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☆☆☆☆☆

王亚蓉 著

图书标签:

• 刺绣
• 中国传统工艺
• 手工
• 艺术
• 文化
• 民俗
• 技法
• 图案
• 装饰
• 服饰

出版社： 万卷出版公司

ISBN：9787547046951

版次：1

商品编码：12293333

包装：精装

开本：8开

出版时间：2018-01-01

用纸：胶版纸

页数：546

字数：500000

正文语种：中文

内容简介

　　王亚蓉关于中国传统刺绣的学术专著已完成，值得祝贺。她嘱我作序。
　　我与王亚蓉在考古学术上共事，自20世纪70年代至今已逾40年。在这漫长的岁月里，她先是在中国社会科学院考古研究所技术室从事考古绘图，继之协助王（予予）对田野考古发掘中发现的纺织遗物进行清理、保护、提取、修整、复原、研究工作。后来随王（予予）一起到历史研究所，协助沈从文从事中国古代服装史研究。王（予予）逝世后，王亚蓉继续将重点放在田野考古发掘中出土纺织遗物的保护、提取和修整、复原方面。这是需要极为仔细、耐心而精致的工作，要有高度的责任心，王亚蓉堪称具有“大国工匠”精神①。虽然她早已过退休年龄，仍然孜孜不倦地工作，其精神值得敬佩。
　　对田野考古发掘所获得的有关服饰、织物的科学标本的研究工作，不断反映在有关中国古代服饰史和中国古代丝绸史等专著之中，考古工作者进行过全面系统的分析、研究，唯有其中有关刺绣遗物的科学标本，一直缺乏全面深入系统的梳理和探研。
　　提起田野考古发掘中获得的关于中国古代刺绣的科学标本，就必须回溯新中国成立后考古工作的成就。在20世纪初，人们了解中国古代的刺绣，只能从传世的文物去观察。但传世的都是很晚的标本，一般只是迟至明清时的刺绣品。至于先秦至汉魏的刺绣，只能依据文献的记录来想象其华美形貌。只是在气候条件适宜保持纺织品的新疆地区，一些外国探险家发现过一些残片。到20世纪50年代，随着新中国成立后田野考古发掘的发展，古代刺绣的标本才逐渐被发掘出土。在50年代，大量获得的考古标本还是晚期的制品，主要是在北京明定陵发掘中出土所得。随后在新疆、甘肃等省区对汉代墓葬的考古清理发掘中，不断获得汉绣的实物标本，特别是新疆民丰尼雅的出土品，使人们得以重见汉绣的真实风貌。到70年代至80年代，更不断有关于汉绣和更早的先秦时期的重要考古发现，丰富了人们对先秦至西汉时期刺绣的认识。其中对汉绣标本重要的发现，是对湖南长沙马王堆一号西汉墓的发掘，此墓内埋葬的是西汉时轪侯的夫人，随葬的衣物保存完好，其中有许多刺绣品。

作者简介

　　杨泓，1935年12月12日生于北京，满族。中国社会科学院考古研究所研究员，中国社会科学院研究生院考古系教授、博士生导师，国家文物鉴定委员会委员。2013年中国美术家协会授予其“卓有成就的美术史论家”荣誉称号。主要从事中国汉唐考古学、美术考古学和古代兵器研究。著述有《中国古兵器论丛》（1980，文物出版社）、《中国美术考古发现史》（2015，人民美术出版社）、《中国古兵与美术考古论集》（2007，文物出版社）、《中国汉唐考古学九讲》（2015年，文物出版社）、《中国美术考古学概论》（合著，2008年，中国社会科学出版社）等。

内页插图

目录

代序
序
中国刺绣古今

上篇 中国刺绣概述
一 古朴瑰丽的先秦刺绣
文献以佐：文字中的先秦刺绣
考古以证：自地下而来的绝美华彩
二 风华绝代的两汉刺绣
对外交流：“丝绸之路”上大放异彩
地下辉煌：举国流行的刺绣纹样
三 以信仰为主导的魏晋南北朝刺绣
四 不拘一格的隋唐刺绣
贸易流通：“钱帛兼行”促进发展
从宫廷到民间：奢华有度的刺绣艺术
五 文艺气息浓郁的宋代刺绣
精益求精：手工业中的绣艺发展
文人格调：精美的画绣结合
六 精致秀丽的辽金刺绣
融会贯通：技艺娴熟的辽代刺绣
开拓奠基：影响后世的女真人刺绣
七 华丽粗犷的元代刺绣
八 大繁荣的明代刺绣
遍地生花：民间刺绣的崛起
与先人共舞：文物复制中的研究收获
九蓬勃发展的清及近代刺绣
竞新斗奇：皇族贵胄的好尚引领潮流
妇无不巧：近代民间刺绣中的技艺比拼

中篇 中国刺绣技艺
一 传统刺绣针法及材料
（一）传统刺绣材料
（二）基本刺绣针法
二 在文物修复与鉴定中探寻中国刺绣技艺
（一）楚风悠扬：文物修复始知针尖下的震撼
（二）关心所致：一件应帝王要求完成的绣品

下篇 中国刺绣赏析
一 传统刺绣在衣饰、佩饰中的表现
（一）腰间杂佩
（二）绣衣
（三）衣饰佩件
（四）挽袖及装饰绣片
（五）肚兜
（六）其他
二 礼仪、日用及装饰性绣件的刺绣技艺展示
三 中国刺绣在宗教信仰中的表现

后记
前行者，盼后来人

前言/序言

　　王亚蓉关于中国传统刺绣的学术专著已完成，值得祝贺。她嘱我作序。
　　我与王亚蓉在考古学术上共事，自20世纪70年代至今已逾40年。在这漫长的岁月里，她先是在中国社会科学院考古研究所技术室从事考古绘图，继之协助王（予予）对田野考古发掘中发现的纺织遗物进行清理、保护、提取、修整、复原、研究工作。后来随王（予予）一起到历史研究所，协助沈从文从事中国古代服装史研究。王（予予）逝世后，王亚蓉继续将重点放在田野考古发掘中出土纺织遗物的保护、提取和修整、复原方面。这是需要极为仔细、耐心而精致的工作，要有高度的责任心，王亚蓉堪称具有“大国工匠”精神①。虽然她早已过退休年龄，仍然孜孜不倦地工作，其精神值得敬佩。
　　对田野考古发掘所获得的有关服饰、织物的科学标本的研究工作，不断反映在有关中国古代服饰史和中国古代丝绸史等专著之中，考古工作者进行过全面系统的分析、研究，唯有其中有关刺绣遗物的科学标本，一直缺乏全面深入系统的梳理和探研。
　　提起田野考古发掘中获得的关于中国古代刺绣的科学标本，就必须回溯新中国成立后考古工作的成就。在20世纪初，人们了解中国古代的刺绣，只能从传世的文物去观察。但传世的都是很晚的标本，一般只是迟至明清时的刺绣品。至于先秦至汉魏的刺绣，只能依据文献的记录来想象其华美形貌。只是在气候条件适宜保持纺织品的新疆地区，一些外国探险家发现过一些残片。到20世纪50年代，随着新中国成立后田野考古发掘的发展，古代刺绣的标本才逐渐被发掘出土。在50年代，最早大量获得的考古标本还是晚期的制品，主要是在北京明定陵发掘中出土所得。随后在新疆、甘肃等省区对汉代墓葬的考古清理发掘中，不断获得汉绣的实物标本，特别是新疆民丰尼雅的出土品，使人们得以重见汉绣的真实风貌。到70年代至80年代，更不断有关于汉绣和更早的先秦时期的重要考古发现，丰富了人们对先秦至西汉时期刺绣的认识。其中对汉绣标本最重要的发现，是对湖南长沙马王堆一号西汉墓的发掘，此墓内埋葬的是西汉时轪侯的夫人，随葬的衣物保存完好，其中有许多刺绣品。

好的，这是一部关于中国传统戏曲服饰的专著的简介，它将深入探讨戏曲服装的起源、发展、种类、工艺及其在舞台艺术中的象征意义，完全不涉及任何关于刺绣的内容。 --- 华服乾坤：中国戏曲服饰的千年流光 一部立体呈现中国舞台美术灵魂的恢弘巨著 导言：帷幕拉开，历史着色 中国戏曲，被誉为“活的艺术博物馆”，其博大精深的表演体系中，服饰（行头）占据着至关重要的地位。它们不仅是人物身份、性格、命运的视觉符号，更是凝聚了数百年民间审美情趣与精湛手工技艺的物质载体。 本书《华服乾坤：中国戏曲服饰的千年流光》并非聚焦于某一特定剧种或某一种工艺技术，而是以宏大的历史视野和细腻的实物观察，构建了一部全面梳理中国戏曲服饰体系的学术专著。我们旨在揭示，这些穿行于舞台之上的“行头”，是如何从历史的泥土中生长出来，并最终成为构成戏曲美学不可或缺的一环。 全书分为五大部分，以时间为轴，以功能为纲，辅以大量的珍稀图片与严谨的考证，力求还原中国戏曲服饰的真实面貌与深层意涵。 --- 第一部：溯源与奠基——形制的演变史 本部分追溯中国舞台服饰的源头，探究其如何从古代祭祀、百戏的装束中脱胎换骨，逐渐定型为今日所见的戏曲“规制”。 1. 远古遗风与宫廷礼制： 考察汉代乐舞、唐代参军戏、宋元傀儡戏与杂剧中的衣冠形制，阐明“法古不泥古”的原则如何被确立。重点分析了百戏服饰与教坊乐舞对早期戏装的影响，展现出服饰由实用向程式化过渡的初级阶段。 2. 元杂剧的简约与定型： 深入探讨元代戏曲的舞台限制如何迫使服饰追求简洁、符号化的表达。分析“上马”、“下马”、“哭丧”等基本动作的服饰要求，探讨早期褶子（General Robes）、靠旗（Shoulder Plumes）等标志性部件的诞生背景。 3. 明清高峰与流派纷呈： 详述明代南戏的华丽转向与清代昆曲的精致化对服饰美学的提升。重点梳理清宫戏班对戏服形制的标准化与等级化推动作用，解释了“蟒、帔、靠、巾”四大基本结构如何在这一时期得到最终巩固，并开始分化出各自的系统。 --- 第二部：形制精解——四大服饰体系的结构剖析 本部分是全书的核心，对中国戏曲服饰的四大主要类别进行结构化、模块化的拆解研究。 1. 蟒袍系（Emperor and Officials）： 详解“蟒”的结构特征——圆领、大襟、两侧开衩、无水袖。探讨不同品级官员的蟒袍在“纹样填充”（此处指图案的布局与排布，非工艺细节）和配件上的微妙区别。分析飞鱼服、飞鱼蟒、朝服蟒等变体的差异性。 2. 帔帛系（Scholars and Gentry）： 重点分析帔（Pèi）的飘逸感来源及其在表现文人雅士、侠义之士时的功能。详述帔子的形制（如“二色帔”、“云肩帔”）、穿戴方式，及其与褶子在视觉上的重叠与区分。 3. 靠甲系（Generals and Warriors）： 深入研究靠（Kào）的“铠甲”属性，如何通过硬衬、垫肩和背后的靠旗（战旗）来实现威武的视觉效果。考察靠旗的数量、颜色（如“四旗”、“八旗”）与身份、阵营的对应关系，以及马褂在武打场面中的辅助作用。 4. 褶子系（Commoners and Minors）： 褶子作为使用频率最高的服饰，本部分探讨其“常服”的特质。分析直裰、圆领褶、立领褶等基本形制，以及如何通过色彩（红、蓝、黑、绿）和袖头（水袖与窄袖）的搭配来指示人物的社会阶层和年龄。 --- 第三部：点睛之笔——配件与头面的符号语言 服饰的魅力在于细节。本部分专注于那些虽小但功能强大的配件系统。 1. 功勋与位阶的标志——靠旗与翎子： 详述靠旗的固定方式、材质的演变，以及它们如何随着武将的动作在舞台上形成动态的视觉冲击。对翎子（雉毛）的材质、插法、弯曲程度与人物性情（如“凤翅翎”、“鬼字翎”）的关系进行分类研究。 2. 步履与气场——鞋靴的定制： 剖析戏靴（如厚底、薄底、皂靴）的结构与穿着技巧，特别是马靴（又称“高底靴”）如何通过增高和特定的步法来弥补演员身高不足或强化角色气场。 3. 身份的宣言——巾帽规制： 详尽分类和图解各类头面，如官员的乌纱帽、展角、皂罗巾，女性的发饰（如“大拉翅”、“鬏鬏”），以及武将的头盔、盔额。阐释头饰在面部表情无法完全外露时，如何承担“上半部表情”的任务。 --- 第四部：流派风格与地域差异的服饰体现 戏曲服饰并非铁板一块，它随着地域、剧种的演变而展现出显著的差异性。 1. 南北派的审美分野： 对比以京剧为代表的北方（京津）服饰的“大气、端正、浓烈”与以昆曲、越剧、川剧为代表的南方服饰的“细腻、婉约、清雅”之间的风格差异。例如，京剧靠衣的肩部处理与南派昆曲靠衣的相对柔和的对比。 2. 地方剧种的服饰创新： 聚焦于川剧的“变脸服”（不涉及变脸本身的技术，只讨论其外层服装的结构）、粤剧的“南派大靠”与秦腔的“粗犷花边”等地方特色，分析这些创新如何适应当地的表演环境和审美偏好。 3. 丑角的“反向设计”： 专门研究丑角服饰的反程式化设计理念。探究其服饰如何故意打破正装的比例与规范，以达到喜剧和讽刺的效果，例如“破烂褶子”与“歪帽”的搭配学问。 --- 第五部：舞台的魔术——服饰的实用功能与变革 最后一部分关注戏服在舞台实践中的技术层面和历史流变。 1. 视觉优化与“幻术”： 探讨戏服如何通过高饱和度的色彩、夸张的廓形和特定的材质选择（如丝绒、绸缎的对比），在传统灯光下最大化舞台视觉冲击力，实现“远看成形，近看有物”的舞台效果。 2. 动作辅助与限制： 分析水袖的长度、靠旗的平衡点、以及蟒袍的开衩设计如何精确服务于“亮相”、“起霸”、“趟马”等关键动作。同时也讨论了现代戏曲改编对传统服饰结构进行的轻量化、高弹性的适应性改造。 3. 幕后管理与传承： 简要介绍戏班中“衣箱师傅”的职责，以及戏服的日常保养、存储和修复工作，强调了服饰作为非物质文化遗产实物载体的重要性。 结论： 中国戏曲服饰，是舞台上的“历史教科书”和“色彩交响曲”。它们以独特的造型语言，超越了文字和音乐的局限，向世人诉说着中华五千年文化的形制之美与精神气度。 --- 本书特色： 结构严谨： 以历史脉络为骨架，以功能分类为枝干，构建完整的服饰知识体系。 考据扎实： 结合舞台史料、戏曲文献与当代戏服实物，力求准确还原历史细节。 图文并茂： 收录大量清末至民国时期的舞台剧照与当代名家演出服饰的高清局部图，直观展示其工艺与美学。 适合读者： 戏曲研究学者、舞台美术设计专业人士、历史服饰文化爱好者以及所有对中国传统艺术充满好奇的读者。

评分☆☆☆☆☆

最近，我沉浸在一本名为《中国刺绣》的书籍中，其内容之丰富、视角之独到，着实让我耳目一新。这本书并非仅仅罗列刺绣的针法和图案，而是将刺绣置于广阔的中国历史文化背景下进行深入剖析。它仿佛一本精美的画册，又似一本引人入胜的史书，让我得以窥探中国刺绣艺术从起源、发展到各个流派兴盛的脉络。书中对不同地域刺绣风格的对比分析，极具启发性。例如，将苏绣的婉约清丽与湘绣的粗犷泼辣并置，让我清晰地感受到了地域文化对艺术风格的深远影响。作者在描述刺绣技法时，语言生动形象，即使是对于非专业读者，也能通过文字和图片构建出清晰的工艺流程图。我尤其欣赏书中关于刺绣在宫廷、民间以及文人生活中的应用场景的描绘。那些精美的龙袍、华丽的戏服、雅致的书画屏风，都凝聚了绣娘们的巧思与心血。这本书让我意识到，刺绣不仅仅是一种手工技艺，更是中国古代社会生活、审美情趣以及思想观念的载体。它承载着人们对美好生活的向往，也折射出那个时代女性的才情与智慧。读这本书，仿佛进行了一场穿越时空的文化之旅，让我对中国传统艺术的博大精深有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

最近我迷上了一本名为《中国刺绣》的书，虽然我之前对刺绣的了解仅限于电视上偶尔闪过的华丽宫廷服饰，但这本书彻底颠覆了我对它的认知。它不仅仅是关于针线和丝线的技艺，更像是一部流动的历史画卷，一幅关于中国女性智慧与审美的情感史诗。当我翻开它，仿佛穿越了千年的时光，看到了古老绣娘们在昏黄的灯光下，一针一线地将对生活的热爱、对自然的敬畏、对美好事物的向往，以及那些深藏于心的故事，都凝聚在柔软的丝线之上。我被书中所描绘的各种刺绣技法深深吸引，比如苏绣的精巧细腻，湘绣的生动传神，粤绣的绚丽多姿，还有顾绣的素雅脱俗。每一种技法都仿佛是独立的语言，诉说着不同地域的风情与文化。书中的插图精美绝伦，那些丝线交织出的花鸟鱼虫、山水人物，栩栩如生，仿佛随时都能跃然纸上，令人叹为观止。我尤其喜欢书中关于刺绣图案寓意的解读，那些看似寻常的花草纹样，背后却承载着如此丰富的象征意义，寄托着人们对吉祥、长寿、幸福的期盼。读这本书，我不仅仅是在学习一种技艺，更是在感受一种文化，一种流传千年的东方美学。它让我意识到，在中国漫长的历史长河中，刺绣早已超越了单纯的实用功能，成为了一种艺术表达、一种文化传承，甚至是一种精神寄托。我迫不及待地想尝试自己动手，用笨拙的双手去感受那份指尖的温度，去重现书中所描绘的那些令人心动的细节。

评分☆☆☆☆☆

《中国刺绣》这本书，与其说是一本关于技艺的书，不如说是一次与中国古代女性心灵的深度对话。我被书中那些详尽的工艺流程和精美的实例图片深深打动。它不仅仅展示了苏绣、湘绣、粤绣、顾绣等几大名绣的风采，更深入地挖掘了每一种刺绣背后蕴含的地域文化和历史渊源。我惊叹于绣娘们如何用最朴素的工具，将五彩斑斓的丝线幻化成栩栩如生的画面。书中的一些章节，详细地介绍了不同绣法的针法、线材选择、色彩搭配，甚至连布料的质地都一一考究，仿佛亲临绣坊，感受那份一丝不苟的匠人精神。最让我印象深刻的是，书中不仅着墨于技法，还花了大量篇幅去讲述刺绣与民俗、宗教、以及文人雅士生活之间的联系。那些绣在服饰上的吉祥图案，绣在书画上的意境表达，无不展现了刺绣在中国社会生活中扮演的多重角色。我看到了刺绣如何成为一种表达情感、传递祝福的载体，如何成为女性才华与智慧的象征。读完这本书，我感觉自己对中国传统文化有了更深层次的理解。它让我看到，在那些看似柔弱的丝线背后，蕴藏着如此坚韧、细腻、充满生命力的东方智慧。我开始对那些曾经被我忽视的古老绣品产生了浓厚的兴趣，也开始思考，在现代社会，如何才能让这份古老的技艺焕发新的生命力。

评分☆☆☆☆☆

初次接触《中国刺绣》这本书，就被它那古朴典雅的书名所吸引。然而，当我翻开它，却发现这远不止是一本简单的技艺介绍。它是一部关于中国刺绣艺术的百科全书，更是一次穿越历史的文化之旅。书中对中国刺绣起源、发展及其演变过程的梳理，脉络清晰，详略得当。作者对各大流派，如苏绣、湘绣、粤绣、顾绣等，都进行了深入的探讨，不仅分析了它们的技法特点，更挖掘了其背后所蕴含的地域文化、民俗风情以及审美观念。我尤其赞赏书中对刺绣作品的解读。那些精美的绣品，在作者的笔下，仿佛拥有了生命，诉说着一个个古老的故事，传递着一代又一代人的情感与智慧。书中对于色彩运用、针法变化、题材选择的阐释，既专业又易懂，让我这个对刺绣了解不深的人，也能体会到其中的妙趣。这本书让我看到了刺绣作为一种艺术形式，如何在中国社会历史的长河中，扮演着重要的角色，如何与文学、绘画、建筑等其他艺术形式相互辉映。它不仅仅是关于线与针的艺术，更是关于中国文化、中国女性心灵的艺术。读完这本书，我仿佛置身于一个古老而充满魅力的刺绣世界，对中国传统艺术的敬意油然而生。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前对中国刺绣的了解仅限于一些零散的印象，直到我翻阅了《中国刺绣》这本书，才真正领略到它的博大精深。这本书不仅仅是一本技艺手册，更像是一扇窗户，让我得以窥探中国绵延千年的刺绣文化。它详细介绍了不同地域的刺绣风格，比如苏绣的细腻雅致，湘绣的生动传神，粤绣的五彩斑斓，以及顾绣的素净高雅，让我惊叹于同一门艺术在不同地域文化滋养下所呈现出的多样性。书中对于每一种绣法的讲解，都力求精准而详实，搭配着精美的插图，即使是初学者也能窥得门径。我特别喜欢书中关于刺绣图案寓意的解读，那些看似简单的花鸟鱼虫，都蕴含着丰富的象征意义，寄托着人们对生活的美好祝愿。这本书让我看到，刺绣不仅仅是装饰，更是历史的见证，文化的传承，以及情感的表达。它让我意识到，在中国漫长的历史中，有多少女性的智慧与汗水，都凝聚在那一针一线之中，化作了流传后世的艺术瑰宝。这本书的阅读体验，是一种沉浸式的文化体验，它让我重新审视了中国传统艺术的价值，也激发了我对刺绣这门古老技艺的浓厚兴趣。