简谱知识（升级版）/音乐小常识丛书 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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教莉 编

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出版社： 山西教育出版社

ISBN：9787544097703

版次：1

商品编码：12318500

包装：平装

丛书名： 音乐小常识丛书

开本：32开

出版时间：2018-02-01

用纸：胶版纸

页数：144

正文语种：中文

内容简介

　　《简谱知识（升级版）/音乐小常识丛书》是一本集简谱的基础乐理知识、节奏训练、视唱练习及音乐小常识和音乐故事于一体的音乐基本训练教程。全书由浅入深，循序渐进，尤其注重基本乐理知识与基本技能（识谱）的系统训练，节奏和视唱曲比重较大，力求通过学习，使读者逐步掌握和提高简谱的识谱能力。

作者简介

　　教莉，1957年生人，1983年毕业于山西大学艺术系扬琴专业。毕业后任教于华北广播电视学校（后更名为广播电影电视管理干部学院，现为山西传媒学院），2003年调入北京农学院。多年从事基础乐理、视唱练耳、音乐欣赏等音乐基础教学工作。

目录

第一讲
一、基础乐理音高的标记、唱名和音名、音的分组
二、节奏练习曲X、X-的练习
三、视唱练习曲二度、三度音程的练习
四、音乐知识谁发明了简谱

第二讲
一、基础乐理半音和全音、变化音
二、节奏练习曲X的练习
三、视唱练习曲四度、五度音程练习
四、音乐家的故事模仿

第三讲
一、基础乐理音的长短的标记、附点、延音线、休止符
二、节奏练习曲X的练习
三、视唱练习曲六、七、八度音程练习，十六分音符练习
四、音乐常识什么是音乐儿童

第四讲
一、基础乐理节奏、节拍、小节
二、节奏练习曲0休止符、·附点的练习
三、视唱练习曲0休止符、·附点的练习
四、音乐故事弹琴天使

第五讲
一、基础乐理
拍子的标记、单拍子与复拍子、拍子的强弱规律、混和拍子、变换拍子
二、节奏练习曲3/4、3/8、4/4、混合、变换拍子的练习
三、视唱练习曲各种拍子的练习
四、音乐常识怎样学好视唱

第六讲
一、基础乐理
切分音、弱起小节、音值组合法、音值的基本划分和特殊划分
二、节奏练习曲切分节奏、弱起小节、三连音的练习
三、视唱练习曲切分音、三连音的练习
四、音乐故事屠夫与海顿

第七讲
一、基础乐理常用记号
二、节奏练习曲各种反复记号的练习
三、视唱练习曲反复记号、装饰音的练习
四、音乐常识管弦乐队的组成

第八讲
一、基础乐理其他常用记号
二、节奏练习曲延音线的练习
三、视唱练习曲其他常用记号、连线的练习
四、小测验你能指出下列各位音乐家所用的乐器是什么吗？

第九讲
一、基础乐理调、音域、音区
二、节奏练习曲连续切分节奏的练习
三、视唱练习曲连续切分和连线的练习
四、音乐家的故事导师

第十讲
一、基础乐理音程的构成与识别
二、节奏练习曲X复杂节奏的练习
三、视唱练习曲综合练习
四、音乐常识民族乐队的组成

第十一讲
一、基础乐理
音程的转位、音程转位的规律、协和与不协和音程、单音程与复音程
二、节奏练习曲三连音的复杂节奏练习
三、视唱练习曲临时变化音的练习
四、音乐家的故事人人羡慕的人

第十二讲
一、基础乐理三和弦、三和弦的分类
二、节奏练习曲双声部简单节奏练习
三、视唱练习曲双声部练习
四、音乐常识父母应当怎样设计音乐儿童的未来

第十三讲
一、基础乐理原位三和弦和转位三和弦、三和弦的转位
二、节奏练习曲双声部练习
三、视唱练习曲双声部练习
四、音乐家的故事托斯卡尼尼的记忆

第十四讲
一、基础乐理七和弦、七和弦的分类
二、节奏练习曲双声部练习
三、视唱练习曲双声部练习
四、音乐常识孩子音乐才能的表现

第十五讲
一、基础乐理原位七和弦和转位七和弦、七和弦的转位
二、节奏练习曲双声部练习
三、视唱练习曲双声部练习
四、音乐家的故事求学记

第十六讲
一、基础乐理调式、音阶、大调式、小调式
二、节奏练习曲复杂节奏练习
三、视唱练习曲大、小调式练习
四、音乐常识电子琴的始祖

第十七讲
一、基础乐理五声调式、五声调式的各种调式
二、节奏练习曲复杂节奏练习
三、视唱练习曲五声调式练习
四、音乐知识奥尔夫教学法

第十八讲
一、基础乐理音乐的速度、力度、表情术语
二、节奏练习曲复杂节奏练习
三、视唱练习曲速度、力度、表情的练习
四、音乐常识关于音乐神童

音乐之旅：探索古典名曲的奥秘 本书旨在带领读者领略古典音乐的博大精深，通过深入浅出的文字和丰富的实例分析，揭开那些耳熟能详却又鲜为人知的音乐作品背后的故事与技巧。我们不关注符号的解读，而是聚焦于音乐的灵魂——情感的表达、结构的精妙以及历史的沉淀。 第一章：巴赫的“数学”与灵魂的对话 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，这位被誉为“西方音乐之父”的作曲家，其作品以严谨的复调技巧和深邃的精神内涵著称。本章将重点剖析《平均律键盘曲集》以及《赋格的艺术》中的经典范例。我们不从乐理术语入手，而是探讨巴赫是如何运用对位法（Counterpoint）来构建复杂而又和谐的音乐织体。 想象一下，两条或多条独立的旋律线如何在时间和音高上交织缠绕，如同精密的齿轮咬合，却又共同服务于一种崇高的精神表达。我们将细致考察《平均律》中C大调第一号前奏曲（BWV 846）的纯粹与克制，分析其看似简单的琶音进行中蕴含的运动规律。随后，深入到赋格曲的结构，以《D小调第二号赋格》（BWV 851）为例，解析主题（Subject）的引入、呈示部、展开部以及再现部的逻辑推演。重点在于理解巴赫如何通过模进（Modulation）和模仿（Imitation）来维持作品的张力，最终导向一种超脱尘世的宁静感。 本章还会简要提及巴赫在管风琴作品中对音色和踏板技巧的革新，以及他如何在教会音乐中实现世俗技巧与宗教情感的完美融合。我们将尝试回答：巴赫音乐中的“数学美”是如何转化为人类最深层的情感体验的？ 第二章：莫扎特：天才的肖像与舞台的魔力 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特，这位音乐神童的创作生涯虽然短暂，却留下了横跨歌剧、协奏曲、奏鸣曲和室内乐的辉煌遗产。本章侧重于解析莫扎特音乐中那标志性的“清晰、和谐与优雅”，以及隐藏在这表象之下的深刻人性洞察。 我们将聚焦于他成熟期的钢琴协奏曲，特别是《降B大调第27号钢琴协奏曲》（K. 595）。协奏曲作为一种对话形式，莫扎特如何让独奏乐器与管弦乐队进行平等的交流，而非简单的炫技？分析其呈示部中主题的两次出现，以及华彩乐段（Cadenza）的即兴魅力——尽管许多华彩已由后人补全或改写，但莫扎特的原意在于展现乐思的灵活性和演奏者的瞬间创造力。 在歌剧领域，本章将深入探讨《费加罗的婚礼》和《唐璜》中的角色塑造。莫扎特对人声旋律的把握达到了炉火纯青的地步，他如何运用咏叹调（Aria）和宣叙调（Recitative）来推动剧情？例如，在《唐璜》中，他如何用音乐的色彩和织体变化来区分贵族阶层的浮华与平民阶层的真挚情感？我们将详细解读著名的二重唱和重唱段落，体会莫扎特对戏剧冲突的音乐化处理能力。 第三章：贝多芬：从古典到浪漫的桥梁 路德维希·凡·贝多芬的工作标志着音乐史上一个重大的转折点——从古典主义的规范走向浪漫主义的激情释放。本章将以他的九部交响曲和晚期弦乐四重奏为例，探讨他是如何将个人意志和挣扎融入宏大的音乐结构之中。 我们将细致考察“英雄”——《第三号“英雄”交响曲》（Op. 55）。这首作品如何突破传统交响曲的界限？分析其第一乐章奏鸣曲式的扩展，特别是发展部那段史诗般的冲突，以及葬礼进行曲（第二乐章）中对死亡与永恒的哲学思考。 随后，我们将转向贝多芬的晚期作品，例如《D小调第九交响曲》的“欢乐颂”主题。我们不着眼于合唱的加入有多么创新，而是探讨“欢乐”这一概念是如何在历经前三个乐章的挣扎与探索之后，才得以最终确立其崇高地位的。本章的重点在于理解贝多芬音乐中的“动机发展”——即一个简单的音乐片段如何被不断地变形、发展，直至构建起整个宏伟的建筑。 第四章：浪漫主义的色彩与诗意 十九世纪的音乐世界充满了对自然、爱情、死亡和超自然力量的迷恋。本章将带领读者领略肖邦、李斯特和舒曼等作曲家如何将诗歌的意境和个体的细腻情感融入音乐。 肖邦的作品几乎完全专注于钢琴，他如何将波兰民族精神融入夜曲（Nocturne）和玛祖卡（Mazurka）？我们将分析肖邦如何使用踏板创造出“歌唱性”的音响效果，以及他如何将即兴感与精确的结构结合起来。 李斯特的“交响诗”（Symphonic Poem）是浪漫主义叙事音乐的典范。我们将以《前奏曲》（Les Préludes）为例，解析李斯特如何使用“主导动机”（Motive Transformation）技术，将一个核心的音乐主题在不同的情绪和情境中进行彻底的转变，从而讲述一个完整的故事。 舒曼的艺术歌曲（Lied）则是文学与音乐结合的典范。我们将探讨他如何通过钢琴伴奏来描绘歌词中的环境氛围和人物心理，实现“一首诗的两个声音”。 第五章：德彪西与印象主义：捕捉瞬间的光影 进入二十世纪，音乐的焦点从宏大的叙事转向对瞬间感觉和微妙氛围的捕捉。克劳德·德彪西被誉为“音乐界的印象派大师”。本章将探讨他如何打破传统的调性束缚，运用全新的音色和节奏感来描绘自然界的景象。 我们将分析《牧神午后前奏曲》（Prélude à l'après-midi d'un faune）如何通过长笛的引入、全音阶（Whole-tone Scale）的使用以及对和声色彩的偏爱，营造出一种梦幻、朦胧的听觉空间。这种音乐不再是“描述”一个场景，而是“成为”那个场景。 此外，本章还将简要探讨拉威尔在管弦乐配器上的精湛技艺，特别是《波莱罗舞曲》中令人着迷的、看似单调却层层递进的配器叠加法，展示了节奏的纯粹力量如何支配听觉的感知。 本书的最终目标是培养读者对音乐的“听力”——不仅是听到音符，更是听到结构背后的意图，理解作曲家在特定历史背景下所做的美学选择。通过对这些经典作品的深度剖析，读者将能够以更丰富、更有洞察力的方式走进古典音乐的殿堂。

评分☆☆☆☆☆

我给这本书的评价是“久旱逢甘霖”。我一直在寻找一本能系统梳理简谱知识，并且能够提供超越基础认知的深度解析的书籍。这本书的深度和广度都超出了我的预期。它不仅是对基础知识的“升级”，更是对一些传统教学盲区的补充和纠正。比如，书中对休止符的“精确度”的讨论，强调了休止符在音乐结构中的支撑作用，而不是简单地理解为“沉默的时间”。这种对音乐元素的精微洞察，让我对乐谱的理解提升到了一个新的维度。排版上，很多关键概念都用醒目的颜色和粗体进行了强调，使得快速查找和复习变得非常便捷。作为一本丛书中的一册，它成功地立住了自己的专业标杆，让人非常期待丛书里其他主题的内容。这本书与其说是教我“如何看谱”，不如说是教我“如何与乐谱进行有效沟通”，是真正具有启发性的佳作。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我对这种理论性的书籍通常提不起太大兴趣，常常是买回来翻几页就束之高阁了。但这次的体验非常不同。这本书的“用户体验”做得非常棒，那种感觉就像是作者在跟你进行一场关于音乐的深度对话。它没有采用那种传统的章节划分，而是更多地围绕着“解决实际问题”来组织内容。比如，书中有一块专门讲了“如何快速将C大调的曲子移到G大调”的操作流程，这个方法非常实用，直接给出了一个可视化的步骤，比我过去死记硬背口诀有效率百倍。另外，关于简谱与五线谱之间的等值关系，这本书也做了非常详尽的对照表，特别清晰地标注了在不同速度和表情记号下，两种记谱法的细微差别。这对于那些希望融会贯通不同记谱体系的读者来说，无疑是一大福音。我很少见到一本书能把理论知识和实际应用结合得如此天衣无缝，它真的能让你感到“学有所用”的成就感。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐爱好者，更偏向于自学，所以市面上很多教材对我来说都显得过于学院派或者过于肤浅。这本《简谱知识（升级版）》正好卡在了那个“刚刚好”的位置上。它不像有些入门书籍那样，只停留在识谱层面，而是非常注重“知其所以然”。我尤其欣赏它在节奏感培养方面的侧重。很多时候，我们看到一个复杂的复合拍号，本能地会觉得难以下口，但这本书通过分解和重组的方式，把复杂的节奏型拆解成了几个更小的、易于理解和记忆的模块，并且配有大量的练习示例，这极大地增强了我的节奏准确性。再者，这本书对视唱练耳的辅助作用也让我感到惊喜。它不仅仅是教你怎么看谱子，更是在潜移默化地训练你的耳朵去“听见”纸上的符号，这种听觉与视觉的结合训练，对于提升整体音乐素养是至关重要的。如果说以前我是机械地“抄写”音符，那么读完这本书后，我感觉自己开始真正地“理解”音乐的呼吸和脉搏了。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐小常识丛书》中的《简谱知识（升级版）》我可是盼了好久才拿到手，拿到书的时候，那种墨香和纸张的质感就已经让人心情舒畅了。我学乐器有些年头了，但总觉得在乐理知识上还是有点零散，尤其是对简谱的理解，总是停留在“能看懂谱子就够了”的阶段。这本书的排版非常讲究，图文并茂，很多复杂的概念，比如不同节奏型的快速识别，或者调式转换时的逻辑关系，用图示和表格清晰地展示了出来，这比那些干巴巴的文字描述有效率多了。我特别喜欢它在“进阶”部分对一些常见错误指出的地方，很多都是我在练习中不经意犯的错，但自己摸索了很久都没找到症结所在。这本书的讲解方式很像一位耐心的老师在身边一点点引导，循序渐进，让人在不知不觉中就把知识点吸收进去了，完全没有那种硬塞理论的枯燥感。我感觉这本书不仅是工具书，更像是一本可以随时翻阅的“乐理伴侣”，随时都能找到需要的知识点进行回顾和深化。希望后续的丛书能继续保持这种高质量的编排水准。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书完全是冲着它“升级版”的名头去的，本来还有点担心是不是只是老版本换了个封面而已，结果完全出乎意料。这本书在细节处理上的用心程度，绝对对得起“升级”二字。它不仅详细解释了基础的音高、时值概念，更深入探讨了连音符、装饰音在不同风格乐曲中的实际处理技巧，这一点对于演奏者来说太重要了。比如，在处理巴洛克时期的作品时，有些快速的装饰音到底应该“先上后下”还是“先下后上”，书里就引用了不同的乐谱版本和演奏家的观点进行对比分析，这种思辨性的内容让我受益匪浅。它的语言风格很专业，但绝不晦涩，作者仿佛深谙如何将深奥的知识点用最直观的方式传达给读者。我已经把它放在琴边了，每当我遇到一个拿不准的演奏法或者一个模糊的乐理概念时，翻开它，总能找到一个令人信服的解释。这本书的价值，在于它帮助我构建了一个更坚固、更细致的音乐知识框架。