【正版现货】演员的自我修养 全译本书籍 演员自我修养周星驰喜剧之王影视论一个演员表演技巧入 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

王华 译

图书标签:

• 演员
• 表演
• 表演技巧
• 影视
• 周星驰
• 喜剧之王
• 自我修养
• 戏剧
• 电影
• 书籍

店铺： 三未先知图书专营店

出版社： 二十一世纪出版集团

ISBN：9787556820825

商品编码：12370355910

丛书名： 演员的自我修养

开本：16开

出版时间：2016-12-01

演员的自我修养

图书定价：38.00元

ISBN：9787556820825

作者：（俄）斯坦尼斯拉夫斯基

译者：王华

出版社：二十一世纪出版社集团

出版时间：2016年12月第1次版

字数：333千字        印章：18.5       

开本：710mm*1000mm  16开   页数：290页

 

内容介绍

本书是俄国世界演员、导演、戏剧理论家阿列克塞耶夫?斯坦尼斯拉夫斯基“体系”理论重要的巨著《演员的自我修养》中的第二卷。该卷的小标题为《“体验创作”过程中的自我修养》，表明了该卷里，作者主要论述的是表演艺术核心之一的“体验”过程。作者采用“日记”的形式，通过对课堂实践的记录方式为读者生动、有趣、深刻阐述了“体验”在表演艺术中重要的作用，以及实际学习、运用的方式方法。是一本对演员以及有志学习表演艺术的读者，自我学习提高非常有用的书 。

作者介绍

斯坦尼斯拉夫斯基(1863-1938)是俄国-苏联杰出的戏剧大师。他系统总结了"体验派"戏剧理论，强调现实主义原则，主张演员要沉浸在角色的情感之中，反对把表演艺术看做是“上天降临的灵感”的观念。认为演员只有拥有了高度专业的业务技巧，才能创作出真正有价值的艺术作品跟艺术角色。他的戏剧教学和表演体系，被称为"斯坦尼斯拉夫斯基体系"。是世界三大表演体系之一，对各国戏剧影视舞台表演产生深远影响。

译者介绍

王华，幽默的湖南人，爱好文学和戏剧，大学时期就尝试翻译外国名著，毕业后正式加入图书编辑和翻译的队伍中，是个十足的完美主义者。

影视制作与幕后百态：从剧本到荧幕的深度探索 本书深入剖析了当代影视工业的各个环节，聚焦于一个作品从概念诞生到最终呈现给观众的完整历程。我们不会探讨具体的演员表演技巧或某部特定电影的案例分析，而是将目光投向更宏观的制作体系、幕后操作以及技术革新如何重塑了故事讲述的方式。 第一部分：剧本的结构与力量——故事的基石 本部分旨在解构优秀剧本的内在逻辑与外部张力，着重于叙事理论在商业片和艺术片中的不同应用。 1. 叙事弧线的构建与节奏控制： 我们探讨了经典的三幕式结构在现代语境下的延展与变异。重点分析了如何通过场景的衔接、信息流的控制来精确把握观众的情绪曲线。这包括对“期望与落差”的精妙设计，以及如何在不牺牲艺术完整性的前提下，满足市场对高潮和冲突的渴求。我们分析了非线性叙事（如闪回、多视角切换）对主题表达的强化作用，并提供了如何确保复杂结构在观众理解层面不至于崩溃的实用策略。 2. 人物动机的深度挖掘与世界观的搭建： 一个引人入胜的故事，源于可信的人物。本章不涉及演员如何诠释角色，而是侧重于编剧在案头阶段如何为人物建立起坚不可摧的内在驱动力。我们将“人物小传”的撰写提升到哲学层面，探讨角色的“需求”、“欲望”与“创伤”三者之间的动态平衡。同时，详细解析了“世界观设定”如何反作用于情节推进——无论是科幻巨制中的物理法则，还是现实主义题材中社会环境的无形压力，都必须是与人物行动逻辑高度一致的有机组成部分。 3. 商业考量与艺术表达的交锋： 剧本的最终形态往往是多方博弈的结果。本部分将探讨制片方、导演和编剧之间关于“市场潜力”与“原创性”的拉锯战。内容包括：如何根据目标受众画像调整情节密度、如何平衡类型片的既定模式与创新元素，以及在剧本修改过程中，如何保护核心创意不受稀释的有效沟通技巧。 第二部分：制作流程的工业化与技术革新 影视制作已高度工业化。本部分将聚焦于技术工具、流程管理和预算控制，这些是决定一部电影能否按时、按质交付的关键。 1. 前期规划与视听语言的蓝图绘制： 在开机拍摄之前，大量的“预可视化”工作决定了后期制作的难度与成本。我们详细阐述了“分镜头脚本”的专业化绘制标准，并引入了“故事板（Storyboard）”与“动捕预演（Pre-visualization）”在大型动作场面设计中的协同作用。此外，制片部门如何与摄影指导、美术指导进行有效对接，共同确定影片的整体“视觉基调（Tone and Palette）”和技术指标，是本节的重点。 2. 现场调度与跨部门协作的效率优化： 影视拍摄现场是一个高度集中的项目管理环境。本章侧重于制片管理学在片场上的实际应用。包括：如何制定精细的每日拍摄计划（Call Sheet）以最大化时间效率；如何处理突发状况（如天气变化、设备故障）的应急预案；以及探讨不同部门（灯光、摄影、场务、录音）之间的沟通障碍及消除方法，确保信息在庞大的剧组内部顺畅流动。 3. 摄影技术的前沿探索与叙事结合： 本部分着眼于影像捕捉技术本身如何为故事服务，而非仅仅追求画面的华丽。我们分析了数字摄影机技术（如高帧率、宽画幅比例）对影片节奏和观众感知的影响。深入探讨了在特定叙事需求下，如何选择镜头语言——例如，使用超广角镜头来营造压迫感，或采用长焦镜头来隔离人物与环境。同时，我们也审视了虚拟制片（Virtual Production）技术在降低外景依赖、提升布景真实度方面的潜力与挑战。 第三部分：后期制作的魔术与声音的构建 剪辑和声音设计是赋予原始素材生命力的最后关口。本部分将揭示后期部门如何重塑观众的体验。 1. 剪辑的艺术：重塑时间与空间： 剪辑师是故事的第二位创作者。本章重点讨论剪辑决策背后的心理学基础。我们区分了“隐形剪辑”（消除痕迹，追求流畅）与“显性剪辑”（通过跳切、快速蒙太奇制造冲击力）的应用场景。内容将涵盖如何通过对镜头时长的微小调整来影响观众对剧情的紧张度感知，以及在构建动作序列时，如何通过节奏变化来引导观众的视觉焦点。 2. 声音设计的哲学：听觉环境的构建： 声音往往被低估，却是构建沉浸式体验的关键。本章不涉及具体的对白处理，而是专注于环境音、音效设计和音乐配乐的整合。我们将探讨“声音层次”的构建——如何通过精妙的环境音（Ambience）来确立场景的地理位置和时间感；以及“功能性音效”如何在不引起观众注意的情况下，强化画面的动作力度和真实感。此外，分析了配乐主题（Leitmotif）在引导观众情绪和预示情节发展中的非表演性作用。 3. 视觉特效（VFX）的整合与真实感难题： 数字特效已成为现代电影工业不可或缺的一部分。本部分探讨的是VFX在叙事服务中的合理应用边界。我们侧重于讨论“不可见特效”（Invisible VFX）的重要性，即如何使数字合成的元素与实拍画面完美融合，以增强现实而非创造幻想。同时，分析了如何在高预算特效项目中，通过精良的“视效预览（Pre-vis）”来精确控制渲染资源，避免后期返工，确保视觉效果能够有效地推进故事，而非成为孤立的展示品。 通过对上述工业流程、技术应用和叙事结构的全面梳理，本书旨在为所有关注影视作品是如何从无到有构建起来的专业人士与爱好者，提供一套全面、深入的幕后解析框架。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书的时候，是带着一些功利性的目的的，希望能找到一些立竿见影的表演技巧，比如如何控制肢体语言、如何处理情绪的爆发点之类的“干货”。刚开始翻阅时，我还有点小小的失望，因为它花了大量的篇幅去探讨演员的“内在状态”和“哲学思辨”，对于那种快速能用上的“招式”介绍得比较含蓄。但是，当我真正沉下心来，跟随作者的思路去探索表演背后的“为什么”时，我才意识到，那些所谓的“技巧”都是建立在深厚内功之上的。作者并没有直接告诉你“应该怎么做”，而是层层剥茧地帮你建立起一个完整的艺术观。这就像学武术，与其教你几招花哨的拳脚，不如先让你体会什么是“气沉丹田”。读完关于“信念感”和“角色本体论”的章节后，我再去观看一些经典电影片段时，视角完全变了。我不再只是关注演员的表情是否到位，而是去感受他们是如何将角色的精神世界与自己的生命经验进行熔铸的。这种从外向内的转变，是任何速成手册都无法给予的，它的价值是长远的、根本性的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧，从一个实用主义者的角度来看，简直是教科书级别的典范。纸张的质地非常舒服，不反光，长时间阅读也不会让眼睛感到疲劳，这对于需要反复研读的专业书籍来说至关重要。更值得称赞的是它的注释和索引系统。对于那些引用了大量外国理论家或者哲学流派的概念时，作者都做了详尽的脚注，清晰地标注了出处和背景，极大地节省了我们去查阅其他资料的时间。而且，这本书的译者显然是一位对表演艺术有着深刻理解的专家，而不是简单的文字搬运工。译文忠实于原著的思辨深度，同时又保持了汉语表达的流畅和美感，很多拗口的德语或俄语的表演术语，被处理得既准确又富有画面感。这种高水准的翻译，保证了我们获取到的信息是原汁原味的，没有因为语言的隔阂而产生任何偏差或失真，这对于专业学习者来说，是最大的福音。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝非仅仅停留在理论层面，它更像是一份沉甸甸的“工具箱”，只不过这个工具箱里装的不是锤子和锯子，而是关于如何构建内心世界的蓝图。我注意到书中穿插了一些关于不同表演学派创始人思想的对比分析，这种比较非常客观且深入，没有偏袒任何一方，而是着力于展现每一种理论体系如何从不同的角度来解决演员面临的核心问题——如何真实地呈现一个虚构的人物。例如，书中对“情感记忆”的探讨，就非常细致入微，它没有给出简单的操作指南，而是引导读者去探索个体记忆与集体潜意识之间的微妙连接。这使得我对如何处理那些需要爆发性情绪的场景有了全新的认识，不再是单纯地模仿外部的“哭泣”或“愤怒”，而是学会了如何从内在深处找到那个支撑情绪爆发的“支点”。这本书的厚度和内容深度，注定了它不是一本可以一口气读完的书，它需要时间去消化、去融入血液，成为你表演肌理的一部分，是值得反复翻阅的案头宝典。

评分☆☆☆☆☆

读这本书，我仿佛被带入了一间灯光昏暗、摆满了经典戏剧道具的排练室。作者的叙事风格充满了激情和一种近乎布道者的虔诚。他并没有将表演视为一种单纯的职业技能，而是将其提升到了“生命实践”的高度。他会用非常生动的比喻来描述演员在舞台上面对的困境和挑战，比如“时间的碎片如何被重塑”、“自我如何消融于他者”等等。这些描述不是空泛的口号，而是基于无数次排练和实践的深刻总结。每当我读到某个段落，都会有一种“啊，原来是这样！”的豁然开朗的感觉。它强迫你审视自己的表演习惯，甚至是你作为一个人在日常生活中的真实性。这本书的独特之处在于，它不只是教你如何“演”，更是在教你如何“感受”和“存在”。它要求演员必须首先成为一个深刻理解人性、体验生活百态的“人”，然后才能去谈论“演”。这种对艺术纯粹性的坚守，在当今这个追求快速变现的时代，显得尤为珍贵和难能可贵。

评分☆☆☆☆☆

这本书的书封设计得非常引人注目，那种复古的字体搭配上略带年代感的插图，一下子就把我带入了一种严肃又充满艺术气息的氛围中。我原本以为这会是一本晦涩难懂的理论著作，毕竟“自我修养”这个词听起来就带着一种庄重的学术感。然而，翻开内页后，那种预想中的枯燥感并没有出现。作者的文字功底扎实，行文流畅自然，即便是探讨那些深层次的表演哲学和内心世界的构建，也能用非常生活化、易于理解的方式来阐述。我尤其欣赏它在结构上的安排，像是一步步引导读者进入一个更深邃的表演殿堂，而不是直接把一堆名词堆砌在那里。阅读的过程中，我时不时会停下来，反复琢磨某些段落，因为它们触及了一些我从未深思过的表演层面，比如“镜子与观众的关系”、“瞬间的永恒性捕捉”等等。这种深入浅出的能力，绝对是区分一本优秀专业书籍和普通教材的关键所在。它不仅仅是知识的传递，更像是一次精神上的洗礼，让人对舞台艺术乃至整个生命体验都有了新的理解和敬畏。