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出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532286980

商品编码：1107908550

出版时间：2014-01-01

作  者:无 著作 章藻藻 等 编者 定  价:38 出 版 社:上海人民美术出版社 出版日期:2014年01月01日 页  数:102 装  帧:平装 ISBN:9787532286980 章藻藻、王晓辉编著的《玉石雕刻》是一本初级应用教材，基本包含了玉石雕刻的各个重要领域；以传统的玉器作坊工作习惯为主轴，导入了一些现代的技法和工具，并且还和现代首饰设计加工工艺结合，试图有所创新，为的就是要让想学习玉石雕刻的人能从理论具体而微到操作方法。 ●前言
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●概述
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● 古代治玉
● 古代琢玉过程
●第二节 各时期琢玉工艺特点
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●第二章 认识玉
● 玉雕常用材料
●第二节 玉雕材料购买渠道
●第三节 对初学者的建议
●第四节 玉石的初步处理
●第五节 玉石特性以及雕刻时注意的问题
●第六节 雕刻种类
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●第三章 了解工具
● 工具及设备
●第二节 操作姿势
●
●部分目录

内容简介

章藻藻、王晓辉编著的这本《玉石雕刻》包含了玉石雕刻的各个重要领域，以传统的玉器作坊工作习惯为主轴，导入了一些现代的技法和工具，并和现代首饰设计加工工艺结合，给广大珠宝首饰爱好者开通一扇通往玉石雕刻的大门。《玉石雕刻》是一本实用性、指导性强，源于传承又顺应时代发展潮流的琢玉教本。喜欢玉雕手工艺的爱好者和广大珠宝首饰设计的学生可以通过这本工具书，充分发挥个人动手能力以及设计创作能力，拓展大家在玉石雕刻方面的发展空间。

《古韵新声：宋代文人画的审美变迁与精神内涵》 一、 引言：时代的转折与艺术的萌芽 宋代，一个在中国历史上承上启下的关键时期，其文化成就之辉煌，尤以文人画的崛起为标志。这一时期的社会结构、思想思潮以及审美观念的深刻变化，为中国传统绘画注入了前所未有的精神深度与哲学意蕴。本书旨在深入剖析宋代文人画从萌芽、发展到成熟的整个历程，探讨其背后复杂的社会文化语境，并细致描摹那些开创性的艺术手法及其对后世的深远影响。 宋代，在经历了唐代的盛世气象之后，社会重心逐渐向士大夫阶层转移。随着科举制度的完善和理学思想的兴起，知识分子的社会地位空前提高。他们不再仅仅是朝廷的工具，而成为具有独立思考能力和文化担当的群体。这种身份的转变，直接催生了艺术观念的革新——绘画不再被视为匠人技艺的附庸，而成为士人抒发胸臆、寄托情志的“诗性”载体。文人画的诞生，本质上是一场艺术哲学层面的革命，它将“意”置于“形”之上，将“人格”的投射凌驾于纯粹的物象描摹之上。 本书将从宏观的历史背景入手，聚焦于宋代文人阶层在审美趣味上的微妙转向，以此为基点，层层递进地解析文人画从早期对传统笔墨的继承与反思，到中期对自然哲学的体悟，再到晚期对个体精神世界的深入挖掘。我们将回避对纯粹院体画的赘述，而是将焦点集中于那些以苏轼、米芾、李公麟等为代表的文人士大夫，是如何通过笔墨语言，构建起一个属于士人的精神乌托邦。 二、 思想的土壤：理学、禅宗与士人的自我建构 宋代文人画的勃兴，绝非孤立的艺术现象，而是与当时主流的思想文化思潮紧密交织的产物。 2.1 理学的内敛与“格物致知”的艺术实践： 程朱理学的兴盛，强调“存天理，灭人欲”，要求个体在对宇宙本源的追问中实现道德的完善。这种哲学观深刻地影响了文人的创作态度。他们不再满足于描绘事物的表面光鲜，而是追求“理”在物象中的体现。对山水、花鸟的描绘，成为了“格物致知”在艺术领域的一种特殊表现形式。例如，通过对树木虬曲姿态的把握，来体悟生命的韧性与宇宙的法则。这种对内在“理”的探求，使得文人画的意境更加深远、境界更加高古。 2.2 禅宗的空寂与“不着一笔”的境界： 自唐代以来，禅宗思想在士大夫阶层中广为流传，其强调“直指人心，见性成佛”的观念，与文人画的“尚意”不谋而合。禅宗带来的“空”与“寂”的美学，鼓励艺术家在绘画中去除繁缛的细节，追求简洁、概括的笔墨语言。米芾“墨戏”中那种泼洒淋漓、不拘泥于物象形似的表现，正是这种禅宗空寂美学在视觉上的直接投射。通过留白和墨色的浓淡变化，营造出一种静谧而又充满生命力的哲学空间。 2.3 政治失意的“避世情怀”与精神寄托： 宋代士大夫频繁遭受政治倾轧，屡遭贬谪。这种长期的政治挫折，使得他们将对建功立业的热情转向了对精神自由的追求。山水和竹石，成为了他们逃避尘嚣、寄托高洁情操的理想载体。竹子“虚心有节”的品格，松树“岁寒不凋”的坚韧，都成为了士人自我身份认同的象征符号。绘画不再是功名路上的点缀，而是个体精神自洽的堡垒。 三、 笔墨的革命：从“描摹”到“写意”的范式转移 文人画的核心，在于其独特的技术语言——“写意”。本书将详尽梳理这一语言的形成过程及其技法特征。 3.1 苏轼的理论奠基与水墨的解放： 苏轼是文人画理论的集大成者。他提出了著名的“论画以形似，见与鄙人；论画以神似，见与诗人”的论断，彻底确立了意在形先的审美标准。在实践层面，他提倡绘画应借鉴书法用笔，使笔墨本身具有独立的审美价值。他将书法中的皴法、点法引入绘画，使得线条不再仅仅是勾勒轮廓的工具，而成为表达情感和精神力量的媒介。这种对笔墨自身的强调，是水墨画脱离工匠规范的关键一步。 3.2 米芾的“墨戏”与率性自然的探索： 米芾对水墨的实验性运用达到了一个高峰。他追求“不求形似而自得神似”的境界，尤其是在山水画中，他大胆使用大片的湿墨，营造出云雾缭绕、变幻莫测的自然景象。他的“刷墨法”和“点苔法”，摆脱了传统勾勒渲染的束缚，体现出极大的自由度。这种看似漫不经心、实则精心布局的笔墨，反映了文人对于超越既有规范的艺术探索的渴望。 3.3 李公麟的白描与线性的精神张力： 与追求墨色变化的米芾不同，李公麟则将文人画的“意”注入到最简洁的白描线条之中。他的线条遒劲、流畅而富有弹性，能够精准地捕捉对象的内在气质。无论是人物、鞍马还是山水，李公麟的白描都展现出极高的造型能力和极强的精神内敛性。这种对线条的纯粹化运用，为后来的元代文人画在笔法上的精进提供了重要的技术参照。 四、 题材的转译：山水、花鸟与士人的审美选择 文人画的题材选择并非偶然，每一种选择背后都隐藏着士人对特定精神境界的追求。 4.1 山水：胸中丘壑与宇宙意识的构建： 宋代山水画在文人手中，从唐代的雄奇壮丽转向了对“可游、可居”的理想化描绘。文人山水不再是客观风景的记录，而是“胸中丘壑”的外化。他们通过对特定构图（如高远、深远、平远）的运用，引导观者进入一个既写实又充满哲思的艺术空间，达到“人在画中游”的精神体验。 4.2 花鸟：象征意义的深化与生命哲学的寓言： 与院体画对花鸟形态逼真度的追求不同，文人花鸟更加侧重于象征意义的表达。例如，梅花的傲骨、兰花的幽香、竹子的虚心，这些主题在文人笔下被赋予了强烈的道德寓意。这些题材的描绘，成为文人以“物言志”、进行自我品格塑造的媒介。 五、 结语：未竟的遗产与后世的回响 宋代文人画的成就，不仅在于它在技术层面确立了“写意”的主导地位，更在于它从根本上改变了中国绘画的价值取向——将艺术创作提升到了精神修养和哲学思考的高度。它成功地构建了一种区别于宫廷审美和民间审美的，属于士大夫阶层的精英文化体系。这种体系强调个体的自主性、精神的纯粹性以及笔墨语言的独立性，为后世元、明、清的文人艺术发展奠定了不可动摇的理论基础和实践范式。本书的最终目的，是使读者能够超越单纯的视觉欣赏，深入体会宋代文人以画笔构建的那个充满理想主义光辉的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，我是在一个非常喧嚣的环境中开始阅读这本书的，但奇妙的是，只要我翻开它，周围的噪音似乎就自动被屏蔽了。这大概是因为作者的文字本身就带着一种内在的秩序感和节奏感。他的行文风格是极其克制和内敛的，没有夸张的形容词，但每一个用词都精准到位，像一把经过千锤百炼的刻刀，干净利落地切入主题，不带一丝多余的笔墨。这种文字风格和书籍所探讨的主题——那种对“静”和“恒久”的追求——形成了完美的共振。我特别喜欢书中穿插的那些关于古代雕刻家的小故事或轶事，这些小片段不仅提供了历史背景，更重要的是，它们揭示了不同时代背景下，人们对艺术和永恒的理解是如何塑造了他们的创作。这些故事不是简单的插科打诨，而是作为对核心技术理念的哲学支撑，使得整本书的厚度远远超越了一本技术手册的范畴，它提供了一种深入思考的“文本肌理”。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，好的工艺书籍，其价值不仅仅在于记录技术，更在于传承一种精神气质。这本书在这点上做得极为出色，它让我深刻体会到传统手工艺背后那种近乎苛刻的耐心和对完美的执着。书中对工具的描述部分，简直像是一份精细的“工具谱系图”，从最基础的砣具到那些极为细微的修饰工具，每一样都有其特定的使用场景和操作的微妙之处。我尤其对其中关于“转折与过渡”的论述印象深刻。作者没有简单地说“要打磨圆润”，而是详细阐述了在不同硬度和纹理的玉石上，如何通过控制力度、角度和速度，实现那种“不着痕迹”的过渡，那种让光线可以柔和地滑过表面的质感，这需要多么长的时间和多少次的失败积累啊！这种对细节的极致追求，让我联想到现代社会中一切追求快速和量产的反面。阅读过程中，我甚至能想象出作者握着工具时的那种专注，那种手、眼、心合一的状态，这不仅仅是技术层面的教学，更是一种对匠人品格的无声塑造，让人在不知不觉中，对自己日常工作中的那种“差不多就行”的态度产生了深深的反思。

评分☆☆☆☆☆

这本书，说实话，我完全是抱着一种“试试看”的心态拿起来的，毕竟我对这方面的信息涉猎不多，很多时候关于传统手工艺的书籍都显得过于学术化或者过于侧重于商业推广，让人望而却步。然而，这本书却出乎我的意料。它没有一上来就堆砌那些晦涩难懂的专业术语，反而是从一种非常生活化的角度切入，仿佛是一位经验丰富的老匠人，坐在你面前，慢慢悠悠地跟你聊起他这些年的心得体会。我特别欣赏它对材料特性的那种细腻观察，比如不同玉石的“性情”——有的温润如脂，有的则带着一种清冷坚韧的脾气，作者没有简单地罗列它们的化学成分，而是用一种近乎诗意的语言去描绘它们如何回应雕刻刀的触碰，这种描述极大地激发了我对材质本身的敬畏之心。更难得的是，书中对“意境”的探讨，它不仅仅是教你如何把石头变成一个具体的形象，更重要的是如何让这个形象融入一种文化和精神的内涵。读完第一部分，我就感觉自己仿佛被拉入了一个古老而宁静的空间，那里只有工具的细微摩擦声和石料温润的光泽，这种沉浸式的阅读体验，让我对“手艺”这个概念有了全新的理解，它不再仅仅是技巧的堆砌，而是一种与自然、与材料进行深度对话的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构编排，简直是教科书级别的范本，逻辑流畅得令人称奇，完全没有那种散乱、拼凑的感觉。它似乎是沿着一位学徒的成长路径来布局的。初期的章节，重点放在了基础的识料和工具的维护上，仿佛是让你先站稳脚跟；中期则开始引入“破形”——也就是如何将原材料的潜在形态解放出来的过程，这里涉及到对设计稿与实际石料之间差异的动态处理，非常实用。最让我感到惊喜的是后面关于“局部处理与收尾”的部分。很多同类书籍往往在主体成型后就戛然而止，但这本书却花费了大量的篇幅去讨论那些决定作品“生死”的关键步骤：比如如何利用石材本身的色彩变化来增强主题的层次感，如何处理细节部位的锐利度以避免产生“塑料感”。作者的叙述方式非常严谨，常常会用“如果遇到A情况，则采用B手法；但若材料是C属性，则需调整为D侧重”，这种多变量的分析框架，使得即便是初学者也能理解其中的复杂权衡，避免了僵硬的教条，真正做到了因材施艺的精髓。

评分☆☆☆☆☆

这本书真正打动我的地方，在于它对“留白”和“取舍”哲学的深刻阐述，这简直是洞悉一切艺术创作的通理。在雕刻领域，如何“不刻”与如何“刻”同样重要。书中用大量的篇幅解释了在构思阶段，如何根据石料的天然纹理走向和颜色分布来决定哪些部分应该被保留、被凸显，哪些部分应该被巧妙地隐去或顺应。作者强调，最好的作品，往往是人与自然共同完成的作品，雕刻师的功力体现在能否准确地“读懂”石头想要表达什么，而不是强行将自己的意志灌输进去。这种“顺势而为”的思想，贯穿于从选料到最后抛光的全过程。这不仅仅是关于雕刻的知识，它更像是一本关于如何与世界建立和谐关系的人生指南。它教导我，面对复杂的问题时，有时候最有效的方法不是硬碰硬地解决所有细节，而是找到那个核心的“韵律点”，然后让其他元素自然地围绕它展开，这种智慧让我受益匪浅，远超出了我最初对一本工艺书的期待。

评分☆☆☆☆☆

本来想看完再评的，实在是没空看。实物质量好。

评分☆☆☆☆☆

满意满意满意满意满意

评分☆☆☆☆☆

特别好用的教材书，商家服务很周到贴心，从里到外都很完美，很好的一次购物

评分☆☆☆☆☆

还行吧！还行吧！还行吧！

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好!

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书中介绍挺详细，特别感谢配送员周到的服务，

评分☆☆☆☆☆

挺好的！！！！

评分☆☆☆☆☆

很满意的一次购物！

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