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刘纯羽 著

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店铺： 布克专营店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550204584

商品编码：16884596476

包装：平装

开本：16

出版时间：2014-02-01

页数：224

字数：222000

商品参数

微电影剧作教程
	定价	29.80
	出版社	北京联合出版公司
	版次	1
	出版时间	2014年02月
	开本	16开
	作者	刘纯羽
	装帧	平装
	页数	224
	字数	222000
	ISBN编码	9787550204584
	重量	340

内容介绍
本书是*微电影剧作初学者的实战指南。全书直面实际创作中的种种难题，以课堂讲授的活泼形式，以认识电影剧本格式、练习无对白的视听思维、对话写作、选材、分析题材等为内容，紧抓人物塑造这一核心，通过详尽的正反案例和循序渐进的练习，条理清晰地讲述了微电影剧本写作过程中的重要技巧。教你从学写一场戏开始，步步为营地创作自己的剧本。

目录

序一　为时代影视文化而写作　
序二　微谈《微电影剧作教程》　  
序三　现实照进梦想　  
前　言   
第壹章　从电影到剧本  
第二章　认识“一场戏”   
第三章　无对白练习   
第四章　对话练习   
第五章　选材练习   
第六章　题材分析练习   
第七章　人物性格构思练习   
第八章　人物性格观察练习   
第九章　故事梗概练习   
第十章　分场提纲练习   
第十一章　剧本写作练习   
附录一　《从电影到剧本》参考答案   
附录二　《认识“一场戏”》参考答案   
附录三　《无对白练习》参考答案   
附录四　《对话练习》参考答案   
附录五　《人物性格观察练习》参考答案   
附录六　《妞妞》剧本   
出版后记  

探索光影的魔力：电影叙事与视觉表达的深度解析 本书聚焦于电影艺术的核心命题：如何用光影、运动和声音讲述一个引人入胜的故事。 我们将穿越电影制作的各个领域，从古典好莱坞叙事结构的精妙解构，到当代独立电影实验性手法的探索，旨在为读者提供一套全面且富有洞察力的电影语言学习指南。这不是一本关于特定技术流程（如微型设备操作或特定软件使用）的速成手册，而是一部深入剖析电影作为一种艺术形式的本质、历史演变及其未来可能性的理论与实践结合之作。 第一部分：叙事基石——故事的结构与心理驱动力 一、人类叙事心理的永恒母题 本章首先探讨了故事之所以能打动人心的深层心理学基础。我们将回顾约瑟夫·坎贝尔的“英雄之旅”模型，但重点在于超越结构公式，探究原型人物的当代变异与解构。我们将分析，在后现代语境下，英雄的缺席或反英雄的崛起，如何反映了我们当下社会的焦虑与身份认同危机。深入剖析潜意识驱动、欲望与禁忌在剧本中的张力构建，以及如何通过“未言明之语”（Subtext）来丰富人物的内在世界。 二、剧本的建筑学：超越三幕式 我们不会止步于传统的“开端-发展-高潮-结局”框架。本部分将详细考察不同文化背景下的叙事模式，例如东方叙事的“起承转合”与西方“冲突驱动”的张力差异。重点分析非线性叙事（如昆汀·塔伦蒂诺的作品）如何通过时间错位来重塑观众对因果关系的认知。同时，探讨“场景化写作”（Scene Work）的精髓——如何让每一个场景都成为推进情节、揭示人物的微型高潮，而非仅仅是情节的推进器。我们将通过经典电影片段的剧本分析，展示如何通过动作、对白和环境的交织来达到叙事效率的最大化。 三、对白与沉默的辩证法 电影语言中，对白绝非日常口语的简单复刻。本章深入研究“功能性对白”与“揭示性对白”的区别。我们将探讨海明威式“冰山理论”在电影对白中的应用，即人物真正重要的想法和情感往往隐藏在他们所说的内容之下。同时，对“沉默的权重”进行专门分析，沉默如何构建悬念、深化情感，甚至成为一种比语言更具力量的表达方式。 第二部分：视觉的诗学——摄影机、灯光与运动的语言 四、摄影机的目光：空间、视角与代理 电影的本质在于运动的影像。本章将聚焦于摄影机运动的语言学意义。从固定镜头（Static Shot）的稳定与权威感，到斯坦尼康（Steadicam）的沉浸式跟踪，再到手持摄影（Handheld）所带来的粗粝的真实感，我们将解析每一种运动方式如何潜移默化地影响观众的情绪和认知。更重要的是，本部分将讨论“视角”（Point of View, POV）的选择——是采用全知视角（Omniscient），还是将观众锁定在某个角色的主观体验中，以及这种选择对故事主题的意义。 五、光影的哲学：色彩、明暗与情绪调控 光，是电影的建筑材料。我们摒弃对具体灯光设备的罗列，转而探讨光的“哲学”层面。我们将分析伦勃朗光、蝴蝶光等经典布光模式如何塑造人物性格（如高对比度的明暗对比暗示道德的模糊性）。色彩理论在电影中的应用将被深入剖析：冷色调的疏离感、暖色调的亲密感，以及如何通过色彩的饱和度与色相变化来预示情节转折或人物内心状态的变化。我们将引用安东尼奥尼、伯格曼等大师的作品，说明光影是如何成为叙事的一部分。 六、构图的秩序与打破：形式美学与视觉节奏 本章是关于“画面构成”的深度探讨。我们将解析黄金分割、三分法等经典构图原则，但更侧重于何时、为何要故意打破这些规则以达到特定的艺术效果。分析不同焦距镜头（广角、标准、长焦）对空间感和心理距离的影响。最后，探讨“视觉节奏”——通过镜头长度、剪辑点和画面元素的密度，如何在视觉上创造出如同音乐般的起伏与张力。 第三部分：后期的魔术与声音的维度 七、剪辑的艺术：时间的重塑与潜意识的引导 剪辑是电影制作的“第二剧本”。本部分将详细区分连续性剪辑（Continuity Editing）如何保证叙事流畅，以及蒙太奇理论（Montage Theory）（特别是爱森斯坦的冲突蒙太奇）如何通过意象的并置来创造全新的意义。我们将探讨“跳切”（Jump Cut）和“交叉剪辑”（Cross-Cutting）在制造悬念和强调平行事件中的强大功能。重点讨论“意念剪辑”——如何通过剪辑点的选择，引导观众的注意力，甚至影响他们对事件真实性的判断。 八、声音的景观：超越对白的听觉世界 声音设计往往是电影制作中最被低估的元素。本书将声音分为三类：对白、音效（Sound Effects）和音乐（Score）。我们探讨如何通过环境音（Ambience）来构建逼真的世界观，以及如何利用“画外音”（Off-Screen Sound）来扩大场景的感知空间，制造不安感。音乐的选择与运用，并非简单的情绪烘托，而是与画面进行对话，有时是互补，有时是反讽。本章将分析声音如何作为一种强大的叙事工具，在黑暗中引导观众的想象力。 结语：电影的未来与创作者的责任 最后，本书将超越技术细节，回归到电影作为一种社会媒介的本质。探讨独立电影运动对主流叙事的挑战，以及新媒体技术（如虚拟现实、沉浸式叙事）对传统电影语言可能产生的颠覆性影响。核心在于，无论技术如何迭代，优秀的电影作品永远根植于对人性的深刻洞察和对世界敏锐的观察力。本书旨在培养读者“电影思维”，即用图像和运动来思考世界，用光影来表达思想的能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计真是让人眼前一亮，那种简约又不失深度的感觉，一下子就抓住了我的注意力。我最近迷上了短视频的叙事潜力，但苦于缺乏系统的理论指导，很多想法都停留在脑海里转悠。我原本期待这本书能像一本武功秘籍一样，直接揭示那些看似高深的电影语言是如何被拆解和重构的。坦白说，翻开书页后，我首先感受到的不是那种直击核心的“干货”，而是一种更偏向于“理念引导”的探讨。它花了相当大的篇幅去阐述“微电影”在当代媒介环境中的独特价值，以及创作者应该抱持的创作心态。这对我来说是有点出乎意料的，我更期待的是关于场面调度或者镜头语言的具体案例分析。比如，书中提到了“情感的最小单位”这个概念，虽然很有哲学意味，但对于一个迫切想知道“如何用三个镜头表达失落”的新手来说，还是显得有些空中楼阁。这本书似乎更倾向于培养创作者的“眼光”而非传授具体的“手法”。它像一位引路人，而不是一个工具箱。我希望它能更早一些切入到实操层面，哪怕只是一个基础的场景设定，都能让我感觉更有踏实感。总而言之，它为我的创作之行定下了一个较高的精神基调，但实操层面的具体指引略显不足，需要读者自己去揣摩和实践。

评分☆☆☆☆☆

我是一个彻头彻尾的“技术流”学习者，看书就像看说明书，恨不得每一个章节后面都跟着一个“Step-by-Step”的指南。这本书给我的感觉就像是给我一堆顶级的食材，却只告诉我“用心去烹饪”，而没有告诉我火候该怎么控制，调料的比例是多少。我非常认真地研读了其中关于“故事核心驱动力”的章节，理论上说得头头是道，分析了无数经典短片的结构，但当我合上书，试图自己构建一个原创故事框架时，那种卡壳感立刻就出现了。我期待的不是对他人作品的解构，而是针对“如何打破创作瓶颈”的实用工具集。比如，我一直在琢磨如何在一个极短的时间内建立起人物的“可信度”，这本书似乎将“可信度”归结于“真诚的观察”，这固然重要，但对于我这种需要具体量化标准的学习者来说，无疑是隔靴搔痒。我更需要看到的是，如何通过服装、道具、甚至一句台词的设计，精确地为人物画像。这本书的文字功底毋庸置疑，行文流畅，引经据典，但对于我这种急于上手实践的“实干家”而言，其“思辨性”过强，而“操作性”偏弱，让我感觉像是读了一篇高质量的学术论文，而不是一本实战手册。

评分☆☆☆☆☆

这本书的优点在于它极大地拓宽了我的创作视野，让我明白了微电影创作并非只是把电影的制作流程按比例缩小。它强调了“小体量，大能量”的创作哲学。我非常欣赏它对“声音设计”在微电影中的地位的论述，这一点在很多入门教程中常常被忽略。书中提到，声音往往是支撑起情感密度的最有效工具。但是，当我真正进入到“拍摄准备”的阶段时，这本书的指导价值开始显现出局限性。比如，关于“预算控制”和“设备选择的取舍”，它只是泛泛地提到了“根据内容选择设备”，但没有给出任何关于入门级设备组合的实用建议，也没有讨论在资源有限的情况下，如何通过巧妙的灯光布局来弥补廉价镜头的不足。我需要的是那种接地气的、能立刻应用到我下一次实拍中的具体清单或流程图。这本书更像是一份高屋建瓴的战略规划书，它描绘了宏伟蓝图，但对于具体的战术部署——尤其是那些关乎柴米油盐的拍摄细节——则显得力不从心，需要读者自行去补充大量的实战经验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，说实话，在同类书籍中算是相当精致的了，纸张的质感也很好，捧在手里很有分量感。我购买它的初衷是想解决我在“前期构思”阶段的迷茫——如何把一个模糊的想法，打磨成一个可以付诸拍摄的剧本。我阅读后发现，它在“导演思维”的培养上确实下足了功夫，它不断强调导演的“主体性”和“阐释权”。书中用了很多篇幅讨论“意图”如何指导“形式”，这对于一个刚刚从摄影师转型到导演的爱好者来说，是很有启发性的。然而，当涉及到剧本结构具体到“场景衔接”和“对白精简”时，感觉笔锋就有些收敛了。例如，关于如何在不同平台（如抖音、B站）上传播差异化内容时，书中的建议非常宏观，侧重于“内容与观众的共鸣”，而没有具体到“时长限制下的场景删除原则”或者“如何用转场来弥补信息量的缺失”。我感觉这本书更像是一本面向有一定基础的创作者的“理念升级读物”，而不是一本为零基础新人准备的“手把手入门指南”。它的深度在于哲学思辨，但其广度在实用工具层面略显保守。

评分☆☆☆☆☆

我尝试从“美学和风格形成”的角度来评估这本书的价值。我一直很欣赏那些拥有强烈个人风格的微电影，我认为风格是作品的灵魂。这本书确实触及了这一点，它鼓励读者去寻找和建立自己的“视觉签名”。书中通过对比几种不同的艺术流派，试图引导我们去思考“我们想让观众看到一个什么样的世界”。这种引导非常高明，因为它迫使读者跳出“拍一个故事”的简单目标，转向“我要如何讲述这个故事”的深度思考。但遗憾的是，这种对风格的探讨，大多停留在了“描述”层面，而非“建构”层面。我希望能看到更多关于如何系统性地将“情绪”转化为“色彩”、“光线”和“运动”的实例解析。比如，如果我想营造一种“疏离感”，书中会提到使用浅景深，但它没有深入分析：在特定光照条件下，如何通过不同焦段的镜头语言，精确控制这种疏离感的递进关系。这本书更像是一部理论导论，它告诉你“什么重要”，但对于“如何具体实现这种重要性”，则需要你自己去花费大量时间摸索。对于效率至上的我来说，这无疑增加了我的试错成本。