我们的钢琴时代（附光盘） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

叶柳 著

图书标签:

• 钢琴教材
• 钢琴启蒙
• 少儿钢琴
• 钢琴练习
• 附带光盘
• 音乐教育
• 钢琴曲
• 经典曲目
• 儿童音乐
• 钢琴学习

出版社： 中国文联出版社

ISBN：9787519019891

版次：1

商品编码：12062912

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-09-01

用纸：胶版纸

页数：403

正文语种：中文

附件：光盘

内容简介

　　《我们的钢琴时代》是一部呈现当代杰出的钢琴演奏、教育理念、艺术思想、国际动态的钢琴文化著作。我们的钢琴时代繁荣兴盛，获得了丰盛的收获和世人的瞩目。我们欣喜地看到，新一代对钢琴事业有着饱满的自信和不断学习的精神。对于当下“学琴热”在中国的广泛蔓延，和人们对其中诸多问题的茫然，总需要求得答案和方向。如何解决这些困惑？作者历时五年，经过大量地与国际的钢琴演奏家、教育家学习和访谈，深刻的交流沟通。阅读大量相关材料、积累演奏实践经验、聆听作品，不断地走访活跃在国内外一线音乐家及钢琴界不同层面的人物，了解不同理念，沉淀思考，潜心创作，完成了这部让钢琴演奏者、钢琴教师、学生、钢琴爱好者、学生家长等各层面人士都能从中受益的著作。

作者简介

　　叶柳，旅美钢琴学者，音乐作家，乐评家，全美音乐教师协会会员，钢琴类期刊《钢琴艺术》杂志特约撰稿人，叶柳曾在中、美多家古典音乐专业期刊中发表作品三十余万字；14年第十届荷兰弗朗茨·李斯特国际钢琴比赛媒体奖评审委员（世界主要钢琴比赛之一，文化部推荐一类国际比赛项目）；第六届中国国际钢琴比赛嘉宾评论员、叶柳曾就读于中央民族大学音乐学院，获音乐教育学士学位；2008年作为访问学者在美国俄亥俄大学（Ohio University）做学术交流工作；后入读纽约城市大学（City University of NewYork），获得钢琴演奏、音乐文学双硕士学位；并在美国考取钢琴演奏、音乐学两个专业的博士研究生。叶柳自六岁开始学习钢琴，先后师从于叶德旭、魏廷格、朱雅芬、杨峻、麦迈、朱贤杰、Andre Aribou，JefFrey Biegel，Ursula Oppens等学习钢琴演奏及理论。

目录

第一章 世界钢琴名家访谈录
跨越时代与文化的钢琴教育传奇
访钢琴教育大师加里·格拉夫曼
大任于斯人，涅槃之琴声
访钢琴大师莱昂·弗菜舍
“如果你对现代主义音乐有强烈地自信，观众就会随着你的自信而来”
访美国著名新音乐演奏家厄休拉·奥本斯
博学、恭谦、严谨的大师
访杰罗姆·罗文塔尔
“以弹钢琴的方式作一个音乐家！”
访柯蒂斯兼朱利亚音乐学院教授西摩·利普金
结构的美感，逻辑的力量
访柯蒂斯音乐学院钢琴系主任兼朱利亚音乐学院教授罗伯特．麦克唐纳
“音乐是人类共同的灵魂语言”
访朱利亚音乐学院钢琴系主任卡普林斯基
“全能”音乐家
访阿里·瓦迪
“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”
访钢琴家、曼尼斯音乐学院钢琴系主任帕芙琳娜·朵科夫斯卡
个性、个性
访钢琴家，新英格兰音乐学院钢琴系主任布鲁斯·布鲁贝克
“结合所有的元素令音乐变得‘有意思”’
访钢琴教育家米考夫斯基
秉承俄罗斯学派传统的当代青年钢琴家
访亚历山大·科布林
“我确实觉得很幸福”
访钢琴家、教育家周广仁
寄黄河文化之回声，论钢琴音乐之东方
访钢琴家、作曲家殷承宗
灵性·哲思·品位
访青年钢琴家张昊辰
行走于中美钢琴文化之间
访俄亥俄首府大学音乐学院兼沈阳音乐学院教授、钢琴系主任王天舒
“要以‘怎样对学生最好’这个角度来考虑问题”
访钢琴家、教育家朱雅芬
“演奏要尊重历史，也要无愧于未来”
访国际钢琴巨星郎朗

第二章 当代钢琴教育文化面面观
“如果泉水不是从内心涌来，便不会使人感到甘甜清凉”
第三只眼看第六届中国国际钢琴比赛
怎样成为职业演奏家
浅论音乐社会现象之点滴
家长如何在钢琴教育中起到良好作用
浅论“陪读”
谈中国本土音乐学院的考学
谈钢琴的鉴定、选购和保养
美国音乐学院留学步骤指南
优秀留美学生介绍美国音乐院校及考学
“洋学”怎么考
朱利亚音乐学院的作曲与钢琴专业的“分工合作”
〇〇后钢琴家的音乐之路
人们所衷情和热爱的
两本“教科书”
色彩的幻想，幻想的色彩
辻井申行卡内基音乐会
山水源远的田园牧歌
解读古典大师的人生沉淀之语
大道从简，大制不割，大音希声
活跃的态度，前瞻的思维
听乐札记
后记

精彩书摘

　　《我们的钢琴时代》：
　　我最开始见到郎朗时，他甚至从未仔细听过西班牙音乐。如阿尔贝尼兹和格拉纳多斯的作品——虽然它们不是最重要的音乐会曲目，但却具有相当的难度和美感，因此，我建议郎朗学习这些作品。郎朗很快地走近了西班牙音乐，我建议他练习阿尔贝尼兹的“伊比利亚”组曲中的一两首，他却弹了八首。所以你要认识到每一位学生都是不同的个体，当他们长大一些，特点就会体现出来，这时他们演奏重要的音乐会，或参加比赛，你就可以按照他们的特长安排曲目。
　　叶：您教过郎朗很长时间。您认为是什么原因令他取得今天的成功？
　　格：他13岁来到这儿。很多种因素促成了他的成功。他有无与伦比的天赋，13岁之前给我寄来了他的肖邦所有练有练习曲的录音和“小柴”比赛夺冠的录像——他弹的是肖邦协奏曲。我想他小时候是没有太多机会与乐队合作协奏曲的，而比赛时与乐队排练的机会一定非常有限，然而，他的与乐队配合的能力是天然的，非常默契——肖邦协奏曲对配合能力要求很高，你不能有太多的rubato，但要有准确的感觉，又要配合指挥处理音乐。郎朗在这方面有难以言喻的天赋和内心感受力。并且，他很小的时候就有演奏大作品的能力，比如他弹的“舒曼幻想曲”十分精彩，那时他只有14岁。另外，郎朗拥有非凡的舞台感召力。你知道，塞尔金就没有这种感召力。他上台的感觉就像是一位幕后工作人员走错了地方。而郎朗，如同鲁宾斯坦，有强烈的号召力和“气场”。当我教郎朗的时候，每次告诉他我的意见。他都不只是照搬，而是加入自己的想法。在与别人合作时，他能十分认真的倾听其它乐器的声音——这一点是难能可贵的，因为他在中国读书的时候那里还不太重视室内乐课程。
　　叶：您的很多学生弹琴有很漂亮的音色，您是怎样让他们把握这些色彩的呢？
　　格：这需要想象力，要想象你在演奏其它乐器或在唱歌。有些人天生比其他人对声音色彩更感兴趣——霍洛维茨比塞尔金更加执着于音色——这不说明哪个好哪个不好，只是追求的不同。有意思的是，有时你还需要故意创造一些“丑陋的声音”，如《普罗科菲耶夫第七奏鸣曲》中的几处音乐。
　　叶：您平时和学生们交流音乐以外的话题吗？您觉得自己是不是学生们的好朋友？这里学生们的成长状态是什么样子的？
　　（这时张静宜同学说，加里不仅是钢琴教授，他更像一位精神导师，和他交谈可以增长智慧和影响我们对人生的态度，因为他的人格是这样的完美和令人敬佩。而且我们之间的交流也是促进教学的一个手段，学生们都喜欢听他讲话）
　　格：有些学生喜欢交流音乐之外的话题，有些学生更喜欢音乐话题。亚洲人，尤其是女学生对“老师”（中文发音）十分敬畏，而老师可以感受到这一点，这是一种交流的状态。有很多年轻的国际学生独自或只跟随一位家长来到这里学习和生活。很多年前，我父亲弗拉基米尔·格拉夫曼在圣彼得堡音乐学院学习小提琴，他与海费茨、艾尔曼、津巴利斯特是同一位老师的学生。那时他才十四岁而他的父亲已经去世了，他是最大的孩子，必须支撑家庭，所以他在学生时代还要在剧场和酒店里弹琴，赚了钱寄给家里——他只有十四岁却必须承担成年人的责任。而在柯蒂斯音乐学院，少小离家的学生也确实为数不少，甚至多于当年的圣彼得堡音乐学院。在这里，学生与教师交流的机会很多，因为柯蒂斯的学生很少，老师能照顾到每一个人。当我担任院长时只带两三个学生，因此我有时间教他们，我很难想象只有一个小时的钢琴课，因为弹一首贝多芬奏鸣曲也许就要25分钟，这样老师没法讲解更多的内容。
　　叶：您培养过许多优秀的职业演奏家，他们在您富有魅力的教学中受益匪浅。那么反过来，您有没有从您的学生那里学到过什么呢？
　　格：当然！我从他们那里受到过很多启发。有时我“嫉妒”他们，因为他们学习作品实在太快了！（笑）有的十七八岁的学生展示给我莫扎特、舒伯特、肖邦十七八岁时创作的作品，他们的演奏具有“同龄人的经验”。
　　……

乐音流转：二十世纪西方钢琴音乐的辉煌与变迁 一部深入剖析二十世纪以来西方钢琴音乐发展脉络的恢宏著作，旨在揭示不同时代、流派和作曲家对钢琴这一乐器潜能的极限探索与艺术革新。 本书并非聚焦于某一部特定的作品集或教学方法，而是以宏大的历史视野，梳理了自印象主义的朦胧色彩渗透至后现代主义的解构与重塑，钢琴音乐如何紧密贴合社会思潮与技术进步，完成其深刻的艺术嬗变。 --- 第一部分：世纪之初的色彩与梦境——印象主义与后浪漫主义的余晖（约1900-1930年） 二十世纪的曙光并非带来骤然的断裂，而是渐进的色彩晕染。本部分将详尽考察德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）如何通过对传统和声语汇的颠覆，将钢琴的音色转化为流动的光影与水波。我们将深入分析“全音阶”、“五声音阶”以及“和弦色彩”的运用，探讨钢琴如何从一个叙事性的乐器转变为一个描摹瞬间感受的调色盘。 重点研究对象包括： 1. 德彪西的“前奏曲”体系： 分析其如何构建微缩的音乐景观，以及他对踏板技巧的革新性要求，使之超越了纯粹的力度标记。 2. 拉威尔的“新古典主义”与炫技： 考察《镜子》与《加斯帕之夜》中，如何在继承李斯特式炫技传统的同时，注入内省式的精致与精准的结构控制。 3. 东欧的抒情转向： 探讨斯克里亚宾（Alexander Scriabin）对“神秘和弦”的执着探索，以及他如何试图将音乐提升至形而上学的境界，对键盘布局和共感觉现象的尝试性介入。 4. 英国与美国的早期声音： 简要涉及德彪西影响下的美国作曲家如艾尔伯特·鲁伊斯，以及英国作曲家德彪西、巴克斯等对民族音乐元素与印象主义技巧的融合。 本部分强调，这一时期的钢琴演奏要求新的触键理念，即“非机械性”的音色控制，以捕捉声音的瞬时衰减与泛音色彩。 --- 第二部分：结构与张力——新古典主义与序列主义的理性回归（约1920-1960年） 两次世界大战极大地冲击了浪漫主义的感性表达，促使作曲家转向对结构、清晰度和客观性的追求。本部分的核心是探讨“新古典主义”如何通过对巴赫、莫扎特等古典大师技法的引用与解构，重塑钢琴的表达方式。 1. 斯特拉文斯基与节奏的重塑： 分析《彼得鲁什卡》中的钢琴改编与原创钢琴作品中，如何将不规则的节拍、强烈的切分音和“音块”的运用，赋予钢琴全新的驱动力，使其不再受传统旋律线的束缚。 2. 新柏林乐派的逻辑： 聚焦于勋伯格、贝尔格和韦伯恩如何将十二音体系（Dodecaphony）应用于键盘音乐。本书将详细拆解序列的横向（旋律）与纵向（和声）组织原则，以及这套系统对钢琴演奏技术提出的前所未有的“平衡性”挑战——所有音高、力度、音色的等值性。 3. 巴托克与民族主义的现代性： 深入研究巴托克（Béla Bartók）如何将匈牙利与罗马尼亚的民间音乐节奏、音高结构，通过坚实的复调织体和打击乐化的音色融入钢琴创作，尤其关注其对踏板的谨慎运用，以保持音符的清晰度。 4. 俄国的力量与深度： 考察普罗科菲耶夫和哈恰图良的钢琴作品中，如何在高技术要求的炫技背后，隐藏着明确的叙事性与苏联时代的宏大叙事，以及他们对传统奏鸣曲形式的改造。 这一时期的钢琴家必须在情感的自发性与逻辑的严谨性之间找到新的平衡点。 --- 第三部分：极限的探索——战后先锋音乐与键盘的解放（约1950年至今） 随着电子媒介的兴起和传统音乐理论的瓦解，钢琴的“本质”受到了前所未有的拷问。本部分关注战后音乐家如何将钢琴视为一种“物质”和“声音发生器”，而不是仅仅一个“旋律乐器”。 1. 拼贴与随机性： 探讨约翰·凯奇（John Cage）对钢琴概念的颠覆性贡献。重点分析《四季钢琴曲》和《为协奏乐团所作的变奏》中“机遇操作”（Chance Operations）的引入，以及“准备钢琴”（Prepared Piano）的声学实验，如何将钢琴音色扩展到噪音、打击乐和无限延音的范畴。 2. 乐器本体的探索： 考察亨策、布列塞（Pierre Boulez）等如何将序列主义推向更复杂的数学模型，要求钢琴家不仅要演奏音符，还要控制音高之外的参数，如触键的力度曲线、琴弦的共振干扰等。 3. 极简主义与循环： 分析菲利普·格拉斯和史蒂夫·赖克等极简主义作曲家如何通过重复、微小的相位移动，以及极度精细的力度对比，使钢琴的声响产生冥想般、近乎催眠的效果，这要求演奏者具备极高的耐力和精准的机械性控制。 4. 现代演奏技法： 专门章节详细介绍现代钢琴演奏技巧的拓展，包括对琴弦直接弹奏、使用各种非传统工具敲击琴体，以及对延音踏板、柔音踏板（Una Corda）的非常规使用方法，旨在挖掘钢琴内部的声学潜力。 --- 结语：传统与未来的对话 本书的最后部分将总结二十世纪钢琴音乐发展的核心主题：对和声的解构与重构、对节奏的自由化、对传统音色概念的拓宽。 它将探讨当代钢琴家在面对这一复杂且数量庞大的曲目库时，如何在历史的传承（如对肖邦和德彪西的理解）与对前卫技法的掌握之间，建立起个人化的、富有说服力的演奏哲学。 本书面向所有对二十世纪艺术史、音乐理论或钢琴演奏有深入兴趣的读者，旨在提供一个全面、深入且极具启发性的研究视角，理解钢琴这一古典乐器如何成功地走过了一个充满革命与创新的百年历程。

评分☆☆☆☆☆

这部厚重的作品，初次捧在手里时，那种油墨与纸张混合的古朴气息就扑面而来，仿佛一下子被拉回到了那个充满时代回响的年代。我尤其欣赏作者在叙事上的那种克制而又深情的笔调，它没有过多华丽的辞藻堆砌，却能在平实的记录中，不动声色地勾勒出那个特定时期音乐生活图景的宏大与细微。书中对早期钢琴音乐家们的生平侧写，简直就是一场小型的人物志展览，每一个名字背后都隐藏着不为人知的挣扎与荣耀。他们如何跨越巨大的文化鸿沟，将西方的键盘艺术本土化，其中的艰辛与坚持，读来令人动容。更令人称道的是，作者对于社会变迁如何潜移默化地影响家庭音乐教育的观察，那不仅仅是技艺的传承，更是一种生活方式的更迭，从贵族沙龙到寻常百姓家的客厅，钢琴的意义在一次次社会震荡中被重新定义。我感觉自己不是在阅读一部历史书，而是在与一位睿智的长者对谈，听他娓娓道来那些被时间磨平却从未消失的印记。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到震撼的，是它挖掘出的那种“无声的对话”。作者没有把焦点仅仅放在那些舞台上的大师身上，反而花费了大量笔墨去描绘那些默默无闻的教师、修琴师，甚至是为钢琴家们提供场地和支持的幕后人物。正是这些微小的“齿轮”，才推动了整个音乐时代的巨轮前行。我能清晰地感受到，作者在这些叙述中流露出的对人性的深刻洞察——技术或许会过时，但对美的追求和对艺术的热情是永恒的。阅读过程中，我时常会停下来，思考现代社会中，我们又是如何对待这些“幕后英雄”的。这本书的价值，就在于它提供了一个观察历史的独特视角，它提醒我们，宏大的叙事背后，总是由无数个鲜活、具体的个体命运编织而成。这种温度感，是冷冰冰的文献资料所无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的内容广度与深度，远远超出了我最初的预期。它不仅仅是对某个音乐流派或某个地域钢琴发展的梳理，而是在试图构建一个完整的生态系统。作者对于钢琴乐器本身的演变史的描述尤其精彩，从最初的古钢琴到现代三角钢琴的每一步技术迭代，都与音乐家们对音色和力度的新需求紧密相连。这种“技术驱动艺术，艺术反哺技术”的良性循环，被作者剖析得淋漓尽致。读完之后，我重新审视了过去听过的许多经典录音，对那些细微的音色变化、速度的微调，都有了全新的理解和共鸣。它不是一本速食读物，而是一部需要慢品细嚼的佳酿，每一次重读，都会有新的感悟和发现，它彻底改变了我对“钢琴音乐史”这一概念的固有认知框架。

评分☆☆☆☆☆

从装帧设计上来看，这本书的整体感觉非常大气、沉稳，体现了出版方对内容价值的尊重。翻开内页，那种清晰的排版和恰到好处的留白，让阅读体验变得极为舒适，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到疲劳。作者在处理一些历史遗留的争议性问题时，展现出一种令人信服的公正与严谨，他既不偏袒任何一方，而是尽可能地呈现多方资料和观点，让读者自己去权衡和判断。这种处理方式，极大地提升了作品的学术可信度，同时也培养了读者独立思考的习惯。对于音乐史爱好者而言，这本书无疑是一份珍贵的参考手册，它不仅提供了知识，更提供了一种研究问题、梳理史料的方法论。我甚至开始对照着书中的时间线索，去寻找更多相关的历史资料进行交叉验证，这本书成功地激发了我更深层次的求知欲。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，初读这本书时，我有一种深深的沉浸感，那种感觉就像是推开了一扇尘封已久的小阁楼的门，里面的一切都带着光影流转的质感。作者对乐理知识的阐释，处理得极为巧妙，完全避开了那种枯燥的教科书式讲解，而是将其融入到对作品美学特征的分析之中。例如，当他谈到某个时期流行的踏板技巧时，他会立刻关联到当时的钢琴制造工艺的限制与进步，这种跨学科的视角极大地拓宽了我的理解维度。我特别喜欢其中几章对于“风格模仿”与“本土创新”之间张力的探讨，这不仅是音乐史上的一个重要命题，更是理解一个文化如何实现自我转化的关键。这本书的结构安排也极具匠心，章节间的过渡流畅自然，仿佛音乐的乐章一气呵成，让人忍不住想一口气读完，去追寻那个时代声音的终点与新的起点。

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选

评分☆☆☆☆☆

购买图书类商品京东是我的首选