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☆☆☆☆☆

David Browne 著

图书标签:

• Sonic Youth
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• Alternative Rock
• Indie Rock
• Music History
• Cultural Criticism
• 1980s Music
• 1990s Music
• Avant-Garde
• Music Biography

店铺： 澜瑞外文Lanree图书专营店

出版社： Little, Brown Book Group

ISBN：9780749929411

商品编码：1191003258

包装：平装

外文名称：Goodbye 20Th Century- ...

出版时间：2009-06-04

页数：432

图书基本信息

Goodbye 20Th Century: Sonic Youth and the rise of alternative nation
作者： David Browne
ISBN13： 9780749929411
类型： 平装(简装书)
出版日期： 2009-06-04
出版社： Little, Brown Book Group
页数： 432
重量（克）： 368
尺寸： 197 x 128 x 30 mm

商品简介

The fully authorised biography of the Godfathers of indie rock

喧嚣的世纪末回响：都市声景、前卫艺术与独立精神的交织 序言：时代的边缘与声音的革命 本书将带领读者潜入一个充满张力与创新的时代——二十世纪末期。这是一个全球化加速、技术飞速迭代，同时也是社会结构面临深刻反思的时期。在主流文化看似光鲜亮丽的表象之下，一股暗流涌动，由那些不甘循规蹈矩的艺术家、音乐家和思想家所汇聚。他们拒绝被既有的音乐范式所定义，转而探索噪音、失真、非传统音阶以及对既有美学观念的彻底颠覆。 这不是一部简单的音乐史回顾，而是对特定时期内，一个在地下世界摸索、最终以其独特的、充满棱角的艺术形态深刻影响了后世独立音乐、视觉艺术乃至哲学思辨的现象的深度剖析。我们将关注的焦点，并非仅仅停留在舞台上的乐队表现，而是深入到他们所处的文化语境、创作哲学以及他们如何将都市的疏离感、消费主义的疲惫感，转化为一种具有强烈辨识度的听觉语言。 第一章：噪音作为一种美学宣言 在主流摇滚乐趋于格式化和商业化的背景下，一股对“纯粹声音”的渴求在地下场景中萌芽。本章将探讨“噪音”是如何从一种负面评价，被重新定义为一种具有解放潜力的艺术媒介。 我们将详细审视早期实验音乐的先驱者们，他们如何挑战传统乐器制造的界限，通过改装吉他、运用电路反馈、以及引入现场即兴的随机性，构建出一种既令人不安又引人入胜的声场。这不仅仅是关于“大声”或“失真”，更关乎声音的纹理、密度和空间感。重点分析那些将噪音视为一种结构性元素而非简单装饰的音乐实践。例如，探讨在特定录音技术条件下，磁带循环、低保真（Lo-Fi）美学如何成为一种抵制数字完美主义的抵抗姿态。 此外，本章还将分析这种声音哲学与后结构主义思潮的隐秘联系。当意义被解构，语言（此处指音乐语言）的边界也随之瓦解。噪音，作为语言的碎裂之声，成为了表达时代焦虑和身份断裂的有效工具。 第二章：城市景观与异化体验的声景捕捉 二十世纪末的都市，是摩天大楼、霓虹灯、疏离人群和无休止的交通噪音的混合体。这种密集的、有时甚至是压迫性的城市环境，为前卫艺术提供了最直接的素材。 本章将聚焦于音乐创作者们如何将都市的“声景”（Soundscape）融入他们的作品之中。这不是简单的环境采样，而是对城市体验的一种情感投射。从地铁的轰鸣到工厂的机械运转声，这些非音乐性的元素被有意地编织进乐曲结构中，以反映现代生活中个体的异化感和无处不在的焦虑。 我们将对比分析不同地域的城市文化如何催生出差异化的声音反应。例如，工业重镇的沉重、压抑感与大都会的快速、碎片化信息流之间的区别。这一部分的讨论将涉及对空间感和听觉心理学的探讨：一个声音如何通过其残响、混响和声像定位，来暗示听者所处的心理或物理空间。音乐不再是逃避现实的避难所，而是直面现实的放大镜。 第三章：DIY 精神与媒介的抗争 在主流唱片工业的巨大阴影下，一股强大的“自己动手做”（DIY）精神成为独立文化得以存续的基石。本章将深入探讨二十世纪末期的地下文化生态系统，特别是那些拒绝主流分销和推广模式的实践者。 重点关注自制唱片（Zines）、小型独立厂牌（Indie Labels）以及非正式的演出网络如何构建起一个自治的文化生态圈。DIY 不仅是一种经济模式，更是一种价值宣言——强调真实性、直接性和对商业逻辑的排斥。我们将分析这种精神如何影响音乐的制作方式：廉价设备的使用并非屈从于资源匮乏，而是一种对技术限制的主动拥抱，从而产生了独特的音色。 此外，我们将探讨录音媒介本身（如黑胶、卡带）在这一文化中的象征意义。卡带的便携性和易于复制性，使其成为地下信息传播的理想载体；而黑胶的物理性，则强调了音乐物体的触感与重量，与日益虚拟化的社会形成对比。 第四章：跨界对话：艺术、电影与音乐的融合 推动二十世纪末前卫音乐发展的，往往是其与相邻艺术领域的深刻互动。本章旨在揭示音乐界限的模糊化，以及艺术家们如何在不同媒介间自由穿梭。 探讨那些将音乐与先锋电影、行为艺术、以及视觉装置紧密结合的实践案例。音乐不再是背景，而是成为叙事结构本身的一部分，甚至常常是唯一的主导元素。分析音乐如何被用于解构线性叙事，如何通过重复、失调和突兀的中断来模仿意识流的思维过程。 这种跨界合作往往带来对“表演”概念的重新定义。舞台上的动态不再是娱乐性的展示，而是一种仪式的重演，一种对观众既有期待的系统性破坏。通过对特定艺术家在不同媒介中角色的分析，我们可以看到他们如何构建一个统一的、反思性的世界观。 结论：留下的回响与未来的碎片 二十世纪的终结，带来了对“进步”和“未来”概念的深刻怀疑。本书所探讨的这些边缘化的声音和实践，正是对这种时代情绪的最直接回应。它们没有提供安慰或简单的答案，而是提供了一种面对混乱的工具——一种接受不确定性、并从中提炼出独特力量的能力。 这些声音的遗产，并非体现在排行榜上的成就，而是体现在它们如何永远改变了独立音乐的创作视野，为后来的实验、电子和摇滚乐开辟了无需许可的道路。它们证明了，最深刻的革命往往不是来自中心，而是从边缘的、被忽视的角落里酝酿而出，用最不和谐的音符，谱写了最真实的历史篇章。本书试图做的，就是捕捉这些回响的原始频率，让它们在今天的语境中重新振动。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，在阅读过程中，我经历了几次想要放下书本，先去听听原声带的冲动，但最终都被作者的叙事张力给“按”在了座位上。这正说明了这本书的强大之处：它不是让你去听音乐的“指南”，而是让你在阅读中“重听”音乐的“体验场”。作者对乐队成员之间复杂而又充满创造力的化学反应，描绘得入木三分，特别是对几位核心成员在创作理念上的摩擦与融合，处理得极其克制和客观。他没有把任何人塑造成完美的偶像，而是展现了艺术创作背后的挣扎、妥协与不屈服。这种对人性复杂性的真实捕捉，使得整本书读起来充满了戏剧张力，让人不禁好奇，在下一次的录音棚里，他们又会如何“暴力”地对待乐器，如何用他们独特的方式，继续书写他们那个时代的注脚。这本书无疑是献给所有对艺术抱有敬畏之心，并愿意探索声音极限的探索者的必备读物。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的地方，是它对“传承”与“断裂”这两个主题的探讨。它不仅仅聚焦于乐队本身，而是将其置于整个后朋克、噪音摇滚乃至独立音乐谱系的大背景之下进行审视。作者似乎有一种“侦探”般的敏锐，他总能精准地捕捉到，Sonic Youth是如何从前辈那里汲取养分，又是如何反过来影响了后来的垃圾摇滚（Grunge）、数学摇滚（Math Rock）乃至电子音乐的某些分支。这种宏观的视野让全书的格局一下子打开了，不再局限于对四个成员之间互动的小题大做，而是上升到了对整个音乐文化流向的探讨。每一次阅读，我都会发现一些新的连接点——“啊，原来某支我喜欢的乐队的吉他效果器，其灵感可以追溯到这里！” 这种历史的纵深感，让这本书的价值远远超越了一般的乐队传记，更像是一部关于特定时期美国地下音乐“基因图谱”的详尽解析。读完后，我感觉自己对整个九十年代音乐革命的理解都变得更加立体和丰富了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉的盛宴，那种粗粝的质感和大胆的色彩碰撞，一下子就把我拉进了一个充满噪音与反叛精神的年代。我记得刚翻开目录时，那种扑面而来的冲击感，就像Sonic Youth那些标志性的、经过调音的吉他声，每一个标题都像是一把带着锯齿的琴拨，用力地刮擦着我对“主流”音乐的认知。作者的叙事笔触极为细腻，他没有直接告诉我“这是关于什么”，而是像一个资深乐迷在深夜的酒吧里，一边晃着快要凉透的啤酒，一边低声耳语那些尘封的幕后故事。我尤其欣赏他对七八十年代纽约地下文化那种近乎痴迷的描摹，那种混杂着贫困、艺术实验和无政府主义精神的氛围，被刻画得入木三分。阅读过程中，我仿佛能闻到录音棚里潮湿的霉味，能感受到小场地里汗水与烟雾混合的黏腻感。这本书不仅仅是在回顾一个乐队的历史，更像是一部深入挖掘特定历史语境下，艺术如何对抗、如何诞生的社会学观察报告。它成功地将那种“另类”的美学，用一种非常学术化但又不失热情的笔调呈现出来，读完后感觉自己的耳朵都被重新校准了一遍，对噪音的理解达到了一个全新的层次。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排堪称教科书级别的范例，尤其是它处理时间线的方式，非常巧妙地避开了那种平铺直叙的流水账叙事。作者似乎非常懂得“留白”的艺术，他不会把所有事情都一五一十地摆在你面前，而是通过对某些关键事件——比如某次著名的巡演、某张专辑录制过程中的某个关键时刻——的深度挖掘，让读者自己去脑补和推断整个时代的全貌。这种叙事上的“推拉摇移”，使得阅读体验充满了探索的乐趣。我常常在读到某个段落时，会忍不住停下来，去YouTube上搜索提及的那些冷门曲目或者老旧的现场录像，然后带着新的感性认识再回到书中，这种互动性是我很少在音乐传记中体验到的。更值得称赞的是，作者对于“实验”二字的解读是如此的深刻和多维，它不仅仅局限于音色上的探索，更涵盖了乐队在商业运作、人际关系乃至个人哲学层面的不断尝试与挣扎。读完后，我清晰地意识到，这本书提供的是一种看待艺术创作的全新视角：即伟大的艺术往往诞生于体制的边缘，并在不断地自我颠覆中保持生命力。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我原本以为这会是一本枯燥的、充满技术术语的音乐评论集，毕竟涉及到像Sonic Youth这样风格复杂的乐队，非专业人士很难完全领会其精髓。然而，这本书的文字功底着实让人惊艳。作者的文笔如同上世纪末那种高质量的独立杂志文章，既有敏锐的洞察力，又不失摇滚乐应有的那种粗粝和坦诚。他善于运用比喻，将那些抽象的、难以言喻的音乐实验转化为清晰可感的画面。比如，当他描述某段吉他噪音时，他没有用一堆复杂的和弦名称来糊弄读者，而是将其比作“一座在黄昏中坍塌的钢铁建筑”，一下子就让那种重量感和结构感跃然纸上。这种将听觉体验转化为视觉和触觉感受的能力，是衡量一本优秀艺术评论的关键指标，而这本书无疑是做到了极致。它成功地架设了一座桥梁，让即便是刚接触这个乐队的“门外汉”，也能感受到其音乐的魅力与深刻内涵，同时又不会让资深乐迷感到被轻视或冒犯，这种平衡拿捏得恰到好处。