梦想家·图文馆：电影通史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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菲利普·肯普（Philip Kemp） 著，王扬 译

图书标签:

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• 科普

出版社： 中央编译出版社

ISBN：9787511716996

版次：1

商品编码：11301468

包装：精装

开本：16开

出版时间：2013-08-01

用纸：胶版纸

页数：576

正文语种：中文

内容简介

　　电影改变了世界，从技术允许的第一天开始，人们就从古老的艺术形式中汲取养分，开创了电影这个新的艺术门类。记录周遭的世界、自身的情感、经历、创造和日常生活的愿望如同呼吸般自然，而这一愿望的产物又随时间、地点及社会和文化环境的不同而千差万别。是什么推动了早期电影的诞生？电影院具有怎样的建筑学和社会学意义？为什么一些电影得以成为经典？是什么让一位导演、编剧或演员成为不朽的明星？
　　《梦想家·图文馆：电影通史》近距离展现了世界影坛的重要时期、流派和作品，并以电影的高速发展反观社会和文化的演变。它按照年代顺序追溯了电影的演化，从早期的电影放映技术到多银幕影城的出现，直至当今尖端科技。图文并茂的文章深入全面地阐述了每一种电影类型，从早出现的默片到史诗票房大片和21世纪出现的电脑动画与视觉特效。翔实的历史年表让读者对电影史上的重大事件一目了然。
　　《梦想家·图文馆：电影通史》详尽分析了各个时期的代表作，从机位、布光、动画、表演风格及社会文化影响的角度对知名大片进行了让人耳目一新的解读，揭示出明星的闪光点和影片成功的秘诀，以及潜力的剧本折戟票房战场的原因。

作者简介

　　菲利普·肯普（Philip Kemp），影评人、电影史学家，《视与听》、《完全电影》和《DVD评论》等杂志撰稿人。在莱切斯特大学和密德萨斯大学教授影视新闻学，著有《致命的天真：亚历山大·麦肯德里克电影作品》及介绍萨蒂亚吉特·雷伊的《阿普三部曲》的著作。
　　
　　王扬，男，坐标麻州。信息安全专业出身，不务正业的工程师，电影爱好者。喜欢伍迪?艾伦、黑色电影和2000年前后流行的美国loser片。习惯用《七宗罪》、《提喻纽约》、《十二怒汉》、《费城故事》作背景音乐。翻译过一些罗杰·伊伯特的影评、美国独立游戏与地下漫画相关的文章。最大的梦想是和查理·考夫曼电影的女主角纠缠一生。

精彩书评

　　这本书对纷繁悠久的电影传奇进行了精彩的介绍，优美的行文、深入浅出的评论和清晰的版块设计贯穿始终。
　　——《帝国》（Empire）
　　
　　明星多过天上繁星，导演更是无可计数，此外本书还包含了实用的术语解释和电影年表。
　　——《苏格兰人报》（The Scotsman）
　　
　　丰富的内容、犀利的观点、翔实的资料和精美的插图——对影迷来说，这是一份完美的礼物。
　　——《伯恩茅斯每日回声报》（Bournemouth Daily Echo）
　　
　　本书令人称羡地轻松填补了枕边读物和专业书籍之间的缺口。
　　——《完全电影》（Total Film）

目录

序（克里斯多夫?弗雷灵爵士）
引言
1900至1929年
电影先驱
早期史诗片
默片女性
奇幻电影
剑侠片
俄国电影革命
默片喜剧
默片高峰
超现实主义电影
早期有声片
1930至1939年
哥特式恐怖片
帮派电影
银幕上的社会
银幕女神
法国诗意现实主义
有声喜剧片
大萧条时代的歌舞片
纳粹和苏维埃电影
早期动画电影
脱线喜剧
二战阴影
1940至1959年
政治宣传电影
黑色电影
意大利新现实主义
战后英国电影
法国电影
好莱坞歌舞片
北欧电影
亚洲电影
战后好莱坞电影
叛逆青年
冷战电影
好莱坞西部片
法国新浪潮
1960至1969年
英国电影新浪潮
拉丁美洲电影
新好莱坞
性与电影
间谍片
科幻片
恐怖片
欧洲电影
意大利式西部片
1970至1989年
西欧电影
德国新电影
新恐怖
好莱坞犯罪片
阴谋论电影
美国剧情片
好莱坞大片
澳大利亚新浪潮
亚洲电影
新派歌舞片
非洲电影
越战遗产
动作冒险片
80年代喜剧
英国电影
心理学电影
欧洲电影
加拿大电影
华语电影
1990年至今
欧洲历史剧
好莱坞故事片
美国独立电影
大洋洲电影
英国和爱尔兰电影
欧洲电影
电脑视觉特效
动画电影
恐怖新纪元
东亚电影
伊朗新浪潮
拉丁美洲电影
新千年英国电影
合家欢大片
新千年欧洲电影
宝莱坞
后911美国故事片
新千年法国电影
术语
撰稿人
引文来源
索引
图片来源

精彩书摘

　　电影先驱
　　电影的出现激发并满足了人们对奇观的渴望，让再现过去、重塑现在、描绘未来成为可能。电影拍摄技术出现在1895年，最初的作品长度只有几秒钟，内容则是日常生活或魔术戏法。成熟的电影叙事技巧出现在20世纪，当时的电影人活跃于欧洲，作为电影之都的好莱坞则尚未存在。走在时代前沿的电影人包括乔治·梅里爱（Georges Méliès，1861—1938）、查尔斯?百代（Charles Pathé，1863—1957）和费迪南·齐卡（Ferdinand Zecca，1864—1947）。费迪南·齐卡的1分钟短片《征服天空》（A la conquête de l'air，1901，上图）的主角坐着奇怪的飞行器飞跃巴黎美丽都上空。这部片子由百代公司（Pathé Frères，对页上图）制作，公司的商标则是经营餐馆的查尔斯和埃米尔·百代兄弟选定的高卢鸡“Le Coq”。阻挠电影成为一门艺术的技术难题是如何用一连串的镜头创造行为的连续性。在这一点上，《袭击中国使节团》（Attack on a China Mission，1900）是电影史上的里程碑。这部受拳乱（China's Boxer Rebellion，1898—1901）启发的电影描绘了一群基督教传教士遭到义和团围攻的场面。英国先锋导演詹姆斯·威廉森（James Williamson，1855—1933）的这部作品利用一间废弃的房屋、几十名演员、爆炸和枪战的动作场面，展现了当时最为成熟的叙事手段。
　　参加了卢米埃尔兄弟1895年的首次公映之后，剧院经理兼舞台魔术师乔治·梅里爱迅速地意识到电影在制造幻觉和假象方面的潜力。对戏法的迷恋成了梅里爱的电影标签，其中还融合了魔幻和死亡的元素。他在奇幻默片《橡皮头》（L'homme à la tête en caoutchouc，1901，下图）中饰演一个把脑袋割掉、用风箱吹气的科学家，他命令助手不断鼓风，直到把脑袋吹爆。同样，《月球旅行记》（Le voyage dans la lune，1902，第20页）中火箭扎进月球人的眼睛的镜头是典型的梅里爱式诡异的切肤之痛。虽然梅里爱在特技方面做出了巨大的贡献，他的作品却始终没有跳出舞台表演的限制。
　　法国艺术电影协会专注历史题材，试图赋予电影更高的艺术水准。夏尔?勒巴尔吉（Charles Le Bargy，1858—1936）和安德烈·卡尔梅（André Calmettes，1861—1942）讲述16世纪亨利三世策划行刺政敌的《吉斯公爵被刺》（L'assassinat du duc de Guise，1908）是最早的经典案例。除去故事本身的话题性，这部电影中卡米尔·圣桑（Camille Saint-Saëns）的配乐和来自法兰西喜剧院的演员成就了冷静严肃的历史剧盛宴。
　　印度的电影先驱D.G.巴尔吉（D. G. Phalke，1870—1944）从一部关于耶稣的电影中学到了电影的基本技巧，拍摄了《哈里什昌德拉国王》（Raja Harishchandra，1913）。这部源于印度教神话的古装电影标志着印度电影的起源。摘自梵文史诗《摩诃婆罗多》（Mahabharata）的原文，影片讲述了哈里什昌德拉国王信守对圣人的诺言并放弃王位的故事。巴尔吉的华丽史诗由男性非专业演员出演，在孟买周边村落拍摄完成，全长40分钟。它在孟买的桂冠影院上映，取得了巨大的成功。可惜的是只有头两卷胶片流传于世，后人只能想象影片的恢宏全貌。
　　意大利的电影先行者热衷于神话故事和壮观的场面。但丁的作品为此提供了丰富的素材，被视为意大利第一部长片的《但丁的地狱》（L'inferno，1911）就是最成功的例子。与此同时，一批场面宏大的历史剧短片不断涌现，例如乔瓦尼·帕斯特洛纳（Giovanni Pastrone，1883—1959）的《木马屠城记》（La caduta di Troia，1911）以及马里奥?卡塞里尼（Mario Caserini，1874—1920）的《庞贝城的末日》（Gli ultimi giorni di Pompeii，1913）。
　　在美国，埃德温?S.鲍特（Edwin S. Porter，1870—1941）的《火车大劫案》（The Great Train Robbery，1903，第22页）被认为是美国第一部故事片。鲍特革命性的运镜和剪辑、实景拍摄和西部片风格令当时的观众大呼过瘾。技术的进步让拍摄更长的电影成为可能，文学作品于是进入了电影的视野。1907年，加拿大导演西德尼?奥尔科特（Sidney Olcott，1873—1949）为纽约的卡勒姆公司拍摄了第一版《宾虚》（Ben-Hur）。这部改编自卢·华莱士（Lew Wallace）1880年的小说的15分钟影片让没看过原著的观众难以理解，著名的战车竞速也并不刺激。卡勒姆因为这部影片受到的关注而被控侵权，这场官司也为未来的文学改编作品开创了先河。
　　把长篇小说装进一部短片绝非易事，所以更多人选择原创电影剧本。法国人阿尔弗雷·马尚（Alfred Machin，1877—1929）在比利时拍摄并对胶片进行染色处理的百代公司的作品《磨坊》（Le moulin maudit，1909）在6分钟内讲述了一则独立易懂的复仇故事。
　　技术革新催生了长片，迷你剧集由此诞生，《方托马斯》系列（Fantômas，1913—1914，对页）便是其中的佼佼者。这部五集的系列片根据法国最著名的犯罪小说改编，由勒内·纳瓦拉（René Navarre）主演。路易斯·菲拉德（Louis Feuillade，1873—1925）执导的这个系列每集长约1小时，以惊心动魄的悬念结尾。直至今日，道德败坏的杀人凶手方托马斯依然激发着电影人的想象力。菲拉德的另一系列电影《审判者》（Judex，1916，右图）则以正直的英雄人物作为主角，这也许是第一个现身银幕的蒙面侠客。多产的菲拉德还拍摄了长达十集的《吸血鬼》（Les vampires，1915，第24页），讲述了巴黎名为“吸血鬼”的犯罪团伙的故事。菲拉德成熟的惊悚片技巧影响了弗里茨·朗（Fritz Lang，1890—1976）和阿尔弗雷德·希区柯克（Alfred Hitchcock，1899—1980）等日后的电影大师。
　　长片的流行、好莱坞的崛起和巨额的投资刺激了文学改编作品的出现。苏格兰导演斯图亚特·帕顿（Stuart Paton，1883—1944）的《海底两万里》（20，000 Leagues Under the Sea，1916）便是根据儒勒电影先驱
　　电影的出现激发并满足了人们对奇观的渴望，让再现过去、重塑现在、描绘未来成为可能。电影拍摄技术出现在1895年，最初的作品长度只有几秒钟，内容则是日常生活或魔术戏法。成熟的电影叙事技巧出现在20世纪，当时的电影人活跃于欧洲，作为电影之都的好莱坞则尚未存在。走在时代前沿的电影人包括乔治?梅里爱（Georges Méliès，1861—1938）、查尔斯?百代（Charles Pathé，1863—1957）和费迪南·齐卡（Ferdinand Zecca，1864—1947）。费迪南·齐卡的1分钟短片《征服天空》（A la conquête de l'air，1901，上图）的主角坐着奇怪的飞行器飞跃巴黎美丽都上空。这部片子由百代公司（Pathé Frères，对页上图）制作，公司的商标则是经营餐馆的查尔斯和埃米尔·百代兄弟选定的高卢鸡“Le Coq”。阻挠电影成为一门艺术的技术难题是如何用一连串的镜头创造行为的连续性。在这一点上，《袭击中国使节团》（Attack on a China Mission，1900）是电影史上的里程碑。这部受拳乱（China's Boxer Rebellion，1898—1901）启发的电影描绘了一群基督教传教士遭到义和团围攻的场面。英国先锋导演詹姆斯·威廉森（James Williamson，1855—1933）的这部作品利用一间废弃的房屋、几十名演员、爆炸和枪战的动作场面，展现了当时最为成熟的叙事手段。
　　参加了卢米埃尔兄弟1895年的首次公映之后，剧院经理兼舞台魔术师乔治·梅里爱迅速地意识到电影在制造幻觉和假象方面的潜力。对戏法的迷恋成了梅里爱的电影标签，其中还融合了魔幻和死亡的元素。他在奇幻默片《橡皮头》（L'homme à la tête en caoutchouc，1901，下图）中饰演一个把脑袋割掉、用风箱吹气的科学家，他命令助手不断鼓风，直到把脑袋吹爆。同样，《月球旅行记》（Le voyage dans la lune，1902，第20页）中火箭扎进月球人的眼睛的镜头是典型的梅里爱式诡异的切肤之痛。虽然梅里爱在特技方面做出了巨大的贡献，他的作品却始终没有跳出舞台表演的限制。
　　法国艺术电影协会专注历史题材，试图赋予电影更高的艺术水准。夏尔·勒巴尔吉（Charles Le Bargy，1858—1936）和安德烈·卡尔梅（André Calmettes，1861—1942）讲述16世纪亨利三世策划行刺政敌的《吉斯公爵被刺》（L'assassinat du duc de Guise，1908）是最早的经典案例。除去故事本身的话题性，这部电影中卡米尔·圣桑（Camille Saint-Saëns）的配乐和来自法兰西喜剧院的演员成就了冷静严肃的历史剧盛宴。
　　印度的电影先驱D.G.巴尔吉（D. G. Phalke，1870—1944）从一部关于耶稣的电影中学到了电影的基本技巧，拍摄了《哈里什昌德拉国王》（Raja Harishchandra，1913）。这部源于印度教神话的古装电影标志着印度电影的起源。摘自梵文史诗《摩诃婆罗多》（Mahabharata）的原文，影片讲述了哈里什昌德拉国王信守对圣人的诺言并放弃王位的故事。巴尔吉的华丽史诗由男性非专业演员出演，在孟买周边村落拍摄完成，全长40分钟。它在孟买的桂冠影院上映，取得了巨大的成功。可惜的是只有头两卷胶片流传于世，后人只能想象影片的恢宏全貌。
　　意大利的电影先行者热衷于神话故事和壮观的场面。但丁的作品为此提供了丰富的素材，被视为意大利第一部长片的《但丁的地狱》（L'inferno，1911）就是最成功的例子。与此同时，一批场面宏大的历史剧短片不断涌现，例如乔瓦尼·帕斯特洛纳（Giovanni Pastrone，1883—1959）的《木马屠城记》（La caduta di Troia，1911）以及马里奥·卡塞里尼（Mario Caserini，1874—1920）的《庞贝城的末日》（Gli ultimi giorni di Pompeii，1913）。
　　在美国，埃德温?S.鲍特（Edwin S. Porter，1870—1941）的《火车大劫案》（The Great Train Robbery，1903，第22页）被认为是美国第一部故事片。鲍特革命性的运镜和剪辑、实景拍摄和西部片风格令当时的观众大呼过瘾。技术的进步让拍摄更长的电影成为可能，文学作品于是进入了电影的视野。1907年，加拿大导演西德尼·奥尔科特（Sidney Olcott，1873—1949）为纽约的卡勒姆公司拍摄了第一版《宾虚》（Ben-Hur）。这部改编自卢·华莱士（Lew Wallace）1880年的小说的15分钟影片让没看过原著的观众难以理解，著名的战车竞速也并不刺激。卡勒姆因为这部影片受到的关注而被控侵权，这场官司也为未来的文学改编作品开创了先河。
　　把长篇小说装进一部短片绝非易事，所以更多人选择原创电影剧本。法国人阿尔弗雷?马尚（Alfred Machin，1877—1929）在比利时拍摄并对胶片进行染色处理的百代公司的作品《磨坊》（Le moulin maudit，1909）在6分钟内讲述了一则独立易懂的复仇故事。
　　技术革新催生了长片，迷你剧集由此诞生，《方托马斯》系列（Fantômas，1913—1914，对页）便是其中的佼佼者。这部五集的系列片根据法国最著名的犯罪小说改编，由勒内·纳瓦拉（René Navarre）主演。路易斯?菲拉德（Louis Feuillade，1873—1925）执导的这个系列每集长约1小时，以惊心动魄的悬念结尾。直至今日，道德败坏的杀人凶手方托马斯依然激发着电影人的想象力。菲拉德的另一系列电影《审判者》（Judex，1916，右图）则以正直的英雄人物作为主角，这也许是第一个现身银幕的蒙面侠客。多产的菲拉德还拍摄了长达十集的《吸血鬼》（Les vampires，1915，第24页），讲述了巴黎名为“吸血鬼”的犯罪团伙的故事。菲拉德成熟的惊悚片技巧影响了弗里茨·朗（Fritz Lang，1890—1976）和阿尔弗雷德·希区柯克（Alfred Hitchcock，1899—1980）等日后的电影大师。
　　长片的流行、好莱坞的崛起和巨额的投资刺激了文学改编作品的出现。苏格兰导演斯图亚特·帕顿（Stuart Paton，1883—1944）的《海底两万里》（20，000 Leagues Under the Sea，1916）便是根据儒勒·凡尔纳（Jules Verne）1869年的同名小说和《神秘岛》（The Mysterious Island，1874）改编而来。帕顿与移民美国的英国人约翰和乔治·威廉森兄弟一道，创作了第一部展现水底世界的影片。
　　划时代的特技、实地取景拍摄和精心制作的布景——包括一艘仿制的“鹦鹉螺号”潜艇令这部影片成为一部不朽之作。史诗片《十诫》（The Ten Commandments，1923）和《宾虚》（Ben-Hur： A Tale of the Christ，1925，下图）不但满足了观众对恢宏场面的热情，还造就了“古罗马动作片”这一片型。弗雷德?尼勃罗（Fred Niblo，1874—1978）和匿名的查尔斯?布莱宾（Charles Brabin，1882—1957）为刚刚组建的米高梅公司拍摄的《宾虚》所费不菲，过程艰辛。为了让战车竞赛一幕达到更加刺激的效果，摄制组悬赏100美元奖励优胜者——这一举动导致了撞车事故，而车祸现场也完整地保留在影片的最终版本中。乔治?梅里爱的创新精神影响了20年代的史诗电影，也为50年代至60年代特效大师雷?哈里豪森提供了灵感。尽管拍摄技巧和叙事手段花样翻新，电影艺术的本质——对现实的重新创造和解读——早在其诞生之初就已确定。凡尔纳（Jules Verne）1869年的同名小说和《神秘岛》（The Mysterious Island，1874）改编而来。帕顿与移民美国的英国人约翰和乔治·威廉森兄弟一道，创作了第一部展现水底世界的影片。
　　划时代的特技、实地取景拍摄和精心制作的布景——包括一艘仿制的“鹦鹉螺号”潜艇令这部影片成为一部不朽之作。史诗片《十诫》（The Ten Commandments，1923）和《宾虚》（Ben-Hur： A Tale of the Christ，1925，下图）不但满足了观众对恢宏场面的热情，还造就了“古罗马动作片”这一片型。弗雷德?尼勃罗（Fred Niblo，1874—1978）和匿名的查尔斯·布莱宾（Charles Brabin，1882—1957）为刚刚组建的米高梅公司拍摄的《宾虚》所费不菲，过程艰辛。为了让战车竞赛一幕达到更加刺激的效果，摄制组悬赏100美元奖励优胜者——这一举动导致了撞车事故，而车祸现场也完整地保留在影片的最终版本中。乔治?梅里爱的创新精神影响了20年代的史诗电影，也为50年代至60年代特效大师雷?哈里豪森提供了灵感。尽管拍摄技巧和叙事手段花样翻新，电影艺术的本质——对现实的重新创造和解读——早在其诞生之初就已确定。
　　……

前言/序言

　　序
　　20世纪50年代，我正在伦敦南部长大，书架上的儿童百科全书有一章叫做“第七艺术”。不是“九缪斯”，而是“七艺术”。这七种艺术指的是文学、音乐、歌剧、舞蹈、戏剧、视觉艺术和被称为“20世纪新兴艺术”的电影。电影作为最初的低级娱乐形式，经过技术革新、潮流更替、产业发展和创意爆炸，逐步形成了今天成熟的“第七艺术”。这位不知名的百科全书作者同时预言，在不久的将来，电影会如同其他艺术发展的历史，通过博物馆、展出和学术专著的渠道及各级教育机构的研究，得到不亚于其他六种艺术的严肃对待，进入主流文化的殿堂。少年时代的我是《电影和制片》杂志的忠实读者，这本杂志不但将我引入严肃的电影评论世界，也与其他出版物一道为“第七艺术”的发展做出了贡献。
　　半个世纪之后，上述寓言只有少数变成了现实。电影的艺术地位还是游离于“六大艺术”之外，只有少数的电影人被称为真正的艺术家，就连电影的名称（Film，Cinema，Movie）都没有统一。当一部著名电影被搬上戏剧舞台，大众文化一下子就提升到了艺术的高度。然而，当泰德现代美术馆举办画家爱德华?霍珀的展览时，受他的作品影响的电影照片却被丢在展馆外的餐厅门口。后来在一场包括华特?迪士尼（1901—1966）和阿尔弗雷德?希区柯克（1899—1980）的作品的名为“达利与电影”的展览中，主办方还特意将宣传海报上的“与电影”三个字缩小，生怕削弱了观赏者的兴趣。
　　电影在艺术类别上遭到歧视有着复杂的原因：它不能像传统的艺术品一样被人收藏；它不是作者同观众一对一的交流，只在精神上具备艺术家的个人审美和创意；它经常是一种商业化运作的产物；你看到的不是一件“艺术制品”，而是法兰克福学派的社会研究员和哲学家在两次世界大战间提出的、和“个人体验”相对的“大众文化”的一部分；它没有数百年的作品积淀；它不是现场表演；它甚至提倡民主制。事实上，人们忘记了以上诸条也适用于绝大多数的当代艺术。艺术门类的高下之分根深蒂固，在英国文化当中尤为明显。考虑到其他领域的陈规旧习都在逐渐消失，这样的局面让人难以理解。但是，当媒体研究使其替代社会学成为高等教育水平下降的罪魁祸首之后，针对电影的等级歧视愈演愈烈。
　　这也许可以解释许多电影专著中的防备口吻——对自身学术价值的展示和被严肃学科承认的渴望，它们希望成为文学和历史的研究对象，而非艺术史和传媒学的课题。这种戒备心态和欧洲传来的新兴理论不谋而合。该理论看上去为电影研究提供了现成的高级知识分子的外观，而出于各种方法论的原因，这门学科对档案、词典、百科全书和叙事体历史本身具有极其排斥的态度。这就导致了电影研究对其本不存在的学科基石的怀疑和漠视。
　　随着家庭娱乐的崛起和电影研究最终走向成熟，人们迫切需要条理清晰、用词专业、来源可靠的电影史专著，用以抵消大多数DVD“幕后花絮”的平淡无聊，为观影体验提供更深层次的电影和文化注解，并在热情的软文影评、星级评定及有关预算和剧组矛盾的小道消息之外，为观众提供更为权威和翔实的参考资料。也许，最重要的一点，这本书能在电影的发行、放映、制作和欣赏都在经历巨大变革的当下对过去进行一次回顾和总结。逐格拉片能够放大电影的细节，但有时也会暴露出让观者优越感顿生的时代错乱和连续性错误，例如《党同伐异》（1916）里的助理身着西装、打着领带扮演波斯人攻打巴比伦；《卡萨布兰卡》（1942）里有关巴黎的倒序中伊沙穿着套装而非连衣裙；《十诫》（1956）中的盲人和《斯巴达克斯》（1960）里战士腕上的手表；以及包括《关山飞渡》（1939）在内的无数西部片中出现的汽车轮胎印。谁能想到在《日瓦戈医生》（1965）里能看到大卫?里恩（1908—1991）及其剧组成员的倒影？相比上述定格镜头，本书以更为有趣的方式，精挑细选出每部电影的关键场景并加以深度解析。
　　《电影通史》以编年史的手法展现了电影发展的历程，从卢米埃尔兄弟1895年的首次公映到“后911时代”的美国电影、电脑动画和3D立体电影以及新千年的欧洲电影。本书不像同类作品那样专注于好莱坞的历史，而是多角度、全景式展现了世界各国的电影风貌及其多样化的人文背景。丰富的资料依照时代、区域和电影流派加以整理。多位专家撰文介绍了不同历史时期的重要作品，对影史佳作进行了深度赏析，并对大事年表、电影人档案和相关资料（文学原著、文艺运动、音乐和摄影等）作了详细说明。《电影通史》的一大特色是通过不同年代的电影人之间的师承和影响，串联起电影发展的脉络走向。高质量的插图是本书的另一大亮点，在美术界司空见惯的这一特色直到最近才引起电影史学界的重视。
　　恩斯特?贡布里希在《艺术的故事》著名的开头写道：“没有艺术这种东西，有的只是艺术家。大写的艺术已经成了妖魔化和恋物癖的对象。”同理，本书无意把“电影”变成大写的抽象名词，而是试图讲述电影人和他们的作品，展示他们对我们每个人的生活的重要影响——这种影响至今仍被忽视。本书的编者谨慎地筛选了书中的案例，而这往往是一件需要勇气的事。
　　
　　克里斯多夫?弗雷灵爵士

电影的黎明与光影的探索：二十世纪早期电影史（1895-1927） 本书聚焦于电影艺术诞生之初至有声电影革命前夕的这段波澜壮阔的历史时期。它并非对电影史的全面梳理，而是深入剖析了从卢米埃尔兄弟的首次公开放映到好莱坞黄金时代序幕拉开这一关键阶段的技术突破、美学探索、产业奠基与文化影响。 第一章：幽灵般的开端——电影的诞生与早期实验（1895-1907） 本章追溯了电影从一项新奇的科学演示转变为新兴娱乐形式的艰难历程。我们将详细考察早期活动电影的先驱者们，包括爱迪生的留声电影视镜（Kinetoscope）和奥古斯特与路易·卢米埃尔的活动电影放映机（Cinématographe）。重点分析卢米埃尔兄弟的作品，如《工厂大门》、《火车进站》，如何以其纪实性的“如实记录”震撼了当时的观众，揭示了运动的魔力。 随后，我们将转向乔治·梅里爱（Georges Méliès）的贡献。梅里爱，这位魔术师出身的电影人，通过《仙女的领地》和里程碑式的《月球旅行记》，首次将电影确立为一种叙事和奇观的媒介。本章细致探讨了梅里爱如何无意中发明了停机再拍、叠印等早期特技，为后来的视觉特效奠定了基石。我们还将考察爱迪生公司旗下的比彻姆肖特公司（Edison Manufacturing Company）在早期美国电影制作中的主导地位，以及他们如何通过“强盗场景”（Enchanted Pictures）等短片确立了早期叙事的基本模式。早期的电影制作受限于极短的片长和单一场景，本章着重分析了这种原始形态的叙事局限与观众反应。 第二章：从“讲故事的机器”到视觉语言的构建（1907-1915） 随着观众需求的增长，电影制作人开始意识到单纯的记录和简单的戏法无法支撑一个蓬勃发展的产业。本章探讨了电影语言如何从舞台剧的拙劣模仿中解放出来，走向成熟。 关键人物与技术突破： 埃德温·S·鲍特（Edwin S. Porter）与平行剪辑的诞生： 我们将重点分析鲍特于1903年制作的《火车大劫案》。尽管这部影片在叙事上仍显粗糙，但其对场景切换、追逐戏码的运用，特别是首次引入的交叉剪辑（Cross-cutting）手法，极大地增强了叙事的紧张感和时空同步性。 格里菲斯的革命： D.W.格里菲斯（D.W. Griffith）是本章的中心。他并非“发明”了电影剪辑，但他系统化并精炼了蒙太奇的运用。本章深入剖析了《盗婴》（The Baby's Redemption）、《布兰克的生平》（A Corner in Wheat）以及更具争议性的《一个国家的诞生》（The Birth of a Nation）中使用的特写镜头（Close-up）、远景（Long Shot）、闪回（Flashback）以及光照调度（Lighting techniques）如何共同构建出复杂的情感深度和史诗般的规模。 叙事场域的扩张： 这一时期，电影制作开始从纽约和新泽西的冬季摄影棚转向气候更稳定的南加州。本章详细描述了好莱坞作为“电影之都”的早期形成过程，以及制片人为躲避爱迪生托马斯爱迪生主导的专利联盟（MPPC）而进行的迁徙。 第三章：世界舞台上的新浪潮——欧洲电影的先锋探索（1910-1920） 在好莱坞建立其工业化体系的同时，欧洲的电影制作人正将电影提升至纯粹的艺术形式。本章对比分析了意大利、法国和丹麦在美学上的开创性工作。 意大利的史诗体量： 意大利制片人率先认识到电影能够承载宏大叙事的潜力。重点分析《卡比利亚》（Cabiria, 1914）如何引入了“卡比利亚车轮”（Cabiria shot，即滑动跟拍镜头）以及复杂的布景设计，奠定了古典史诗电影的模板。 法国印象派与“视觉逻辑”： 以路易·德吕克（Louis Delluc）和阿贝尔·甘斯（Abel Gance）为代表的法国先锋派力图将电影从“照相写实”中解放出来。本章探讨了他们如何通过景深处理、快节奏剪辑和主观镜头（Point-of-View Shot）来表达角色的内心状态和感官体验，强调电影的“纯粹性”。 丹麦的浪漫与黑暗： 丹麦电影，尤其是本杰明·克里斯滕森（Benjamin Christensen）的作品，展示了对光影和表现主义潜能的早期探索，为后来的德国表现主义奠定了情绪基调。 第四章：工业的成熟与艺术的分野——制片体系的建立（1915-1927） 随着一战的爆发，好莱坞在全球电影市场上的霸主地位日益巩固。本章聚焦于美国制片体系的标准化和类型片的形成。 制片厂制度的雏形： 联合制片公司（United Artists）、派拉蒙（Paramount）、福克斯（Fox）等公司的崛起，标志着电影工业从分散的制作人模式转向集中化的制片厂系统。本章分析了好莱坞如何通过“明星制度”（Star System）来营销和控制电影产品，例如玛丽·璧克馥（Mary Pickford）和道格拉斯·范朋克（Douglas Fairbanks）的独立建厂行动。 喜剧的黄金时代： 喜剧在无声片时代达到了巅峰。本章细致比较了查理·卓别林（Charlie Chaplin）作品中对社会讽刺与温情并存的“流浪汉”形象，与巴斯特·基顿（Buster Keaton）作品中对物理定律、精准动作与机械美学的冷峻探索。 表现主义的入侵与融合： 德国表现主义电影，如卡尔·梅耶（Carl Mayer）和罗伯特·维内（Robert Wiene）的《卡里加利博士的小屋》（The Cabinet of Dr. Caligari），以其扭曲的布景、强烈的阴影对比和非自然的表演风格震撼了世界。本章分析了这种美学如何被好莱坞吸收，尤其是在恐怖片和黑色电影的早期形态中。 第五章：无声的终结——有声电影的迫近与行业变革（1926-1927） 本章描述了电影史上最剧烈的技术转型期——有声电影的到来。重点研究了福克斯的“动音电影”（Movietone）和华纳兄弟的“维塔电影”（Vitaphone）技术。 我们将深入探讨1927年华纳兄弟的《爵士之王》（The Jazz Singer）如何以其零星的对白和歌唱片段，彻底宣告了无声时代的黄昏。本章分析了这一转变对演员的巨大冲击（许多无声片演员因声音不佳而失业），对导演镜头语言（如固定机位和对收音设备的妥协）的影响，以及它如何迫使好莱坞在极短时间内完成从静默到喧哗的全面工业升级。 总结： 本书旨在为读者提供一个扎实的框架，理解在声光尚未完全驯服的时代，先驱者们是如何摸索、争斗，最终奠定了现代电影艺术和产业的全部基本法则。它关注的是那个充满野蛮活力和纯粹创意的“光影的黎明”。

评分☆☆☆☆☆

最近在咖啡馆里消磨时间，手里捧着一本新书，那感觉真是太惬意了。这本书的内容编排，简直是为我这种喜欢深度探索的读者量身定制的。它不像某些畅销书那样追求快速的感官刺激，而是像一位耐心的老者，娓娓道来，引导你逐步深入。每一章的过渡都处理得极其自然流畅，仿佛是沿着一条蜿蜒的小径行走，每一步都有新的风景映入眼帘。我尤其喜欢它在处理争议性历史事件时的那种审慎和平衡，没有急于下结论，而是提供了多方位的证据和解读，把判断的空间留给了读者自己，这种尊重读者的态度，让人感到非常舒服。这本书的字里行间，都透露着一种扎实的学术功底，但又丝毫没有学究气，可读性极强。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我这个人对那种流水账式的历史记录实在提不起兴趣，总觉得少了点灵魂。但是，这本新淘来的书，却完全颠覆了我的这种偏见。它最吸引我的地方在于，作者似乎有一种魔力，能将那些宏大的历史脉络，巧妙地融入到个体命运的细微之处。我仿佛能听到那些历史人物在决策时的挣扎与权衡，感受到他们面对时代洪流时的无力和坚韧。书里的论述逻辑清晰，观点鲜明，虽然涉及的内容跨度极广，但从未感到凌乱或失焦。特别值得一提的是，作者在解读一些关键转折点时，提出的见解常常能让人拍案叫绝，提供了全新的思考角度，让我忍不住停下来，反复咀嚼那几段文字。这种深度的思想碰撞，才是阅读历史书籍最大的乐趣所在吧。

评分☆☆☆☆☆

我最近真是被一本关于某个特定领域发展历程的书给‘套牢’了，一旦开始看就停不下来，搞得我好几天都没能好好做其他事情。这本书的叙事节奏把握得真是高明，它知道什么时候该放慢脚步，细致描绘某个里程碑式的瞬间，什么时候又该加速，概括性地展现大趋势的演变。里面的插图和图表虽然不是这本书的主体，但作为辅助材料，却起到了画龙点睛的作用，那些精心挑选的视觉元素，极大地增强了文字的说服力和直观性。我常常会因为一个有趣的侧面故事而被吸引，然后顺着作者的线索，去查阅更多的背景资料，这本书成功地激发了我更广泛的学习热情，感觉自己不光是在读一本书，而是在进行一场主动的探索之旅。

评分☆☆☆☆☆

怎么说呢，市面上讲述这类题材的书籍实在太多了，但真正能让人读完后感觉精神世界被充实和提升的，凤毛麟角。这本新看的书，最大的特点或许在于它的‘温度’。作者似乎是将自己对这个领域的热爱倾注在了每一个字里行间，读起来绝不枯燥，反而充满了生命力。它没有故作高深，用词精准而富有张力，即便是对专业术语的解释，也做到了深入浅出，非常贴合普通读者的认知习惯。我喜欢那种仿佛与一位智者面对面交流的感觉，他不仅告诉你‘发生了什么’，更重要的是，他会让你思考‘为什么会发生’以及‘它对今天意味着什么’。这种对历史的‘回望与前瞻’的结合，使得这本书的价值远远超出了单纯的史料记录。

评分☆☆☆☆☆

哎呀，最近沉迷在几本历史类的书籍里，不得不说，有些书光是书名就能让人眼前一亮，充满期待。比如，我最近翻阅的这本关于某个特定领域的通史，简直像打开了一扇通往过去的大门。作者的叙事方式非常引人入胜，他不仅仅是罗列史实，而是将那些尘封已久的事件串联成了一个个鲜活的故事。我特别欣赏他那种旁征博引的能力，总能从一些看似不相关的细节中挖掘出深刻的时代背景和人物命运的交织点。读完之后，感觉自己对那个时期的理解一下子变得立体和丰满了许多，不再是教科书上干巴巴的知识点，而是一幕幕真实发生过的场景。这本书的装帧设计也相当考究，纸张的质感和字体的排版都透露着一种对知识的敬畏感，让人愿意花时间去细细品味每一个章节。

评分☆☆☆☆☆

我赶快去躲在左边的卖酒柜台后面，从柜台边上探出头来看得很清楚。汽车早已停下，汽车旁边有两个家伙趴下了身子。其中一个拿着支汤姆生式冲锋枪，另外一个拿的是一把锯短了的自动猎枪。那个拿汤姆生式冲锋枪的是个黑人。另一个穿一件汽车司机的白工作服。

评分☆☆☆☆☆

对于大部分不熟悉前苏联文学历史的读者，这似乎又是一个巨大声名主要来自于身后的俄罗斯作家。其实在上世纪二、三十年代，伊萨克·巴别尔就已经是苏联最引人注目的作家之一了。而为他带来荣誉的，只是两部薄薄的短篇小说集-《红色骑兵军》和《敖德萨故事》。用爱伦堡的话说：“巴别尔不与任何人类似，任何人也无法类似于他。他永远按自己的方式写自己的东西。”当大多数苏联作家把眼睛盯着大时代、大事件时，巴别尔把视点坚定地落在了每一个鲜活的个体身上。在他的笔下人不再只是集体的一份子，更不仅仅是革命事业的工具，而是一个个有着复杂人性的生命体。残酷的战争环境常常让许多红军战士内心扭曲、变态，其中黑暗和兽性的一面令人为之心惊；但与此同时又无不渴望着幸福、安宁的生活，梦想着甜蜜的爱情。

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整个19世纪，像法学、医学等旧有职业重新组织起来，已强调其专业知识，它们人数增加，并取得较高地位。甚至神职人员也模仿类似方式。与此同时新职业大量增加。1800年皇家外科学院成立，1856年不列颠医学会成立，1825年法学会成立，这些事件把世俗的传统职业建立在可靠声誉的新基础之上。[13]新职业极大地受到旧职业模式的影响，开始一个接一个地脱离商界，并自己组织起来-1818年土木工程师组织成立，1834年建筑师组织成立，1841年药剂师组织成立，1848年保险统计员组织成立，等等。所有这些组织都表现出利用这些职业对专业知识和正直的要求，已超脱于市场法则之上。1841-1881年间，全国人口增长60%，而十七种从事主要自由职业的人口增长了150%.从而构成中产阶级的重要组成部分。

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很大部头的一本，但是就单纯的学术价值而言很一般，只是对相关知识点进行梳理外加一些简评

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印刷非常精美，内容一般吧，比较不错的入门书

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节奏本身就是自然界各种运动物质、物质运动和生物机体各项功能交替的均匀性变化与表现形式。关于艺术的节奏、电影的节奏，理论家们都未明确地下过定义，大多是借用音乐的说法。

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