具体描述
内容简介
这部《文玩品鉴》丛书的选题初衷，就是为了避开这种过于集中的有关鉴定知识的出版浪潮，从更为人性化、休闲化、实用化这几个方面人手，让收藏者在轻松、愉悦的阅读环境中，享受着鉴定知识带来的知识获取和占有的快感。如果真的是这样，这部《文玩品鉴》的策划、编辑就算大功告成；如果暂时尚未达到这样的技术要求，《文玩品鉴》的后续选题将会后来居上，争取在短的时间内，达到预期的出版目标。康熙、雍正、乾隆三朝生产的单色釉瓷器是中国古代单色釉瓷器水平发展的高峰，历来在文物鉴赏界享有盛誉，同时也是现今国际市场上的热门拍品。其工艺水平即使在今天仍令人叹为观止。《清代单色釉》对清代单色釉瓷器的工艺特点加以介绍和分析，理论系统严谨，藏品丰富精美，是不可多得的清代单色釉瓷器鉴定的宝书，为广大古陶瓷研究者和爱好者提供一个的观摩欣赏机会。
目录
概述康、雍、乾三朝单色釉
红釉系
青釉系
蓝釉系
黄釉系
白釉系
黑釉系
绿釉系
结晶釉系
窑变釉系
其他
日渐衰落的嘉庆——宣统单色釉
清代单色釉瓷的鉴定和辨伪
历年清代单色釉拍品图录
附：主要参考书目
精彩书摘
概述官窑、官窑制度与单色釉
清代单色釉瓷器绝大部分是宫窑器，要了解清代单色釉，必须要了解清代官窑和官窑制度。清代267年间，众多制瓷产地中唯以景德镇的地位至高无上，无与伦比。而在这267年里，又以康熙、雍正、乾隆三朝烧制的瓷器达到最高境界，并且还是整个中国瓷器发展史上的最高峰。而这三朝的单色釉瓷器，由于得到皇帝的高度重视，可以说是发展成了整个清代宫窑瓷中最精彩的一部分。因此，清代三朝单色釉官窑瓷器是本书将要重点介绍的。为了搞清楚清代三朝单色釉官窑器，我们必须先了解清代的官窑制度。
清代，1644年满人进关，建立了新的中央政府，基本上因袭了明代旧制。顺治朝开始在农民战争的废墟上再次点燃了景德镇的窑火。顺治五年至八年，建立了御器厂，开始时虽然继承了明代旧制，但只是明代嘉靖以后的制度，主要是官搭民烧，全由地方官督理烧制，并且厂署名称也沿袭明代旧称“御器厂”。
最迟乾隆八年，御窑开始启动，到光绪三十年停止，御窑瓷器的烧制，前后经历了160多年，而光绪三十三年又有一种新的形式的御窑出现（这是后话）。
在这里必须注意的是御窑和官窑是属于各自不同的两个概念：官窑，即官用瓷器，是为宫府用瓷而烧制的。御窑，是官窑的一种，只在明清两代才有，御窑产品仅供御用，御窑与官窑的最大不同就是强调御用性，强调皇帝的独占权，因此目有御窑起，就有一整套相应的生产和管理的制度用来确保御用瓷器的特殊地位和皇帝的尊严。
前言/序言
现在的收藏类图书市场，正处在一个汗牛充栋的时代、一个知识炒作的时代，同时，还是一个鱼龙纷繁、溷浊你我的时代。这部《文玩品鉴》丛书的选题初衷，就是为了避开这种过于集中的有关鉴定知识的出版浪潮，从更为人性化、休闲化、实用化这几个方面人手，让收藏者在轻松、愉悦的阅读环境中，享受着鉴定知识带来的知识获取和占有的快感。如果真的是这样，这部《文玩品鉴》的策划、编辑就算大功告成；如果暂时尚未达到这样的技术要求，《文玩品鉴》的后续选题将会后来居上，争取在最短的时间内，达到预期的出版目标。
收藏目的、收藏方法的不同，本身就导致了认识上的不同，可谓见仁见智。但总的来说，不外乎沿着两条轨迹平行发展：
一是投资类型的收藏。在这个范畴之内的收藏家，基本上都有着强大的经济实力作为资金支持，他们所展示的藏品，一般以热点艺术品为主，价位峰值在和者盖寡的区域之内。投资的目的一是追求利润的最大化，再是欣赏藏品外观所表达出的珍贵与豪华。
二是普通类型的收藏。这里涵盖的是一般意义上的收藏投资与收藏消费，前者的利润获取手段是低进高出，凭的是眼力；后者则力图通过对真品的收藏，发掘、发现中国古代文化的史外之史、趣外之趣，从而达到研究与欣赏的收藏目的。
用户评价
这本书《文玩品鉴：清代单色釉》就像一场穿越时空的色彩之旅，让我彻底爱上了那些纯粹而又富有生命力的釉色。我一直觉得，颜色是人类最直接的情感表达方式，而单色釉瓷器，就是用最纯粹的色彩来诉说历史和情感。书中对“粉青釉”的描绘，让我联想到了江南烟雨朦胧的山水画，那种温润、内敛的美，仿佛能够洗涤心灵。而对“霁蓝釉”的解读，则让我感受到了皇家气派和宇宙的深邃，那种深沉而宁静的蓝色，总能带来一种肃穆而庄重的感觉。我特别喜欢书中关于不同釉色在光线照射下所呈现的不同质感和光泽的细致描写，比如“郎红”在强光下会呈现出如玻璃般的光泽，而在弱光下则显得更加温润。这些细致入微的观察，让我这个平时不太在意细节的人，也开始学会去“用心”看瓷器。书中还提到了许多关于单色釉的诗词和典故，将那些冰冷的瓷器赋予了诗意和灵魂，让我觉得，每一件单色釉瓷器，都可能是一个故事，一段历史。读完这本书，我感觉自己对美的感知又提升了一个层次，也更加珍视这些承载着厚重历史和文化底蕴的艺术品。
评分《文玩品鉴：清代单色釉》这本书，给我最大的震撼并非它所介绍的瓷器价值连城，而是它背后所承载的、跨越几个世纪的匠心与审美。我一直对古代的工艺美术充满好奇，但总觉得那些精美的器物与现代生活有些疏离。这本书却成功地将我拉近了这些冰冷陶瓷的温度。书中对每一种单色釉的介绍，都像是在讲述一个关于“颜色”和“火焰”的传奇故事。比如，对“天蓝釉”的描述，不仅仅是“一种浅蓝色”，而是“雨过天青云舒卷，碧空如洗意悠然”般的诗意描绘，再辅以对烧造过程中气氛控制的严苛要求，让我瞬间理解了为什么它如此珍贵。我特别喜欢书中关于“豆青釉”和“龙泉窑青釉”的对比分析，虽然它们都是青色系，但豆青釉的温润内敛，龙泉窑的翠玉般莹润，各有千秋。作者通过对釉面质感、色调深浅、以及晶莹程度的细致对比，让我这个平时分不清细微差别的“色盲”也能有所领悟。此外，书中对器型与釉色的搭配也有独到的见解。比如，为何某些釉色更适合圆形器，而另一些则更适合瓶、尊等高挑的造型，这种“天人合一”的审美哲学，让我对这些古老的瓷器有了更深层次的理解。读完这本书，我不再只是看到一件瓷器，而是能感受到它在历史上经历的风云变幻，以及它承载的某种生活态度。
评分阅读《文玩品鉴：清代单色釉》这本书，给我最大的感受就是，原来一件看似简单的瓷器，背后竟然蕴藏着如此多的故事和学问。我之前对瓷器了解不多，只知道它们是古董，但具体价值和美在哪里，一直很模糊。这本书就像一位经验丰富的向导，带领我一步步走进清代单色釉的迷人世界。作者在介绍各种釉色时，不仅仅罗列出颜色和年代，更是深入挖掘了这些釉色背后的烧造工艺、时代背景，甚至与帝王、文人之间的渊源。比如，书中对“景德镇”作为单色釉烧造中心的地位，进行了详细的阐述，让我了解到那里曾经汇聚了多少顶尖的工匠和最先进的烧造技术。我尤其对书中关于“窑变釉”的介绍印象深刻，那种由高温和气氛变化带来的不可预测的色彩斑斓，既是技术的挑战，也是艺术的惊喜。书中还穿插了一些关于如何通过釉面的光泽、开片、以及器物本身的胎骨和造型来判断真伪和价值的实用性建议。这些内容，让我在欣赏美的同时，也学到了一些鉴赏的门道。总而言之，这本书让我对清代单色釉有了全新的认识，也激发了我对中国古代陶瓷艺术的浓厚兴趣。
评分要说我对《文玩品鉴：清代单色釉》这本书最大的感受，那就是它的“专业”与“接地气”完美结合。我平时阅读一些艺术类书籍，很多时候会觉得要么是枯燥的学术理论，要么就是流于表面的介绍，让人读了似懂非懂。但这本书不同，它似乎是为我这样的普通爱好者量身定做的。作者在讲解各种单色釉时，并没有用太多晦涩难懂的专业术语，而是将复杂的化学成分、烧造温度、气氛控制等，转化为易于理解的语言。比如，对于“祭红”和“郎红”的区分，书中不仅仅列出了它们各自的烧造年代和特点，还通过对釉层厚度、光泽变化、以及底部“灯草口”现象的细致描述，让我这个初学者也能大致掌握其中的窍门。更让我惊喜的是，书中还穿插了许多关于这些单色釉瓷器在历史上扮演的角色，以及它们在文人雅士间的流传故事。读到“康熙珐琅彩”的部分，我才了解到原来单色釉并非只是作为独立的瓷器存在，它更是作为珐琅彩、粉彩等复杂彩瓷的基底，其釉面的精良程度直接影响了最终彩绘作品的艺术效果。书中对这些“幕后英雄”的详细解读，极大地拓展了我的视野。我甚至开始尝试在家中模仿书中提到的某些观察方法，虽然只是用手机灯光对着家里的瓷器仔细看，但这种主动探索的过程，让阅读体验更加立体和生动。总而言之，这本书就像一位循循善诱的导师，引导我一步步走进清代单色釉的精彩世界，让我从一个旁观者，逐渐变成一个有心人。
评分《文玩品鉴：清代单色釉》这本书，让我真正领略到了“少即是多”的东方美学智慧。我之前总觉得，瓷器上的图案越复杂、色彩越丰富，就越显得华丽珍贵。但这本书让我颠覆了这种看法。作者通过对清代各种单色釉的深入解读，展现了单纯的色彩本身所能蕴含的无穷魅力。书中对“哥窑”的仿制，以及对“官窑”釉色的研究，都让我惊叹于古人对釉面质感的极致追求。那种温润如玉、开片自然的釉面，即使没有繁复的纹饰，也足以让人心生喜爱。我特别喜欢书中关于“梅子青”和“豆青”的对比，前者那种翠绿欲滴的色泽，仿佛能看到杨梅初熟时的清新；后者则更加含蓄内敛，如同雨后的山林，宁静而深远。作者在描述这些釉色时，常常会引用古人的诗句，将抽象的颜色变得鲜活而富有诗意。例如，形容“天蓝釉”时，可能会用“雨过天青云舒卷”这样的词句，让我瞬间就能感受到那种空灵之美。这本书让我意识到，单色釉的价值，不在于它的“多”，而在于它的“精”和“纯”。它教会我欣赏那种极简的、直击人心的美。
评分《文玩品鉴：清代单色釉》这本书，让我对“匠心”二字有了更深刻的理解。我一直觉得，现代社会已经很难看到那种精益求精、不计成本的工匠精神了。但是，在读了这本书之后，我才意识到，在几百年前的清代，正是无数像这样默默奉献的匠人，才创造出了那些令人惊叹的单色釉瓷器。书中对“豇豆红”的描述，让我为之动容。这种釉色，从浅淡的“米汤色”到娇艳的“美人醉”，再到深沉的“大红袍”，其色彩的变化极其微妙，需要极其精准的烧造条件才能达到。作者通过对当时烧造环境的描述，让我能够想象到那些工匠们在高温的窑炉旁，是如何日以继夜地观察、调整，才能烧出如此神品的。书中还介绍了“仿古釉”的烧造，例如对宋代名窑如汝窑、官窑、哥窑釉色的模仿，这本身就体现了一种对经典的敬畏和传承。然而，清代的匠人们并没有止步于模仿，他们还在继承的基础上，融入了自己时代的审美和技术，创造出了许多独具特色的单色釉。这本书让我明白，每一件精美的单色釉瓷器，都凝聚着无数匠人的智慧、汗水和对美的执着追求。
评分我必须说，《文玩品鉴：清代单色釉》这本书，彻底改变了我对“收藏”的固有认知。我之前总觉得收藏就是砸钱买个古董，然后等着它升值。但这本书让我明白，真正的品鉴，是一种眼力、一种知识、一种与历史对话的能力。书中对清代各个时期单色釉的演变，比如从康熙时期的炉钧釉创新，到雍正时期釉色纯净的极致追求，再到乾隆时期对仿古釉的探索，都进行了清晰的梳理。这种历史纵深感，让我认识到，单色釉的发展并非一成不变，而是不断在继承与创新中前进。我尤其被书中关于“仿古釉”的章节所吸引，了解到清代工匠们如何精妙地模仿宋代名窑的釉色，并在此基础上融入当时的时代特色，这本身就是一项了不起的成就。书中还提到了一些辨识釉色真伪的小技巧，比如通过观察釉面的自然老化痕迹，或者结合器物的底足、胎质进行综合判断，这些实用的信息，让我觉得这本书不仅仅是欣赏，更是学习如何“看懂”一件器物。我曾试着在网上搜索一些图片，对照书中描述的特征，虽然只能看到图片，但也能感受到那种细微的差别。这本书让我觉得，收藏的乐趣，很大一部分在于学习和探索的过程。
评分这本《文玩品鉴：清代单色釉》简直是打开了我对陶瓷世界的新认知大门！我原本对古董瓷器涉猎不深，只觉得它们是摆在博物馆里的“老物件”，价值几何、美在哪里，总觉得隔着一层纱。直到我翻开这本书，那些平日里可能只被我一扫而过的单色釉瓷器，突然间鲜活了起来。作者的文字就像一位经验丰富的老师傅，用极其细腻的笔触，一点点地剥开了这些瓷器深藏的秘密。书中对不同釉色，比如郎窑红那炽烈如火的鲜红，霁蓝那深邃如海的幽蓝，以及豇豆红那娇艳欲滴的粉红，都进行了详尽的描述。不仅仅是颜色的本身，更重要的是它背后蕴含的烧造工艺、时代背景、甚至帝王对色彩的偏好，都娓娓道来。我尤其对书中关于“铜红釉”的部分印象深刻，了解到要烧制出稳定的、纯粹的红釉是多么的艰难，稍有不慎就可能满盘皆输，化为“窑变”的斑斓或惨白的“脱釉”，那种对极致工艺的追求，让我肃然起敬。书中还通过大量的精美图片，让我得以近距离欣赏那些传世的珍品，从釉面的光泽、开片的纹理，到器型的线条、胎骨的质感，都提供了清晰的视觉参考。我曾带着这本书去古玩市场，虽然我仍然不敢轻易下手，但至少现在，我能更自信地观察和辨别一些器物，不再完全依赖于商家的说辞。这本书让我明白，文玩品鉴不仅仅是识别真伪，更是一种对历史、对工艺、对审美的深入理解和传承。它让我学会了“看门道”，而不仅仅是“看热闹”。
评分这本《文玩品鉴：清代单色釉》对我而言，不仅仅是一本书，更是一把解锁古董鉴赏乐趣的钥匙。我之前对古董品类涉猎不深，觉得那些器物都差不多，价值也难以捉摸。但是，这本书让我看到了单色釉瓷器独特而迷人的魅力。作者在介绍各种釉色时，不仅仅停留在颜色本身，更是挖掘了其背后深厚的文化内涵和历史渊源。比如，对“祭红”的解读，让我了解到它在皇家祭祀场合的重要地位，以及它所象征的祥瑞和尊贵。而对“粉青釉”的阐述，则让我感受到了那种素雅、内敛的东方美学。书中对不同釉色在不同时期、不同窑口的表现差异，也进行了细致的分析。比如，康熙时期的“炉钧釉”，那种流动变幻的斑斓色彩，与雍正时期追求极致纯净的“葱绿”或“茄皮紫”，形成了鲜明的对比。这种对比，让我看到了清代陶瓷工艺在继承传统的同时，也在不断地探索和创新。更让我惊喜的是，书中还引用了许多古代文献和诗词，将那些抽象的釉色描述得更加形象生动，让我仿佛能够“闻其声，见其色”。这本书让我明白，品鉴一件古董，需要的是眼力、知识，以及一颗对历史和艺术充满敬畏的心。
评分《文玩品鉴：清代单色釉》这本书，就像一位博学多才的长者，在慢悠悠地给我讲述那些关于瓷器色彩的千年故事。我一直觉得，单色釉的美，在于它的极致与纯粹。书中对几种代表性的单色釉，比如“一抹红”的绝美，进行了深入的剖析。我曾经在网上看到过一些关于“郎红”的图片，总觉得那种鲜亮的红色，在现代的釉料里很难见到。这本书告诉我，这背后不仅是颜色的神奇，更是烧造过程中温度、还原气氛的精准把控，以及对铜作为呈色剂的深刻理解。作者用非常生动的语言，描绘了工匠们在龙窑、馒头窑中，如何通过一次次反复的试验，才逐渐掌握了这些“火的艺术”。书中对“霁蓝”的描写也让我印象深刻，那种深邃、宁静的蓝色，仿佛能将人的思绪带入深远的空间。作者还提到了不同朝代霁蓝的细微差别，比如康熙时期那种宝蓝的浓郁，以及雍正时期那种纯净的湛蓝，这种精细的辨别，让我看到了古代工匠们对美的极致追求。读这本书，我感觉自己仿佛置身于那些古老的窑厂，亲眼见证着一件件精美绝伦的单色釉瓷器是如何诞生的。这种沉浸式的阅读体验，让我对这些“老物件”产生了深深的敬意。
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