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Kate Nesin & 著

图书标签:

• Cy Twombly
• 绘画
• 艺术史
• 现代艺术
• 抽象表现主义
• 雕塑
• 艺术作品
• 美国艺术家
• 二十世纪艺术
• 艺术评论

店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Yale University Press

ISBN：9780300190113

商品编码：1188242124

包装：精装

外文名称：Cy Twombly's Things

出版时间：2014-06-03

页数：246

正文语种：英语

图书基本信息

Cy Twombly's Things
作者： Kate Nesin;
ISBN13： 9780300190113
类型： 精装(精装书)
语种： 英语（English）
出版日期： 2014-06-03
出版社： Yale University Press
页数： 246
重量（克）： 1075
尺寸： 26.2382 x 20.2438 x 2.6162 cm

商品简介

Cy Twombly (1928-2011) is widely acknowledged as one of the postwar period's most influential American artists, yet his sculptures are little known. From 1946 onward, he made hundreds of rarely exhibited found-object assemblages, often painted or plastered over with diverse coatings of white. Across decades, Twombly thus developed a singular, strikingly consistent body of work, despite the shifting status of sculpture during his lifetime.

In this revelatory monograph, Kate Nesin first establishes, then evaluates the artist's long engagement with the historical and contemporary limits of sculpture, both as medium and as word. While others have described Twombly's three-dimensional works as timeless, transcendent, and poetic, Nesin complicates our sense of their so-called poetry, focusing on the prosaic, conspicuously material operations of these sculptural "things," and emphasizing the inherent difficulties as well as possibilities of the language used to characterize them. Through close readings of individual works and in-depth analyses of certain guiding concerns, such as surface, naming, gaps, and repetitions, she illuminates Twombly's remarkable sculptural practice.

纸上的呓语与雕塑的低语：探索二十世纪艺术的非叙事性表达 本书深入剖析了二十世纪中叶至晚期，在西方艺术领域中，一批艺术家如何超越传统具象叙事，转而聚焦于“物性”本身、线条的内在张力，以及留白的哲学意义。这不是一部关于特定艺术家的传记，而是一次对艺术创作方法论的田野考察，聚焦于那些以“非传统”材料和手法挑战既有美学观念的作品群像。 第一章：从达达的残片到行动绘画的痕迹 本章追溯了现代艺术对于“现成品”和“偶然性”的迷恋如何为后来的非叙事艺术铺平了道路。我们探讨了马塞尔·杜尚对“可被观看的日常”的挪用，以及这种挪用如何从对艺术机构的嘲讽，逐渐演变为对物质存在感的肯定。 随后，我们将目光投向战后美国，关注杰克逊·波洛克“滴画”中未被明确指向的动势。这里的关键不在于画面描绘了什么，而在于动作本身构成了作品的全部意义。作品不再是窗户，而是事件的现场。这使得观众的目光被迫从“内容”转向“媒介”和“过程”。我们细致分析了颜料在画布上留下的物理痕迹——它们的厚度、流向、干燥后的质感，如何共同构建了一种基于身体经验的、非语言的交流。 此外，我们考察了抽象表现主义内部关于“场域”（Field）与“核心”（Focus）的辩论。一些艺术家试图创造一种无中心、无明确起点的视觉空间，让观众的视线得以在画布上自由漂浮，从而体验一种近乎冥想的在场感。这种对“空”的重视，是理解后续极简主义美学的基石。 第二章：物性、质感与存在主义的重量 本章聚焦于艺术材料自身的“发言权”。二十世纪中后期，艺术家们开始系统地、近乎科学地研究材料在物理层面的可能性。我们避开对雕塑“形体”的传统分析，转而关注构成形体的元素：生铁的锈蚀、未经打磨的木材的纹理、石膏的粗糙边缘以及混凝土的冰冷密度。 重点分析了某些欧洲艺术家，特别是那些与“新现实主义”（Nouveau Réalisme）思潮有关联的创作者，他们如何将废弃的工业碎片、旧报纸、破碎的玻璃等“他者之物”纳入艺术语境。这些物品自带历史和时间的“烙印”。它们不是象征，而是活生生的、被时间磨损的证物。我们细致考察了如何通过粘贴、堆叠、挤压等粗暴或精细的手段，将这些“废料”转化为具有强烈在场感的艺术对象，迫使观众面对日常生活中被忽略的、带有生命痕迹的残片。 本章的理论支撑部分，将引入现象学中关于“身体经验”对感知建构的影响。观众与作品的互动，不再是审美判断，而是一种近乎物理性的接触——触摸的冲动、重量的感知、气味的想象。作品成为了一个充满重量和摩擦感的实体，而非仅仅是视觉的图像。 第三章：线条的自指性与书写行为的解放 在绘画领域，线条的角色发生了根本性的转变。本章探讨了那些将线条从描绘客体的义务中彻底解放出来的实践。这些线条不再服务于勾勒轮廓，而是成为了动作本身的记录，一种书写（Writing）行为的纯粹展现。 我们研究了那些借鉴了非西方书法传统，或专注于重复性、节奏性标记的艺术家。这些标记往往是痉挛性的、快速的，或是近乎催眠般的重复。它们呈现出一种“无法阅读”的文字状态——既像文字，又不是任何已知的语言。这创造了一种准语言（Pseudo-language）的张力。观看者在试图破译这些符号时，最终发现唯一的意义在于符号生成的过程，即书写者的心绪和运动轨迹。 这部分深入剖析了“绘画即行为”的核心理念。画布成为了一个剧场，线条是演员留下的轨迹。颜料与媒介（如蜡笔、粉笔、油彩棒）的选择，不再是为了色彩和谐，而是为了其在纸面上的摩擦力、附着力和残留感。例如，蜡笔在粗糙纸面上留下的断续、颤抖的痕迹，比平滑的油彩更能传达瞬间的情绪爆发。我们分析了这种“未完成感”或“涂抹感”，如何成为一种抵抗成熟、完成的艺术话语的有力武器。 第四章：极简的极限与空间的消融 最后的篇章转向那些寻求将艺术品与环境、空间进行彻底整合的尝试。极简主义（Minimalism）在某种程度上是对抽象表现主义过度主观性的反动，但其核心的“物性”关注却是一脉相承的。 本章关注的对象并非最终成品，而是系统、序列与关系。艺术家如何使用重复的几何单元、工业材料（如钢、铝、有机玻璃）来创作，旨在将作品“去个性化”，使其退居为“特定物体”（Specific Object）。关键在于，这些物体如何与观看者所处的空间产生交互作用。例如，反射材料如何捕获并扭曲环境中的光线和人影；序列化的单元如何引导观众的身体在展厅中移动。 我们探讨了这种做法如何消解了传统艺术的“幻觉性”，将艺术带回了无可辩驳的物理现实中。作品不再试图表现任何“别的东西”，它就是它自身——一块钢板、一排灯管、一个立方体。这种对物体的朴素呈现，反而迫使观众重新审视他们与周围环境、与艺术品在同一空间中的共存状态。这种对“在场”的强调，是对二十世纪艺术转向物质本体论最彻底的回应。 全书旨在提供一个多维度的视角，理解艺术如何从“描绘世界”转向“成为世界中的一个实体”，强调了非叙事性表达的丰富层次和持续的观念挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本装帧精美的画册，无疑是献给所有对现代艺术，特别是抽象表现主义抱有浓厚兴趣的鉴赏家们的一份厚礼。光是翻开它，指尖拂过那厚实的铜版纸，就能感受到一种对艺术品原真性的尊重。我尤其欣赏策展人（或者说是编辑团队）在版式设计上的考量，他们并没有采取那种将作品塞满页面的堆砌方式，而是留出了大量的留白，让每一幅作品——那些狂野的笔触、那些看似随意的涂鸦——都能拥有足够的呼吸空间，得以独立地向观者诉说其内在的叙事。这不仅仅是一本“图录”，它更像是一个精心设计的展览空间，将观众邀请到一种沉思的状态中去。书中的文字部分虽然精炼，但字里行间透露出对艺术家创作心境的深刻理解，没有流于空泛的术语堆砌，而是着重于探讨他如何将日常的痕迹、废弃的材料，乃至是古典神话的碎片，编织进他那极具个人辨识度的符号系统中。我花了整整一个下午，沉浸在这些黑白与色彩交织的画面中，每一次重新审视，都能捕捉到之前未曾察觉的细节，比如那些被反复擦拭、涂抹后留下的微妙肌理，仿佛能听到画布在无声地呼吸着历史的重量。它成功地捕捉到了那种介于结构与混乱之间的微妙平衡感，让人在迷失中寻找秩序。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是一场视觉盛宴，但它绝非徒有其表的花架子。我特别留意了色彩还原的准确性，对于这种大量使用油画棒和混合媒介的作品来说，色彩的层次感和质感至关重要。我对比了书中收录的几幅我曾在博物馆亲眼见过的作品，其深沉的黑色和那些看似单调的米白色调，都得到了令人信服的再现，那种颜料的厚度和层次感，透过纸面依然能够感受到画家的力度。更值得称赞的是，它对那些尺寸巨大的作品的处理方式。很多大型作品被巧妙地设计成长跨页，甚至是多折页，确保了观者在不牺牲细节的前提下，能充分领略作品的宏大气势。这种对阅读体验的极致追求，显示出出版方对原作的尊重。它超越了普通艺术画册的范畴，更像是一份精心制作的收藏品，每一个细节——从纸张的选择到油墨的光泽——都在共同服务于最终的艺术呈现。我甚至舍不得把书完全摊开，生怕破坏了这种近乎完美的装裱。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我对这位艺术家的作品一直保持着一种敬畏与疏离并存的复杂情感。他的作品时常让人感到既熟悉又遥远，像是对某种失落的古代语言的碎片式重现。而这本画册，仿佛成为了一把钥匙，帮助我梳理了那些曾经让我感到困惑的元素。编辑团队在章节的划分上展现了高超的叙事技巧，并没有采用简单的时间线推进，而是围绕几个核心主题——比如“书写性”、“地中海的印记”以及“材料的偶然性”——来组织呈现。这种结构使得观者能够更清晰地看到艺术家在其漫长职业生涯中，如何反复打磨和提炼他最核心的创作语言。其中一组关于早期作品和后期作品的对比页设计得尤为巧妙，用一种非侵入性的方式，让观众自己去体会那种从克制到逐渐释放的能量变化。对于那些希望深入研究艺术家视觉词汇的读者来说，这本书提供的不仅仅是图像，更是一种思考的框架，引导我们去关注那些被传统艺术批评忽略的、潜藏于笔触之下的文化回响和个人记忆的痕迹。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这类以某位标志性艺术家为核心的出版物时，我总会担心内容会显得过于学术化，充满了只有行家才能理解的晦涩解读。然而，这本书的魅力恰恰在于它对“观看”行为本身的强调。它没有试图用长篇大论去“解释”每一笔“Z”形或螺旋的含义，而是通过高品质的复制品，将观者的注意力重新导向作品的物质性——那蜡笔的粗粝感、油画棒的厚重堆积、以及铅笔划过纸面的沙沙声，即便只是通过视觉，也仿佛能被捕捉到。这本书的成功之处在于，它构建了一种平等的对话空间。无论你是艺术史的学生，还是仅仅偶然被那些充满活力的线条所吸引的路人，都能从中找到自己的切入点。我特别喜欢其中几页对工作室环境的侧拍，那些散落的材料、堆叠的文献，为理解艺术家最终呈现的作品提供了一种背景脉络，让你明白那些看似随性的创作背后，是长期、持续的沉浸与劳作。这种对创作过程的侧面描摹，极大地丰富了我对这位艺术家作品的整体认知，它不再是挂在博物馆墙上的固定符号，而是一个不断演变、呼吸着的有机体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，就像是一次深度的、富有触感的沉浸式旅行。它不仅仅是关于艺术家的“作品”，更是关于“存在”本身的一种探讨。书中收录的那些看似混乱、涂抹过度的区域，实际上蕴含着一种对时间流逝和记忆模糊的深刻反思。我读到关于他如何从古典文本中汲取灵感，如何将古老的符号转化为当代人可感知的视觉语言时，感到无比震撼。这种跨越时空的对话，在这本画册中被表现得淋漓尽致。它迫使读者放慢脚步，去审视那些日常生活中被我们轻易忽略的“痕迹”——一张被涂改的草稿，一块风化的石头，一段匆忙写下的文字。这本书成功地将艺术家的创作哲学具象化了，它证明了“涂鸦”并非廉价的冲动，而是经过深思熟虑、充满张力的哲学表达。对于想要理解如何将个人体验转化为具有普适性的艺术语言的创作者而言，这本书无疑提供了宝贵的范本和无尽的启发。