立体系与技法探讨 中国画分为山水、花鸟、人物三大画科，每一科都有其独特的观察角度和表现技法。 第三章：山水：经营丘壑，寄托情怀 山水画是中国画中最具哲学深度和表现力的门类。本章将系统梳理中国山水画的发展脉络。 南派与北派的差异： 对比李思训的青绿山水与荆浩、关仝的北方雄伟山水，以及董源、巨然“披麻皴”所代表的江南温润气象。 皴法与点苔的运用： 详细介绍如披麻皴、斧劈皴、荷叶皴、折带皴等经典皴法的形态特征及其适用的山石肌理。同时，探讨点苔在增强画面生命力和层次感中的重要作用。 章法布局的原则： 讲解“三远法”（高远、深远、平远）如何构建出不同视角的空间深度，以及如何通过留白处理来引导观者的视线，营造无限的想象空间。 第四章：花鸟：折枝写生与寓意象征 花鸟画是展现画家细腻观察力和对生命细微感受的画科。 “写生”与“写意”的平衡： 分析北宋院体的精微写实风格，如赵佶的工笔细致，如何与文人画家追求的“寓意”精神相结合。 梅兰竹菊的“四君子”精神： 深入解读这四种题材在中国文化中被赋予的独特人格象征，以及画家如何通过特殊的笔触（如“飞白”）和墨法来体现其气节。 草虫花卉的结构把握： 探讨如何通过对动植物结构比例的准确把握，即便采用写意手法，也能使画面具有内在的真实感。 第五章：人物：形神兼备的叙事艺术 人物画是历史题材、宗教题材和世俗生活描绘的载体，强调“形”与“神”的统一。 古人的服饰与比例学： 介绍唐代吴道子“吴带当风”的飘逸线条，以及宋代人物画中对日常生活场景的写实描绘。 线条的力度与情感表达： 重点剖析“十八描”等经典线条技法，如何通过中锋、侧锋、渴笔等变化，表现人物的年龄、身份和内心世界。 宗教造像的演变： 考察佛教艺术对人物画技法的影响，以及它在不同朝代（如敦煌壁画与宋代罗汉像）中的风格差异。 --- 第三部分：从古典到现代的转型与创新 第六章：近现代中国画的革新浪潮 晚清至民国时期，随着中西文化的激烈碰撞，中国画面临前所未有的挑战与机遇。 “师古人”与“师造化”的再平衡： 探讨以任伯年、吴昌硕为代表的海派画家如何将民间艺术的生动和西方写实的光影观念融入传统笔墨，开创了新的面貌。 岭南画派的地域特色： 分析陈树人、高剑父、高奇峰如何吸取日本画的晕染技法和西洋绘画的色彩理论，发展出富有现代气息的画风。 徐悲鸿的素描基础与国画改良： 讨论素描的结构训练如何被引入中国画体系，以期解决传统人物画在解剖学上的不足，实现“中西融合”的理想。 结语：笔墨的当代回响 本书最后将探讨当代中国画家在坚守传统精神内核的基础上，如何利用新的材料、新的视角，使中国画这一古老艺术形式在全球化的语境下持续焕发生机。 --- 本书特色 本书内容力求全面而深入，不偏向于某一特定画派或流派的技法演示，而是侧重于对中国传统绘画思想体系、美学观念、历史演变的宏观梳理和理论阐释。全书以清晰的结构和严谨的论述，为读者描绘出一幅完整的中国绘画发展长卷。书中引用的经典案例和理论分析，旨在启发读者建立起自己对东方美学的独立见解，而非仅仅停留在模仿技法的层面。这是一部关乎“如何看懂中国画”的深度读本。

评分☆☆☆☆☆

让我感到惊喜的是，这本书在材料的兼容性和替代性方面也提供了非常人性化的指导。我们都知道，专业的艺术材料价格不菲，尤其是一些进口的矿物颜料，对于初学者来说可能是一个不小的门槛。这本书非常体贴地为读者考虑到了这一点，它没有一味推崇昂贵材料，而是针对性地列举了在水彩和岩彩技法中，哪些环节可以使用更容易获得的国产或平价替代品，并且分析了替代品在最终效果上可能产生的细微差异。例如，在讲解某些特定矿石色粉的颗粒效果时，它会给出一些常用的石英粉或细沙作为辅助材料的混合建议。这种务实的态度，让读者在学习新技术的同时，不会因为预算问题而望而却步，极大地降低了入门的心理压力，真正做到了教学相长，实用至上。

评分☆☆☆☆☆

这本书的理论讲解部分处理得极为精妙，它没有采用那种枯燥的、流水账式的技术罗列，而是像一位耐心的老师在娓娓道来。我尤其欣赏它对“意境”的强调。很多教程只是教你怎么调色、怎么运笔，但这本书深入探讨了如何在水彩与岩彩这两种看似迥异的媒材中，捕捉和表达“古风”的神韵。比如，它会详细分析中国传统绘画中对“留白”的理解，并巧妙地将其融入水彩的湿画法中，教读者如何用最少的笔触营造出云雾缭绕的空灵感。而在岩彩的部分，它对于矿物颜料的特性、颗粒感以及与基底的结合方式，阐述得非常透彻，这对于新手来说是极其宝贵的。它不仅仅是教你“怎么做”，更重要的是让你理解“为什么这么做”，这种由内而外的构建知识体系的方式，让我觉得自己的绘画思路一下子开阔了很多，不再局限于临摹，开始尝试理解不同材料背后的哲学思想。

评分☆☆☆☆☆

从技法演示的步骤来看，作者显然是下了苦功的，无论是图示的清晰度还是文字的准确性，都达到了专业水准。很多教程的步骤图往往模糊不清，要么是光线不好，要么是视角刁钻，根本看不清笔尖的细微动作，但这本书在这方面做得非常到位。对于水彩晕染的过渡阶段，图片会采用高分辨率的特写镜头，精确地展示了水分与颜料在纸面上交融的临界点，让人一目了然。对于岩彩的堆叠和罩染，作者更是细致地标注了每一层的厚度和透明度变化，这些都是实操中极易出错但又至关重要的环节。而且，教程中选择的范例题材，都紧扣“古风”主题，无论是亭台楼阁的结构光影，还是人物服饰的飘逸质感，都处理得非常到位。看完一个章节，我感觉自己就像是站在作者身边，手把手地学习了整个创作过程，而不是对着一本晦涩难懂的说明书发呆。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是深得我心，从拿到手里那刻起，我就知道这不是一本简单的教程。封面选用的那种带有纹理的纸张，触感温润而厚实，与书名中“古风水彩/岩彩”的意境完美契合。色彩搭配上，没有那种流于表面的艳丽，而是选择了低饱和度的雅致色调，仿佛能从纸面上嗅到淡淡的墨香和矿物质颜料的气息。内页的纸张选择也十分考究，厚薄适中，既能很好地承托水彩的洇染效果，又不易洇透岩彩的厚重质感，这点对于实际操作非常重要。我特别欣赏他们对细节的打磨，比如书脊的装订方式，平摊性极佳，这在学习绘画时能让人彻底解放双手，不必费力按住书页，专心于笔尖的运行。而且，书中配的小插图和版式设计，都透露着一种东方古典韵味，即便不看内容，光是翻阅，也是一种视觉上的享受，让人心境平和，很适合在安静的午后，泡一杯茶，慢慢品读。这种对书籍本身的重视，已经超越了工具书的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体节奏感把握得恰到好处，它不是一股脑地把所有知识点砸向读者，而是采用了一种循序渐进的教学曲线。开篇从最基础的笔触练习和色彩调和入手，但即便是这些基础练习，也融入了古韵的审美要求。随着章节的深入，难度逐步攀升，从简单的静物到复杂的人物动态和场景构建，每一关的衔接都非常自然流畅，让人有种“水到渠成”的学习体验。最让我感到佩服的是，它在教授技法的同时，非常强调“自我探索”的环节。在每个主要的技法模块结束时，都会设置一个“拓展与变体”的小节，引导读者思考如何将所学知识应用到自己喜欢的题材上，鼓励打破既定的步骤，形成自己的风格。这种引导式的教学，真正体现了“授人以渔”的教育理念，而不是仅仅提供一个被标准化的学习模板。