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Kate Nesin & 著

圖書標籤:

• Cy Twombly
• 繪畫
• 藝術史
• 現代藝術
• 抽象錶現主義
• 雕塑
• 藝術作品
• 美國藝術傢
• 二十世紀藝術
• 藝術評論

店鋪： 瀾瑞外文Lanree圖書專營店

齣版社： Yale University Press

ISBN：9780300190113

商品編碼：1188242124

包裝：精裝

外文名稱：Cy Twombly's Things

齣版時間：2014-06-03

頁數：246

正文語種：英語

圖書基本信息

Cy Twombly's Things
作者： Kate Nesin;
ISBN13： 9780300190113
類型： 精裝(精裝書)
語種： 英語（English）
齣版日期： 2014-06-03
齣版社： Yale University Press
頁數： 246
重量（剋）： 1075
尺寸： 26.2382 x 20.2438 x 2.6162 cm

商品簡介

Cy Twombly (1928-2011) is widely acknowledged as one of the postwar period's most influential American artists, yet his sculptures are little known. From 1946 onward, he made hundreds of rarely exhibited found-object assemblages, often painted or plastered over with diverse coatings of white. Across decades, Twombly thus developed a singular, strikingly consistent body of work, despite the shifting status of sculpture during his lifetime.

In this revelatory monograph, Kate Nesin first establishes, then evaluates the artist's long engagement with the historical and contemporary limits of sculpture, both as medium and as word. While others have described Twombly's three-dimensional works as timeless, transcendent, and poetic, Nesin complicates our sense of their so-called poetry, focusing on the prosaic, conspicuously material operations of these sculptural "things," and emphasizing the inherent difficulties as well as possibilities of the language used to characterize them. Through close readings of individual works and in-depth analyses of certain guiding concerns, such as surface, naming, gaps, and repetitions, she illuminates Twombly's remarkable sculptural practice.

紙上的囈語與雕塑的低語：探索二十世紀藝術的非敘事性錶達 本書深入剖析瞭二十世紀中葉至晚期，在西方藝術領域中，一批藝術傢如何超越傳統具象敘事，轉而聚焦於“物性”本身、綫條的內在張力，以及留白的哲學意義。這不是一部關於特定藝術傢的傳記，而是一次對藝術創作方法論的田野考察，聚焦於那些以“非傳統”材料和手法挑戰既有美學觀念的作品群像。 第一章：從達達的殘片到行動繪畫的痕跡 本章追溯瞭現代藝術對於“現成品”和“偶然性”的迷戀如何為後來的非敘事藝術鋪平瞭道路。我們探討瞭馬塞爾·杜尚對“可被觀看的日常”的挪用，以及這種挪用如何從對藝術機構的嘲諷，逐漸演變為對物質存在感的肯定。 隨後，我們將目光投嚮戰後美國，關注傑剋遜·波洛剋“滴畫”中未被明確指嚮的動勢。這裏的關鍵不在於畫麵描繪瞭什麼，而在於動作本身構成瞭作品的全部意義。作品不再是窗戶，而是事件的現場。這使得觀眾的目光被迫從“內容”轉嚮“媒介”和“過程”。我們細緻分析瞭顔料在畫布上留下的物理痕跡——它們的厚度、流嚮、乾燥後的質感，如何共同構建瞭一種基於身體經驗的、非語言的交流。 此外，我們考察瞭抽象錶現主義內部關於“場域”（Field）與“核心”（Focus）的辯論。一些藝術傢試圖創造一種無中心、無明確起點的視覺空間，讓觀眾的視綫得以在畫布上自由漂浮，從而體驗一種近乎冥想的在場感。這種對“空”的重視，是理解後續極簡主義美學的基石。 第二章：物性、質感與存在主義的重量 本章聚焦於藝術材料自身的“發言權”。二十世紀中後期，藝術傢們開始係統地、近乎科學地研究材料在物理層麵的可能性。我們避開對雕塑“形體”的傳統分析，轉而關注構成形體的元素：生鐵的銹蝕、未經打磨的木材的紋理、石膏的粗糙邊緣以及混凝土的冰冷密度。 重點分析瞭某些歐洲藝術傢，特彆是那些與“新現實主義”（Nouveau Réalisme）思潮有關聯的創作者，他們如何將廢棄的工業碎片、舊報紙、破碎的玻璃等“他者之物”納入藝術語境。這些物品自帶曆史和時間的“烙印”。它們不是象徵，而是活生生的、被時間磨損的證物。我們細緻考察瞭如何通過粘貼、堆疊、擠壓等粗暴或精細的手段，將這些“廢料”轉化為具有強烈在場感的藝術對象，迫使觀眾麵對日常生活中被忽略的、帶有生命痕跡的殘片。 本章的理論支撐部分，將引入現象學中關於“身體經驗”對感知建構的影響。觀眾與作品的互動，不再是審美判斷，而是一種近乎物理性的接觸——觸摸的衝動、重量的感知、氣味的想象。作品成為瞭一個充滿重量和摩擦感的實體，而非僅僅是視覺的圖像。 第三章：綫條的自指性與書寫行為的解放 在繪畫領域，綫條的角色發生瞭根本性的轉變。本章探討瞭那些將綫條從描繪客體的義務中徹底解放齣來的實踐。這些綫條不再服務於勾勒輪廓，而是成為瞭動作本身的記錄，一種書寫（Writing）行為的純粹展現。 我們研究瞭那些藉鑒瞭非西方書法傳統，或專注於重復性、節奏性標記的藝術傢。這些標記往往是痙攣性的、快速的，或是近乎催眠般的重復。它們呈現齣一種“無法閱讀”的文字狀態——既像文字，又不是任何已知的語言。這創造瞭一種準語言（Pseudo-language）的張力。觀看者在試圖破譯這些符號時，最終發現唯一的意義在於符號生成的過程，即書寫者的心緒和運動軌跡。 這部分深入剖析瞭“繪畫即行為”的核心理念。畫布成為瞭一個劇場，綫條是演員留下的軌跡。顔料與媒介（如蠟筆、粉筆、油彩棒）的選擇，不再是為瞭色彩和諧，而是為瞭其在紙麵上的摩擦力、附著力和殘留感。例如，蠟筆在粗糙紙麵上留下的斷續、顫抖的痕跡，比平滑的油彩更能傳達瞬間的情緒爆發。我們分析瞭這種“未完成感”或“塗抹感”，如何成為一種抵抗成熟、完成的藝術話語的有力武器。 第四章：極簡的極限與空間的消融 最後的篇章轉嚮那些尋求將藝術品與環境、空間進行徹底整閤的嘗試。極簡主義（Minimalism）在某種程度上是對抽象錶現主義過度主觀性的反動，但其核心的“物性”關注卻是一脈相承的。 本章關注的對象並非最終成品，而是係統、序列與關係。藝術傢如何使用重復的幾何單元、工業材料（如鋼、鋁、有機玻璃）來創作，旨在將作品“去個性化”，使其退居為“特定物體”（Specific Object）。關鍵在於，這些物體如何與觀看者所處的空間産生交互作用。例如，反射材料如何捕獲並扭麯環境中的光綫和人影；序列化的單元如何引導觀眾的身體在展廳中移動。 我們探討瞭這種做法如何消解瞭傳統藝術的“幻覺性”，將藝術帶迴瞭無可辯駁的物理現實中。作品不再試圖錶現任何“彆的東西”，它就是它自身——一塊鋼闆、一排燈管、一個立方體。這種對物體的樸素呈現，反而迫使觀眾重新審視他們與周圍環境、與藝術品在同一空間中的共存狀態。這種對“在場”的強調，是對二十世紀藝術轉嚮物質本體論最徹底的迴應。 全書旨在提供一個多維度的視角，理解藝術如何從“描繪世界”轉嚮“成為世界中的一個實體”，強調瞭非敘事性錶達的豐富層次和持續的觀念挑戰。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計簡直是一場視覺盛宴，但它絕非徒有其錶的花架子。我特彆留意瞭色彩還原的準確性，對於這種大量使用油畫棒和混閤媒介的作品來說，色彩的層次感和質感至關重要。我對比瞭書中收錄的幾幅我曾在博物館親眼見過的作品，其深沉的黑色和那些看似單調的米白色調，都得到瞭令人信服的再現，那種顔料的厚度和層次感，透過紙麵依然能夠感受到畫傢的力度。更值得稱贊的是，它對那些尺寸巨大的作品的處理方式。很多大型作品被巧妙地設計成長跨頁，甚至是多摺頁，確保瞭觀者在不犧牲細節的前提下，能充分領略作品的宏大氣勢。這種對閱讀體驗的極緻追求，顯示齣齣版方對原作的尊重。它超越瞭普通藝術畫冊的範疇，更像是一份精心製作的收藏品，每一個細節——從紙張的選擇到油墨的光澤——都在共同服務於最終的藝術呈現。我甚至捨不得把書完全攤開，生怕破壞瞭這種近乎完美的裝裱。

評分☆☆☆☆☆

這本書的閱讀體驗，就像是一次深度的、富有觸感的沉浸式旅行。它不僅僅是關於藝術傢的“作品”，更是關於“存在”本身的一種探討。書中收錄的那些看似混亂、塗抹過度的區域，實際上蘊含著一種對時間流逝和記憶模糊的深刻反思。我讀到關於他如何從古典文本中汲取靈感，如何將古老的符號轉化為當代人可感知的視覺語言時，感到無比震撼。這種跨越時空的對話，在這本畫冊中被錶現得淋灕盡緻。它迫使讀者放慢腳步，去審視那些日常生活中被我們輕易忽略的“痕跡”——一張被塗改的草稿，一塊風化的石頭，一段匆忙寫下的文字。這本書成功地將藝術傢的創作哲學具象化瞭，它證明瞭“塗鴉”並非廉價的衝動，而是經過深思熟慮、充滿張力的哲學錶達。對於想要理解如何將個人體驗轉化為具有普適性的藝術語言的創作者而言，這本書無疑提供瞭寶貴的範本和無盡的啓發。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，我對這位藝術傢的作品一直保持著一種敬畏與疏離並存的復雜情感。他的作品時常讓人感到既熟悉又遙遠，像是對某種失落的古代語言的碎片式重現。而這本畫冊，仿佛成為瞭一把鑰匙，幫助我梳理瞭那些曾經讓我感到睏惑的元素。編輯團隊在章節的劃分上展現瞭高超的敘事技巧，並沒有采用簡單的時間綫推進，而是圍繞幾個核心主題——比如“書寫性”、“地中海的印記”以及“材料的偶然性”——來組織呈現。這種結構使得觀者能夠更清晰地看到藝術傢在其漫長職業生涯中，如何反復打磨和提煉他最核心的創作語言。其中一組關於早期作品和後期作品的對比頁設計得尤為巧妙，用一種非侵入性的方式，讓觀眾自己去體會那種從剋製到逐漸釋放的能量變化。對於那些希望深入研究藝術傢視覺詞匯的讀者來說，這本書提供的不僅僅是圖像，更是一種思考的框架，引導我們去關注那些被傳統藝術批評忽略的、潛藏於筆觸之下的文化迴響和個人記憶的痕跡。

評分☆☆☆☆☆

初次接觸這類以某位標誌性藝術傢為核心的齣版物時，我總會擔心內容會顯得過於學術化，充滿瞭隻有行傢纔能理解的晦澀解讀。然而，這本書的魅力恰恰在於它對“觀看”行為本身的強調。它沒有試圖用長篇大論去“解釋”每一筆“Z”形或螺鏇的含義，而是通過高品質的復製品，將觀者的注意力重新導嚮作品的物質性——那蠟筆的粗糲感、油畫棒的厚重堆積、以及鉛筆劃過紙麵的沙沙聲，即便隻是通過視覺，也仿佛能被捕捉到。這本書的成功之處在於，它構建瞭一種平等的對話空間。無論你是藝術史的學生，還是僅僅偶然被那些充滿活力的綫條所吸引的路人，都能從中找到自己的切入點。我特彆喜歡其中幾頁對工作室環境的側拍，那些散落的材料、堆疊的文獻，為理解藝術傢最終呈現的作品提供瞭一種背景脈絡，讓你明白那些看似隨性的創作背後，是長期、持續的沉浸與勞作。這種對創作過程的側麵描摹，極大地豐富瞭我對這位藝術傢作品的整體認知，它不再是掛在博物館牆上的固定符號，而是一個不斷演變、呼吸著的有機體。

評分☆☆☆☆☆

這本裝幀精美的畫冊，無疑是獻給所有對現代藝術，特彆是抽象錶現主義抱有濃厚興趣的鑒賞傢們的一份厚禮。光是翻開它，指尖拂過那厚實的銅版紙，就能感受到一種對藝術品原真性的尊重。我尤其欣賞策展人（或者說是編輯團隊）在版式設計上的考量，他們並沒有采取那種將作品塞滿頁麵的堆砌方式，而是留齣瞭大量的留白，讓每一幅作品——那些狂野的筆觸、那些看似隨意的塗鴉——都能擁有足夠的呼吸空間，得以獨立地嚮觀者訴說其內在的敘事。這不僅僅是一本“圖錄”，它更像是一個精心設計的展覽空間，將觀眾邀請到一種沉思的狀態中去。書中的文字部分雖然精煉，但字裏行間透露齣對藝術傢創作心境的深刻理解，沒有流於空泛的術語堆砌，而是著重於探討他如何將日常的痕跡、廢棄的材料，乃至是古典神話的碎片，編織進他那極具個人辨識度的符號係統中。我花瞭整整一個下午，沉浸在這些黑白與色彩交織的畫麵中，每一次重新審視，都能捕捉到之前未曾察覺的細節，比如那些被反復擦拭、塗抹後留下的微妙肌理，仿佛能聽到畫布在無聲地呼吸著曆史的重量。它成功地捕捉到瞭那種介於結構與混亂之間的微妙平衡感，讓人在迷失中尋找秩序。