图说中国绘画史高居翰9787108047854三联书店 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 高居翰（JamesCahill）著，李渝 著，李渝 译

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出版社： 生活读书新知三联书店

ISBN：9787108047854

商品编码：11599151665

包装：精装

开本：16

出版时间：2014-04-01

商品参数

图说中国绘画史
	定价	88.00
	出版社	生活.读书.新知三联书店
	版次	1
	出版时间	2014年04月
	开本	16开
	作者	[美]高居翰（James Cahill） 著，李渝
	装帧	精装
	页数	0
	字数	0
	ISBN编码	9787108047854

内容介绍
高居翰早年的中国绘画通史著作，图文并貌，以一个外国人的眼光，来欣赏中国名画，由200幅作品串起对画史的解说，是普及大众的艺术读物。本书是1958年由瑞士人史基拉策划的一套亚洲艺术丛书之一，以编入他当时已获盛名的欧洲艺术丛书。经喜龙仁推荐，当时正在攻读博士学位的高居翰获得了写作本书的机会，完成一部精简、创新、又具可读性的艺术通史。

目录
致新读者 致中文读者--原著者序高居翰 就画论画--译者序李渝 一早期人物画：汉、六朝及唐（2～9世纪） 二早期山水：六朝至宋初（4～11世纪） 三宋代山水：中期（11～12世纪） 四五代及宋人物（10～13世纪） 五山水人物及庭园人物（4～13世纪） 六宋代的花鸟与畜兽（10～13世纪） 七南宋院派山水：马远、夏、马麟（12～13世纪） 八宋代文人画及禅画（11～13世纪） 九元初画家：钱选、赵孟、高克恭（13世纪末～14世纪） 十元末画家：四大家及盛懋（14世纪） 十一明初画院及浙派：边文进、戴进、吴伟（15世纪）致新读者
致中文读者--原著者序高居翰
就画论画--译者序李渝
一早期人物画：汉、六朝及唐（2～9世纪）
二早期山水：六朝至宋初（4～11世纪）
三宋代山水：中期（11～12世纪）
四五代及宋人物（10～13世纪）
五山水人物及庭园人物（4～13世纪）
六宋代的花鸟与畜兽（10～13世纪）
七南宋院派山水：马远、夏、马麟（12～13世纪）
八宋代文人画及禅画（11～13世纪）
九元初画家：钱选、赵孟、高克恭（13世纪末～14世纪）
十元末画家：四大家及盛懋（14世纪）
十一明初画院及浙派：边文进、戴进、吴伟（15世纪）
十二吴派：沈周、文徵明及其追随者（15～16世纪）
十三周臣、唐寅及仇英（16世纪）
十四董其昌及明末绘画（16～17世纪）
十五清初绘画：正传大家（17～18世纪初）
十六清初绘画：独创主义者（17～18世纪初）
十七十八世纪：扬州八怪及其他画家（18世纪初）
年表、画家小传
图序
索引
参考书目
新版译者后记

显示全部信息

中国绘画的千年回响：一部视觉的史诗 中国绘画，作为中华文明的重要载体，承载着数千年的历史积淀、哲学思想、审美情趣与社会变迁。它不仅仅是二维的平面艺术，更是连接过去与现在、精神与物质、东方与西方的一座座桥梁。当我们翻开中国绘画史的长卷，便会看到一幅幅波澜壮阔的画卷徐徐展开，其中既有帝王将相的威严气度，也有文人墨客的淡泊情怀；既有山河壮丽的自然风光，也有市井生活的生动写照。这部视觉的史诗，以其独特的笔墨韵味、意境深远的美学追求，在全球艺术史上占据着举足轻重的地位。 早期萌芽与宗教的洗礼：从岩画到壁画 中国绘画的起源可以追溯到史前时期。遍布全国各地的岩画，如阴山岩画、贺兰山岩画，以其粗犷有力的线条，记录了古代先民的生活场景、狩猎活动、祭祀仪式，展现了原始的艺术冲动和对自然的敬畏。这些朴拙而充满生命力的图像，是中国绘画最早的滥觞。 随着社会的发展，绘画逐渐与宗教信仰紧密结合。佛教自汉代传入中国后，对绘画产生了深远影响。各地兴建的石窟寺，如敦煌莫高窟、云冈石窟、龙门石窟，成为了佛教艺术的宝库。这些石窟中的壁画和彩塑，以其宏伟的规模、精湛的技艺和丰富的题材，生动地展现了佛教故事、佛陀形象、菩萨造像以及供养人的生活。这些早期壁画不仅是宗教宣传的工具，更是中国绘画在造型、色彩、构图等方面发展的重要里程碑。同时，道教、民间信仰的图像也逐渐丰富，为中国绘画的多样性奠定了基础。 士人阶层的崛起与文人画的兴盛：笔墨的乾坤 魏晋南北朝时期，随着门阀士族阶层的崛起，绘画开始摆脱单纯的宗教和实用功能，逐渐转向对个体精神世界的描绘。顾恺之以其“传神写照，正在阿堵中”的理论，强调绘画的内在精神表现。他的作品如《洛神赋图》、《女史箴图》，以细腻的人物刻画和流畅的线条，展现了士人的优雅风度和对理想世界的想象。 唐代是中国绘画的黄金时期。政治的繁荣、经济的富庶、文化的开放，极大地促进了绘画的发展。山水画初具规模，如李思训的金碧山水，富丽堂皇；张璪的水墨山水，则更加写意。人物画更是达到巅峰，阎立本的《步辇图》捕捉了历史瞬间的微妙人物关系；吴道子的“吴带当风”技法，线条飘逸，充满动感，被誉为“画圣”。仕女画也盛行，张萱的《虢国夫人游春图》、周昉的《簪花仕女图》，描绘了盛唐女性的丰腴之美和悠闲生活。佛教壁画依然繁盛，但题材更加丰富，世俗化趋势明显。 宋代是中国绘画的又一个高峰，尤其是山水画和花鸟画。宋代士人阶层在政治上的失意，促使他们将情感寄托于山水之间，追求“外师造化，中得心源”。范宽的《溪山行旅图》、郭熙的《早春图》、李唐的《万壑松风图》，以雄浑壮丽或清幽秀美的笔触，展现了山川的鬼斧神工，寄寓了画家对宇宙人生的感悟。水墨写意技法日益成熟，文同、苏轼等文人画家将诗、书、画融为一体，强调笔墨情趣和个人风格。花鸟画也取得了辉煌成就，黄荃的工笔富丽，徐熙的写意生动，沈周等人的作品更是将自然之美表现得淋漓尽致。宋代绘画注重写实，讲究法度，也注重意境的营造，对后世产生了深远影响。 元代，蒙古统治下，汉族文人艺术家面临着新的文化环境。许多画家选择隐居山林，以书画来抒发胸中块垒。山水画依然是主流，黄公望的《富春山居图》、王蒙的《夏山隐居图》、倪瓒的《容膝斋图》，构图精巧，笔墨苍劲，体现了文人画的独特品格。士人画的地位进一步巩固，强调“逸格”，追求个性解放和精神自由。 明清时期，中国绘画继续发展，呈现出多元化的趋势。明代，宫廷画院依然存在，但文人画的影响力更加广泛。沈周、文征明、唐寅、仇英“明四家”各具特色，在山水、人物、花鸟各领域都取得了卓越成就。浙派、吴门画派等流派纷呈，展现了不同的艺术风格和地域特色。董其昌的理论和实践，对后世山水画的发展产生了重要影响。 清代，随着满族入主中原，绘画风格也发生了新的变化。宫廷绘画更加精致华丽，但许多画家则在继承传统的基础上进行创新。扬州八怪，如郑燮、金农等，以其不拘泥于传统、风格独特的作品，展现了对现实生活和个性情感的关注。海上画派，如任熊、任薰、任伯年等，融合中西技法，创造出新的艺术风貌。同时，大量民间艺术也蓬勃发展，如年画、剪纸等，以其鲜活的生命力和朴实的美感，丰富了中国绘画的内涵。 笔墨的语言与意境的诗学：东方审美的精髓 中国绘画之所以独树一帜，与其独特的笔墨语言和意境追求密不可分。笔墨，并非单纯的线条和墨色，而是画家情感、学养、思想的载体。一笔一画，都蕴含着画家的功力与性情。墨的浓淡干湿，晕染层次，是中国画家表现光影、质感和空间的重要手段。 意境，是中国绘画的灵魂所在。它不仅仅是对景物的描绘，更是画家主观情感与客观景物的融合，是“情景交融”的艺术境界。一幅成功的山水画，能够引发观者无限的遐思，仿佛置身其中，感受到大自然的磅礴气势，或是山涧的清幽宁静。花鸟画则通过对花鸟形态的描摹，传达出高洁、坚韧、祥和等象征意义。人物画则力求“以形写神”，通过人物的表情、姿态，展现其内在的精神气质。 东西方的对话与现代的探索：传承与创新 进入近现代，中国绘画在吸收西方绘画技法和观念的同时，也在不断探索新的表现形式。油画、版画等西方画种的引入，为中国艺术家提供了新的创作媒介和表现方式。许多艺术家，如徐悲鸿、林风眠、刘海粟等，在中西艺术的融合中，创作出既有中国传统韵味，又具现代精神的作品。 中国画的传统也在不断被继承和发展。当代艺术家在继承中国画笔墨技法、审美情趣的基础上，积极融入现代观念和技法，创作出题材广泛、风格多样的作品。从对传统山水的现代解读，到对社会现实的关注，再到对抽象艺术的探索，中国绘画正以更加开放的姿态，走向世界，展现其独特的艺术魅力。 结语 中国绘画史，是一部流动的史书，是一曲永恒的歌谣。它以其独特的东方智慧和审美，跨越时空的界限，连接古今的文脉。从岩画的原始呼唤，到壁画的宗教虔诚，再到文人画的笔墨乾坤，直至今日的多元探索，中国绘画始终以其旺盛的生命力，讲述着中华民族的故事，传递着中华文明的精髓。了解中国绘画，便是走进一个充满哲思、诗意与生命力的世界，感受那份源远流长的艺术魅力，体悟那份独属于东方的精神家园。

评分☆☆☆☆☆

高居翰先生在书中提出的许多观点，都让我耳目一新，甚至引发了我对自己过往认知的颠覆。他对于不同流派、不同时期绘画作品的比较分析，常常能够揭示出那些隐藏在表象之下的内在联系和发展逻辑。我记得他曾经分析过一幅宋代山水画，不仅仅是从构图和笔墨技巧上进行阐释，更是深入探讨了画作中蕴含的哲学思想，比如道家“天人合一”的观念如何体现在山水的描绘之中。这种对绘画作品的深层解读，让我不再仅仅将它们视为美的对象，而是能够从中汲取智慧，理解古人的精神世界。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，《图说中国绘画史》是一本极其优秀的艺术史读物，它以其丰富的图像、深刻的解读、严谨的学术态度以及引人入胜的叙述，为我打开了一扇了解中国绘画艺术的奇妙之门。我不仅仅是从中获得了知识，更重要的是，它激发了我对中国传统艺术的热爱，并引导我以一种更深刻、更全面的视角去欣赏和理解那些流传千古的艺术珍品。这本书绝对是我书架上的一颗璀璨明珠，值得反复品读，常读常新。

评分☆☆☆☆☆

这本书最吸引我的地方，在于它并非一本枯燥的学术著作，而是充满了故事性和人文关怀。高居翰先生在讲解绘画作品时，并非是照本宣科，而是带着一种探索的热情，仿佛他自己也在和我们一同发现这些画作的奥秘。他对一些著名画家的生平轶事、创作背景的描绘，也让这些人物形象更加鲜活生动。我喜欢他那种娓娓道来的叙述风格，让原本复杂的绘画史变得通俗易懂，而且引人入胜，甚至让我产生了自己也想动手尝试绘画的冲动。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的印刷质量和装帧设计也极大地提升了阅读体验。高清的彩色图片，让那些历经沧桑的古画重焕生机，仿佛可以直接触摸到画作的笔触和色彩的质感。我尤其喜欢它对一些局部细节的放大展示，这使得我们在欣赏宏大画卷的同时，又能专注于那些精妙绝伦的局部处理，比如人物的眉眼、服饰的褶皱、山石的皴法等等，这些细微之处往往蕴藏着画家的匠心和时代的烙印。每一次翻页，都像是在进行一次穿越时空的艺术之旅，与那些伟大的艺术家进行无声的对话。

评分☆☆☆☆☆

我非常赞赏这本书的学术严谨性，同时又兼顾了可读性。高居翰先生在引用史料、考证画作真伪方面，都做得非常扎实，让读者能够信任他所提供的每一个论断。但与此同时，他并没有让这些学术的严谨性压制住文字的流畅性，反而通过精彩的语言组织，将枯燥的学术内容转化为引人入胜的故事。他对于中国绘画发展的脉络梳理，清晰而又有逻辑，让我能够很好地理解不同时代、不同地域的绘画特色，以及它们之间的相互影响和演变。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书，我最大的感受是它打破了我以往对中国绘画史的刻板印象。我曾经以为，中国绘画就是拘泥于山水、花鸟，人物画也多半是程式化的。然而，高居翰先生通过大量的例证，展现了中国绘画在不同历史时期，其题材的广阔性、表现手法的多样性，以及思想观念的深刻变革。他对绘画风格演变的梳理，从粗放到精细，从写意到写实，再到后来的象征意义的强调，都清晰可见，而且并非是孤立的分析，而是将绘画置于整个社会文化、政治变迁的宏大背景之下，进行多维度的解读。这种宏观与微观相结合的叙事方式，让我对中国绘画的发展脉络有了前所未有的立体认识。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我感觉自己对中国传统文化的理解又上了一个新的台阶。高居翰先生将中国绘画置于整个文化体系之中进行考察，展现了绘画与文学、哲学、宗教、社会生活等各个方面的紧密联系。他通过对绘画作品的细致解读，让我们看到了中国古代文人雅士的精神追求，他们的审美情趣，以及他们对自然的敬畏和热爱。这种深入的文化洞察，让这本书的价值远远超出了绘画本身，成为了一部了解中国古代文明的绝佳读物。

评分☆☆☆☆☆

我尤其喜欢这本书在处理争议性问题时的客观和审慎。高居翰先生在介绍一些不同的学术观点时，总是能够以一种平衡的态度来呈现，既不回避争议，又能清晰地阐述自己的立场。他对于画作年代、作者归属的考证，往往能够借鉴不同的研究成果，并给出自己独到的见解。这种求真务实的学术态度，让我对这本书的专业性深感信服，也让我认识到，艺术史的研究并非是一成不变的，而是一个不断探索和修正的过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最深刻的印象之一，是它对于“笔墨”的精妙解析。高居翰先生不仅仅是描述笔墨的技法，更是深入挖掘笔墨背后所蕴含的精神意蕴。他能够将看似简单的笔触、墨色，解读出艺术家想要表达的情感、意境，甚至是哲理。我曾经在欣赏一幅王蒙的山水画时，对那些繁复的皴法感到困惑，但在高居翰先生的解读下，我才明白这些笔墨并非是简单的重复，而是艺术家用心血和智慧在画面上留下的痕迹，承载着他对山水的热爱和对自然的感悟。

评分☆☆☆☆☆

《图说中国绘画史》这本书，自从拿到手的那一刻起，就感觉它是一件值得细细品味的艺术品，而不仅仅是一本知识的载体。我尤其欣赏它的“图说”二字，这并非简单的插图配文字，而是将图像本身作为叙事的重要部分，甚至是主角。高居翰先生在处理这些珍贵的绘画作品时，展现出的那种对细节的敏锐观察力和对历史语境的深刻理解，让我反复翻阅，每一次都有新的发现。比如，他对于早期绘画中人物形象的细致分析，不仅仅是描绘其造型，更是深入到人物的眼神、姿态，甚至是服饰的纹理，去推测当时人们的心境、社会地位以及他们所处的时代氛围。这种“看图说话”的能力，需要极高的专业素养和丰富的知识储备，而高居翰先生无疑做到了。