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张维良 著

图书标签:

• 竹笛
• 笛子
• 中国传统音乐
• 民族乐器
• 音乐研究
• 艺术史
• 音乐教育
• 演奏技巧
• 音乐文化
• 乐器演奏

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103043110

版次：1

商品编码：10928114

品牌：人民音乐出版社（PEOPLE’S MUSIC PIBLISHING HOUSE）

包装：平装

丛书名： 中国音乐学院科研与教学系列丛书

开本：16开

出版时间：2011-11-01

用纸：胶版纸

页数：420

正文语种：中文

内容简介

《竹笛艺术研究》记录了张维良教授在为中国民族音乐教育体系建设过程中上下求索、忠诚实践的心路历程，体现了作者的文化自觉和自信，为今后民族器乐的研究与实践提供了诸多启迪。这部著作是笛乐领域里承先启后的历史性接力，也是我们推进中国民族音乐教育体系进程中目标明确的具体行动，必将为弘扬中国音乐文化做出应有贡献。民乐，或国乐、中乐、华乐，乃国人认识和把握世界的独特方式之一。有呵护则自信，有创新则自豪，有实践则发现，有为人类进步做出无可替代的贡献的理念则自觉。

目录

第一章 竹笛研究专题
第一节 迫切性与重要性
第二节 哲学思考
一、竹笛的哲学
二、竹笛的美学
三、方法论与竹笛
（一）经验与体验的统
（二）逻辑与历史的统
第三节 音乐学定位
一、传统音乐与竹笛
（一）竹笛的音乐形态学特征
（二）竹笛的风格流派
（三）在传承中创新
二、音乐教育学与竹笛
（一）1949年后竹笛教学的状况
（二）从教育学角度谈竹笛教学
三、音乐史学中的笛子
四、音乐考古中的笛子
（一）乐器
（二）图像
（三）总结
五、运动心理学与竹笛艺术
（一）运动心理学的性质及意义
（二）竹笛演奏技能训练启示
（三）运动心理学对竹笛演奏心理培养的启示
六、音乐声学与竹笛艺术
（一）发声原理
（二）音色
（三）音准
（四）音量
（五）声源
（六）频率
（七）律学
（八）音阶
（九）制作及改良
第四节 竹笛艺术与中国传统文化
一、中国传统思想对竹笛的影响
（一）道家
（二）儒家
（三）佛教
二、笛乐诗词与文献
（一）笛在文献
（二）笛在诗词

第二章 演奏技术的教与用
第一节 迫切性和重要性
第二节 竹笛教学法
一、讲解法
二、示范法
三、对话法
四、观摩法
第三节 竹笛教师素质
一、演奏水平
二、教学能力
三、教学态度
第四节 竹笛演奏训练
……
第三章 竹笛演奏技术在现代音乐中的运用
第四章 竹笛艺术流派研究
第五章 20世纪微乐发展代表人物
附录
参考文献
后记

精彩书摘

第四，竹笛艺术的曲式分析。早期，竹笛是民间用来合奏的乐器之一，其旋律根植于传统戏曲音乐中。每一乐种及其乐曲曲牌的形成，都是无数民间艺人集体智慧的结晶。昆曲和婺剧中，笛师就是创作旋律的主体之一（地方剧种中演员、琴师、笛师为创作和传承的主体）。笛师根据唱腔即兴伴奏昆曲，并用口传心授的方法传承笛乐，如《幽兰逢春》、《二凡》等。在戏曲、二人台音乐中，竹笛民间艺人用即兴加花、变奏等手法来为声腔伴奏，并将某曲牌的旋律改编为竹笛独奏曲，如：《五梆子》、《喜相逢》等，这种创作方式至今犹存。
从中国民间音乐传承角度看，竹笛乐曲的曲式结构历经三个过程。初期，吸收民间音乐的养分，其曲式结构多为一部、二部、并列、变奏等。“起”、“承”、“转”、“合”的结构运用较多，具有代表性的笛曲旋律有：《幽兰逢春》进板的四个小节乐句。此曲式结构的笛曲韵味十足，有着中国传统的人文思想灵气。“散一慢一中一快一散”结构和许多民间约定俗成的传统乐种结构也支撑着竹笛艺术创作领域。中期，西洋曲式“A-B-A”结构传人中国，竹笛创作乐曲的曲式结构发生了变化，众多笛曲开始运用三部曲式结构，并在主旋律前后分别添加引子和尾声，使竹笛音乐结构的完整性有了提升。中国民间的创作经验与西方的作曲技术理论在实践中不断磨合、碰撞，竹笛乐曲的创作开拓了一条中、西合并的作曲技术新路，即以传统民间音乐创作手法为根基，以西方浪漫作曲技法为手段。三部曲式的代表性笛曲有：《深秋叙》、《春潮》等。目前，很多竹笛乐曲的创作仍然延续“A-B-A”曲式结构。
20世纪下半叶至今，作曲家用协奏曲的曲式结构为中国竹笛艺术创作了很多大型协奏曲和现代民族室内乐作品。协奏曲有：《愁空山》、《梦幻星岛》、《鹰之恋》等；室内乐作品有：《韶》、《三笑》、《晚春》等。部分经典的竹笛协奏曲成为了竹笛艺术发展的里程碑，也暗示着中国竹笛艺术的创作道路将会走向更宽的领域。
第五，地域文化因素影响笛曲风格。中国竹笛的韵味独特，风格有多个流派之分，而影响这些乐曲风格的原因之一是地域因素。
……

前言/序言

音乐的边界与交响：一部探寻二十世纪西方实验音乐的深度剖析 书名：《破晓的音符：二十世纪西方实验音乐的思潮与实践》 内容简介： 本书是一部聚焦于二十世纪西方世界，特别是二战后至世纪末期，那股挑战传统音乐边界、探索声音本质与全新表达可能性的“实验音乐”（Avant-garde Music）的学术专著。它并非一部简单的音乐史编年，而是一次深刻的智识跋涉，旨在揭示驱动这些革命性音乐实践背后的哲学思辨、社会语境以及具体的技术革新。 第一部分：战后的废墟与声音的重生（1945-1960年代初） 这一部分深入剖析了二战后欧洲知识分子对传统美学体系崩溃的深刻反思，以及这种“废墟感”如何直接投射到音乐创作中。我们首先考察了“序列主义”（Total Serialism）的兴起，重点分析了皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）和卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）如何试图将十二音体系的逻辑推向极端，控制音乐的每一个维度——节奏、力度、音高乃至音色，从而建立一种“完全的组织性”。本书批判性地审视了这种极度严谨的结构是否导致了情感的疏离，并对比了法国“音色主义”（Timbre-based Composition）的代表人物亨利·杜蒂耶（Henri Dutilleux）和雅克·勒鲁瓦（Jacques Leroy）在坚持结构与拥抱瞬时听觉体验之间的张力。 紧接着，本书将焦点转向美国，探讨“偶然音乐”（Chance Music）的诞生。约翰·凯奇（John Cage）无疑是这一思潮的核心人物。我们不仅重述了《易经》对他的影响，更着重分析了他如何通过引入不可控因素（如风声、环境噪音、随机概率）来解构“作曲家意图”的中心地位。书中详细梳理了《4分33秒》的文本意义，将其置于美国禅宗哲学与后现代批判理论的语境下进行解读，探究其对“什么是音乐”这一根本性定义的颠覆。 第二部分：电子、空间与身体的拓展（1960-1970年代） 随着磁带技术与合成器的成熟，音乐创作进入了前所未有的物理层面。本部分聚焦于电子音乐的革命。我们详细考察了科隆电子音乐工作室和普林斯顿RCA电子音乐工作室的工作，分析了介于纯粹的正弦波与具象声音之间的张力。关键在于，本书不仅仅是技术手册的摘要，而是探讨了电子媒介如何改变了音乐的时间观——从线性的、发展的结构，转向循环的、弥散的或无限延伸的空间场域。 同时，本书深入研究了具象音乐（Musique Concrète）的后续发展，特别是路易吉·诺诺（Luigi Nono）如何将电子技术与尖锐的政治批判相结合，创作出充满张力的“声音宣言”。 更具突破性的是，本章专门开辟章节讨论空间音乐（Spatial Music）和身体政治。在这一时期，作曲家开始将观众与演奏者的物理位置视为作曲元素的一部分。我们分析了克日什托夫·潘德列茨基（Krzysztof Penderecki）的群体声响技术（Group Texture），以及作曲家如何利用剧场空间（如打破舞台与观众的界限）来实现音乐的“沉浸式”体验，挑战了传统音乐会的仪式性。 第三部分：极简、重复与认知的迷宫（1970-1990年代） 进入后序列主义时代，一部分作曲家开始对战后实验音乐的复杂性与精英主义倾向产生反思。本部分聚焦于极简主义（Minimalism）的兴起，分析了拉蒙特·扬（La Monte Young）、特里·莱利（Terry Riley）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）如何通过对节奏和音高过程的极度简化、重复与微小相位偏移，实现一种近乎催眠的、对时间感知的重塑。书中强调，极简主义并非简单地回归调性，而是通过过程的透明性来达到“沉浸式本体论”的体验。 本书的后半部分还探讨了对传统乐器“非传统演奏法”（Extended Techniques）的系统化。从格里戈里·夏尔斯（Gérard Grisey）对真实声音光谱（Spectral Analysis）的模拟，到乔治·克拉姆（George Crumb）对乐器内部或外部声音的挖掘，我们展示了如何通过对传统乐器进行“暴力”或“精细”的干预，拓展了音色词汇表。 结论：遗产与未竟的对话 本书最后总结了实验音乐在二十世纪末对流行音乐、电影配乐乃至数字艺术的深远影响，指出其核心贡献在于对听觉本身的再教育。它迫使听众从被动的接受者转变为主动的参与者，去倾听噪音的结构，去感受时间的流动，去质疑音乐的既定定义。本书旨在为读者提供一套坚实的理论框架，以便理解这些看似“怪异”或“晦涩”的作品，实则是人类对声音世界进行最彻底、最富挑战性的哲学实验的记录。 目标读者： 音乐学专业研究人员、作曲专业学生、当代艺术史爱好者，以及对西方现代思潮感兴趣的严肃读者。本书要求读者具备基本的音乐理论知识，但作者力求以清晰的论述和丰富的案例分析，使复杂的观念易于理解和消化。

评分☆☆☆☆☆

初次翻开这本《竹笛艺术研究》，我怀着对古老乐器的好奇和对传统文化的热爱。书页间弥漫着淡淡的纸张气息，仿佛带我穿越了时空，置身于悠扬的笛声之中。虽然我并非科班出身的音乐人，对竹笛的了解也仅限于日常听闻，但这本书的语言风格却异常亲切，作者并非一味地堆砌专业术语，而是用一种娓娓道来的方式，将竹笛的发展历程、制作工艺、演奏技巧以及在不同文化背景下的表现，都描绘得生动而具象。我尤其喜欢其中对不同流派笛曲的解读，那些关于“绿树村边合，青山郭外斜”的音乐意境，关于“姑苏行”的江南水乡韵味，都让我仿佛身临其境，感受到了中国传统音乐深沉而细腻的情感。书中对笛子材质的选择、竹材的处理、音孔的开设等技术细节的阐述，虽然我无法完全领会其精妙之处，但足以让我对这平凡的竹管有了全新的认识，明白每一支笛子都凝聚着匠人的心血和智慧。它让我看到了竹笛不仅仅是一件乐器，更是一种承载着历史、情感和美学的文化符号。

评分☆☆☆☆☆

我对《竹笛艺术研究》的阅读体验，堪称一次沉浸式的艺术之旅。书中收录的许多珍贵的历史图片和乐谱，为我打开了一扇窥视过去的窗户。我看到了不同时代笛子的样式变化，也看到了那些曾经在历史舞台上留下浓墨重彩的笛子大师们的风采。作者对这些史料的梳理和分析，严谨而清晰，让我对竹笛艺术的发展脉络有了宏观的把握。更令人称道的是，书中还穿插了一些对现代竹笛演奏家的访谈和分析，他们对传统技法的传承与创新，以及对音乐表现力的不懈追求，为我展示了竹笛艺术的鲜活现状。这让我明白，艺术的传承并非照搬历史，而是在深刻理解传统的基础上，注入新的生命力。我特别喜欢书中对“气息”的阐述，它不仅仅是物理上的气息，更是艺术家情感的载体，是传递思想和灵魂的桥梁。这种对细节的深入挖掘，让这本书具有了极高的学术价值和阅读趣味。

评分☆☆☆☆☆

《竹笛艺术研究》带给我的惊喜，远不止于它对竹笛本身工艺的细致梳理，更在于它将竹笛置于一个更广阔的艺术与哲学语境中进行审视。我一直认为，一件艺术品之所以能打动人心，不仅仅在于其形式上的完美，更在于它所蕴含的精神力量。这本书恰恰捕捉到了这一点。作者在探讨竹笛的“气韵”时，引用了大量古代文人的诗词和书画作品，巧妙地将听觉艺术与视觉艺术、文学意境融为一体，让我深刻理解了“天人合一”的东方哲学如何在音乐中得到体现。那种“虚实相生”、“意境悠远”的感受，通过作者的笔触，变得鲜活而可感。书中对不同时代音乐家对竹笛的理解与创新，以及竹笛在现代社会中的发展与挑战的论述，也让我看到了传统艺术的生命力。它并非一成不变的古董，而是可以与时俱进，焕发新生的。读完之后，我对竹笛的理解，已经从一种简单的乐器，升华为一种对中国传统文化深层意蕴的探索。

评分☆☆☆☆☆

一本好的书籍，能够潜移默化地改变读者的认知。《竹笛艺术研究》正是这样一本。在阅读之前，我可能更偏爱那些节奏感强、旋律起伏较大的西方音乐，但这本书却让我重新审视了中国传统音乐的独特魅力。作者对竹笛“音色”的细腻描绘，尤其是对那些微小的音色变化如何传达丰富情感的阐释，让我逐渐领略到了一种含蓄而深沉的美。我开始能够辨别出不同笛子发出的细微差别，也开始欣赏那些“润物细无声”的音乐表现。书中关于竹笛的“韵味”的探讨，将音乐上升到了哲学的高度，让我思考音乐与人生、与自然的内在联系。它让我明白，真正的艺术，是能够触及心灵最深处的。这本书就像一位博学的老师，耐心地引导我走进竹笛的世界，让我不再视其为遥不可及的高雅艺术，而是感受到了它与我们生活息息相关的亲切。

评分☆☆☆☆☆

《竹笛艺术研究》是一本让我“意犹未尽”的书。读完之后，我感觉自己对竹笛的认识，仿佛只是触及了冰山一角，但就是这冰山一角，也足以让我对这项古老的艺术产生深深的敬意。书中关于竹笛的“触感”与“听感”的描写，用词精炼而富有画面感，我仿佛能触摸到竹管的温润，听到那如泣如诉、时而激昂的笛声。作者对竹笛在民俗、戏曲、宗教等不同场合的应用场景的介绍，更是让我看到了竹笛强大的生命力和适应性。它不仅仅是文人雅士的案头之物，更是百姓生活中不可或缺的旋律。我对书中关于“即兴演奏”的探讨印象尤为深刻，它体现了中国传统音乐在自由与规范之间寻找平衡的智慧。这本书并没有给我一个“标准答案”，而是引导我独立思考，去感受竹笛艺术的多元与包容。它激发了我进一步探索的欲望，让我期待能听到更多动人的笛声。

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非常满意，五星

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真的很好！！！

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[BJTJ]，阅读了一下，写得很好，[NRJJ]，[QY]，[SZ]。

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非常满意，五星

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送给朋友的，感觉还好

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