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[美] 斯坦·李（Stan Lee）约翰·巴斯马 著

图书标签:

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店铺： 后浪出版公司官方旗舰店

出版社： 北京联合出版公司

ISBN：9787550290938

商品编码：22753470467

品牌：后浪

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-02-01

用纸：胶版纸

页数：160

正文语种：中文

编辑推荐

这是一本：
可操作性超强的漫画家全面养成攻略
零基础创作出超级英雄漫画的必备手册
从绘画工具到上墨稿的全套漫画技法指南
漫威漫画创作的规则、诀窍和小秘密集锦
本书由美国漫画界的扛鼎人物：“漫威之父”斯坦?李和“漫画之王”约翰?巴斯马协力打造。斯坦?李简练明晰又不乏幽默的解说，配上约翰?巴斯马精选的数百幅漫威画例，使本书成为学习漫威漫画绘制技巧、欣赏漫威漫画、品味大师风范的三重宝典。
本书自1978年首次出版以来就受到广大漫画创作爱好者的喜爱，被美国誉为极优秀的讲解漫画绘制技巧的图书之一。此后它被连续再版，40年畅销不衰，美国和加拿大地区总销量超过34万册，至今没有其他漫画教程能够撼动它的地位。
本书从创作漫画所需的基本工具讲起，到透视法的运用、人体的绘制技巧，再到漫画页面构图的方法、封面的设计和上墨的艺术，由浅入深、内容系统、结构完整、易于理解，是可操作性超强的百科书级教程。
本书从零讲起，理论讲解和实际操练相结合，同时不吝将漫威漫画多年积累的绘画技巧和窍门倾囊相授，是一本可以让读者切实得到进步的教程。它既适合零起点的读者从头学起、夯实基础，也能帮助有一定水平的读者再上一个台阶。
它没有无聊的长篇大论，只有精炼到位的总结，没有不清不楚的建议，只有醍醐灌顶的指点。它让画漫画变得简单，只要你曾经梦想过画出属于自己的漫画，不管这梦想多么久远，只要认真跟着这本书学习、坚持练习，你一定能得到丰厚的收获。

作者简介

斯坦?李（Stan Lee）：
漫威绝大多数知名超级英雄角色的缔造者，被誉为“漫威之父”。 他所创造的极知名的角色包括“神奇四侠”“蜘蛛侠”“钢铁侠”“雷神托尔”“绿巨人”“X战警”“奇异博士”“超胆侠”等。1972年成为漫威漫画公司的发行人和董事长，1998年离开漫威，与人合作创办了POW！娱乐公司。1978年与约翰?巴斯马合作出版本书。
约翰?巴斯马（John Buscema）：
1948年在斯坦?李的招募下加入漫威公司前身及时漫画（Timely Comics），是上世纪70年代漫威极知名的绘图师之一，作品包括《银影侠》《雷神托尔》《神奇四侠》《蜘蛛侠》《复仇者联盟》等。在斯坦?李的邀请下，巴斯马与其共同创作了本书。2002年，这位漫画家因癌症病故。

目录

序言
第1章 创作工具和漫画术语
第2章 形状的秘密：让物体更真实
第3章 透视法的力量
第4章 学习绘制人物
第5章 开始绘制人物
第6章 关键是动作
第7章 透视缩短：按透视法绘制人物的诀窍
第8章 绘制人的头部
第9章 构图
第10章 绘制自己的漫画页面
第11章 漫画书的封面
第12章 上墨的艺术
参考书目
致谢

《英雄崛起：漫画创作的黄金法则》 一个关于想象力、激情与叙事的深度探索 你是否曾被那些横跨页面的震撼画面所吸引？是否曾在跌宕起伏的剧情中感受到心跳的加速？是否也曾幻想，自己也能构筑出那样一个个鲜活的人物，讲述属于自己的英雄史诗？《英雄崛起：漫画创作的黄金法则》并非一本教授你具体线条勾勒、色彩填充技巧的速成指南，它更像是一次对漫画这门古老而又充满活力的艺术形式的深度溯源与全新解读。我们将带领你穿越漫画发展的漫长河流，深入理解那些塑造了无数经典角色的核心理念，发掘那些让平凡故事绽放光彩的叙事魔力。 超越技巧，直抵灵魂：漫画的本质是什么？ 在信息爆炸的时代，我们每天都被海量的内容包围，但真正能触及灵魂、留下深刻印记的作品却屈指可数。漫画，作为一种独特的视觉语言，其魅力远不止于笔下的线条和色彩。它是一种关于“瞬间”的艺术，将时间凝固在某一刻，却能唤醒读者无数的情感与联想。它是一种关于“夸张”的艺术，通过变形与极致化的表达，揭示现实的本质与人性的深邃。它更是一种关于“对话”的艺术，是创作者与读者之间无声却又激烈的思想碰撞。 《英雄崛起》将从漫画的历史脉络出发，追溯其早期在报纸连载中的萌芽，经历黄金时代的英雄主义浪潮，到白银时代的科幻探索，再到现代多元化、成人化的发展。我们会探讨不同时期社会思潮、科技进步如何深刻影响漫画的风格与内容，以及那些划时代的漫画大师们如何突破时代的局限，用他们的画笔和故事定义了漫画的边界。这不仅仅是历史的陈述，更是对漫画生命力与适应性的一次深刻洞察。 构建世界，塑造灵魂：故事的核心驱动力 一本引人入胜的漫画，绝不仅仅是漂亮的画面堆砌，它的核心永远在于那个值得讲述的故事，以及那些有血有肉的人物。我们将在《英雄崛起》中，为你解构故事的骨架与灵魂： 宏大叙事的基石：世界观的构建。 从一个抽象的概念，到一个完整的宇宙，世界观的设定是漫画的根基。我们将探讨如何从地理、历史、文化、科技、甚至神秘学等多个维度，为你的故事打造一个令人信服且充满魅力的舞台。一个详尽且逻辑自洽的世界观，能够让读者沉浸其中，为你的角色命运牵肠挂肚。我们将分析那些经典漫画作品是如何通过细节的堆叠，让虚构的世界变得如此真实可感，如同我们身处其中。 欲望与冲突的交织：人物弧光的塑造。 英雄之所以能成为英雄，反派之所以令人难忘，都在于他们并非静态的符号，而是拥有复杂内心世界的个体。我们将深入剖析如何设计角色的背景故事、内心动机、成长经历，以及他们身上所背负的期望与恐惧。通过“人物弧光”的概念，我们会展示如何让角色在故事的发展中经历转变、学习、成长，最终成为一个立体、丰满、能与读者产生共鸣的存在。你将学会如何赋予你的角色独一无二的“声音”，让他们在纸面上“活”起来。 节奏与张力的掌控：情节设计的艺术。 好的情节如同蜿蜒的山路，既有平缓的休憩，也有惊险的转折，让读者在每一次翻页时都充满期待。我们将研究叙事结构的经典模型，例如“三幕剧结构”、“英雄之旅”等，并探讨如何在漫画这一视觉媒介中，通过画面语言、分镜节奏、对话信息等方式，有效地控制故事的张力，制造悬念，引爆高潮。我们将揭示那些让读者欲罢不能的“钩子”是如何被巧妙地布置在故事的各个环节。 视觉的语言，情感的载体：漫画表现力的极限 漫画最独特的魅力，在于它能够将文字与图像完美融合，创造出一种超越文字的感染力。在《英雄崛起》中，我们将回归视觉语言的本质，探寻如何通过图像的力量，将抽象的情感与复杂的叙事具象化： 分镜的哲学：空间的叙事魔术。 每一格画面都不是孤立的，它们通过衔接、对比、留白，共同讲述着故事的流动。我们将深入剖析分镜设计的多重含义，从如何利用画格的大小、形状、排列来控制阅读节奏，到如何通过“镜头语言”——景别、角度、运动轨迹——来引导读者的视线，营造氛围，暗示情绪。我们将研究那些大师们是如何通过创新的分镜方式，打破传统的束缚，让漫画的表现力达到新的高度。 线条与光影的对话：情感的渲染大师。 线条不仅仅是勾勒物体的轮廓，更是情感的表达。粗犷的线条可以传递力量与力量，细腻的笔触则能展现脆弱与柔情。光影，更是漫画中不可或缺的情感渲染工具。我们将探讨如何利用明暗对比、光源方向、阴影的形状，来烘托场景的氛围，塑造角色的性格，甚至暗示角色的内心状态。从漫天飞舞的尘埃，到狭窄巷道投下的幽长阴影，每一个光影的运用，都在为故事增添额外的深度。 色彩的诗意与力量：情感的催化剂。 如果说线条是故事的骨骼，那么色彩便是故事的血肉与灵魂。我们将探讨色彩在漫画中的多重作用，从营造整体的氛围和情绪，到通过色彩的冷暖、饱和度、对比度来区分场景、暗示时间，再到运用特定色彩来象征某种概念或情感。我们将研究那些在色彩运用上达到极致的作品，它们如何用最纯粹的颜色，敲击读者内心最柔软的部分。 超越模仿，找到自我：创作的独特之路 市面上充斥着无数关于“如何画”的教程，但《英雄崛起》的关注点远不止于此。它更希望引导你找到属于自己的创作哲学，走出一条独具个性的道路。 从“模仿”到“融汇”：吸收与转化。 任何一位成功的艺术家，都不是凭空出现的。学习前人的经验，模仿大师的风格，是成长的必经之路。然而，真正的成长在于将这些学习到的元素，与自己的生活经历、个人思考、独特审美相结合，最终形成一种属于自己的语言。我们将探讨如何有效地进行“风格化”的吸收，而不是简单的复制粘贴。 “我”是谁？——寻找创作的出发点。 你的故事，为何是你来讲？你的视角，有何不同？《英雄崛起》鼓励你去审视内心深处的热情，去发现那些让你真正感到兴奋、让你想要分享的主题。是关于友情的力量？是关于人性的挣扎？是关于对未知的好奇？找到那个最能触动你的“为什么”，你的创作才拥有了源源不断的生命力。 “为谁而画”？——读者与沟通。 创作的最终目的，是与他人沟通。理解你的读者是谁，你希望他们从你的作品中获得什么，这将帮助你更好地调整你的叙事策略和表现手法。但这并非意味着迎合，而是基于一种深刻的理解和真诚的分享。 《英雄崛起：漫画创作的黄金法则》并非提供现成的答案，它更像是一个灯塔，指引你在这片广阔的漫画创作海洋中，探索属于自己的航道。它邀请你踏上一段发现之旅，去认识漫画的深度，去发掘故事的力量，去 Unleash 你的想象力，最终，去创造属于你自己的英雄传奇。这不仅仅是一本书，更是你迈向漫画创作世界的一扇门，一盏引路的明灯。

评分☆☆☆☆☆

这本书对“线条运用”的细致剖析，让我重新审视了漫画线条的力量。我一直认为，线条是漫画的灵魂，而这本书则将线条的运用提升到了艺术的高度。它不仅仅讲解了线条的粗细、疏密，更是探讨了如何通过线条来表现物体的质感、动感和情绪。 书中会分析如何运用“硬朗的线条”来表现金属的坚硬，如何运用“流畅的线条”来表现丝绸的柔滑，以及如何运用“抖动的线条”来表现人物内心的不安。它还探讨了“剪影”和“轮廓线”的运用，如何通过简洁的线条勾勒出清晰的人物形象，从而增强画面的辨识度和冲击力。

评分☆☆☆☆☆

这本书让我认识到，“叙事节奏”在漫画中的重要性。我之前只关注画面本身的美感，而忽略了画面与画面之间的联系，以及如何通过画面的组合来控制整个故事的节奏。书中通过对经典漫画分镜的分析，让我明白如何通过画面的大小、密度、信息量来影响读者的阅读速度和情绪。 它会教你如何通过“满版大图”来制造视觉冲击，如何通过“密集的小格子”来营造紧张的氛围，以及如何通过“留白”来给读者留下想象的空间。例如，在描绘一场激烈的战斗时，作者可能会运用一系列快速切换的画面，以密集的格子和夸张的动作，来营造出一种紧张刺激的节奏感。而在描绘一个角色沉思的时刻，则可能会运用几幅较大、留白较多的画面，来放缓节奏，让读者体会角色的内心世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书对“光影表现”的讲解，让我对漫画的立体感有了全新的认识。一直以来，我总觉得漫画的黑白稿虽然有力量，但总觉得少了些什么。这本书让我明白，光影不仅仅是用来塑造体积，更是用来营造氛围、引导视线、传递情绪的关键。它深入分析了不同光源下，角色和场景的光影变化，以及如何利用明暗对比来突出画面的重点。 书中会展示如何通过“硬光”和“软光”来表现不同的质感，如何利用“体积光”来增强画面的空间感。例如，在描绘一个黑暗的巷子场景时，作者会利用从上方投射下来的微弱光线，在角色的脸上形成强烈的明暗对比，从而营造出一种神秘和危险的氛围。而当描绘一个阳光明媚的草坪时，则会运用柔和的自然光，让画面显得更加清新和温暖。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“细节刻画”让我看到了专业漫画家的严谨。我一直以为，漫画的线条越简洁越好，但这本书让我明白，细节的丰富性同样是漫画魅力的重要组成部分。它会教你如何将细节融入到角色的设计、场景的描绘以及道具的刻画之中，从而让整个画面更加饱满和有故事感。 书中会展示如何通过细致的纹理、磨损的痕迹、以及服装上的褶皱来表现人物的经历和生活状态。例如，在描绘一个饱经风霜的老英雄时，作者会细致地刻画他脸上深深的皱纹，以及他身上磨损的披风，从而展现出他所经历的岁月沧桑。这些细节的刻画，让漫画人物不再是平面化的符号，而是更加鲜活、有温度的生命。

评分☆☆☆☆☆

让我惊喜的是，这本书并没有回避“色彩运用”这个比较进阶的话题，并且给出了非常实用的指导。虽然欧美漫画的线稿本身就非常有力量，但色彩的运用更是能让画面瞬间“活”起来。书中并没有简单地讲解配色理论，而是从实际应用的角度出发，分析了在不同场景、不同情绪下，如何运用色彩来增强画面的表现力。 我学习到了如何通过色彩的冷暖、明暗来营造不同的氛围，比如冷色调可以表现孤独和忧郁，暖色调则可以带来温暖和热情。书中还探讨了“高光”和“阴影”的色彩运用，以及如何通过色彩的对比来突出画面的主体。例如，在描绘一个英雄的特写时，作者可能会运用鲜艳的色彩来突出英雄的服装和面部特征，使其在画面中更加醒目。

评分☆☆☆☆☆

这本《像漫威一样画漫画》真是让我眼前一亮！我一直对欧美漫画那粗犷有力、充满动感的画风情有独钟，尤其是那些经典的漫威角色，每一个动作，每一个表情都刻画得淋漓尽致。收到这本书的时候，简直像挖到宝藏一样。我迫不及待地翻开，立刻被里面的内容深深吸引。它并没有像我之前看过的某些教程那样，只是简单罗列一些基础技法，而是从一个非常宏观的角度，去剖析“像漫威一样画漫画”的核心精髓。 首先，它强调了“故事性”在漫画创作中的重要性。书里举了大量实际案例，分析了如何通过画面语言来讲述故事，如何运用构图、景别、镜头运动来引导读者的视线，让他们跟随角色的情绪和故事的发展。这不仅仅是关于如何画出肌肉线条，更是关于如何让画面“说话”。我尤其喜欢其中关于“动态模糊”和“速度线”的讲解，这些看似简单的元素，在漫画大师的手中却能创造出惊人的视觉冲击力。书中的示例图非常多，而且质量很高，看得我手痒痒，恨不得立刻拿起笔来尝试。

评分☆☆☆☆☆

这本书的“动作设计”部分，简直是为我量身打造的！我一直觉得，漫画的魅力在于它的动感，而要画出有力量、有速度的动作，需要掌握很多精妙的技巧。书中通过大量经典的动作画面分析，为我揭示了如何才能让每一个拳头都带着风，每一次跳跃都充满力量。它不仅讲解了如何画出人体关节的运动规律，如何表现肌肉的张力，还深入探讨了如何通过肢体语言来传递动作的爆发力和速度感。 我特别喜欢它关于“运动轨迹”和“动作分解”的讲解。书中会展示如何通过线条的引导，让读者的视线顺着角色的动作流动，从而感受到速度和力量。例如，在描绘一个飞踢的动作时，书中会分析如何通过身体的扭转、腿部的伸展，以及背景的速度线来强化动作的冲击力。它还强调了“夸张”在动作设计中的重要性，在保证人体结构合理的前提下，适当地夸张动作的幅度，可以极大地增强画面的视觉冲击力，让角色显得更加强大和有魅力。

评分☆☆☆☆☆

让我感到非常实用的是，书中对“透视原理”的讲解。我之前一直觉得透视很枯燥，但这本书用非常直观和易懂的方式，将透视原理与漫画创作紧密结合。它不仅仅是讲解消失点和视平线，更是教你如何利用透视来创造出纵深感，让画面更加立体和真实。 书中会展示如何运用“一点透视”、“两点透视”和“三点透视”来描绘不同的场景，以及如何通过透视的变化来引导读者的视线。例如，在描绘一个俯视的镜头时，会利用三点透视来夸张地展现场景的深度，让读者感受到角色身处高处的情境。在描绘一个仰视的镜头时，则会运用透视来突出角色巍峨的身姿，赋予角色强大的气场。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的“场景构建”部分印象尤其深刻。欧美漫画之所以能营造出那种史诗般的宏大感，很大程度上归功于其对场景的精细描绘。这本书在这方面给了我很多启发。它不仅仅是教你如何画出背景，更是教你如何利用场景来烘托气氛、突出角色、推动情节。我学习到了如何运用透视原理来创造纵深感，如何通过光影效果来营造氛围，以及如何将环境细节巧妙地融入故事之中。 书中对于“废墟”、“城市”、“太空”等经典欧美漫画场景的描绘技巧，更是让我大开眼界。它会分析在不同的场景下，艺术家是如何通过线条的疏密、笔触的轻重来营造出不同的质感和氛围。例如，在描绘一个破败的城市时，会强调建筑的残缺、地面的碎石，以及阴暗的光线，从而营造出一种末日般的萧条感。而在描绘一个繁华的都市夜景时，则会运用大量的霓虹灯光和玻璃反射，展现出一种充满活力的都市气息。这些都不仅仅是技巧，更是一种对场景的理解和表达。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的亮点在于它深入浅出地讲解了“角色设计”的逻辑。我一直觉得，一个成功的漫画角色，不仅仅是外观上的酷炫，更重要的是其背后蕴含的性格、经历和动机。书中花了很大的篇幅来讨论如何塑造有血有肉的角色，从人物的体型、服装、道具，到他们的表情、姿态，甚至是他们身上细微的疤痕或饰品，都可能成为讲述角色故事的线索。我学习到了如何根据角色的职业、背景来设计与之匹配的服装，如何通过肢体语言来表现角色的性格特征，比如一个总是弓着背的角色可能内心压抑，而一个站姿挺拔、眼神锐利的角色则可能充满自信和力量。 更让我惊喜的是，书中还探讨了“情绪表达”的艺术。我一直觉得，漫画最迷人的地方就是它能够直接而强烈地传递情感。书里通过对不同表情的细致分解，以及在不同场景下如何运用眼神、嘴角、眉毛的细微变化来捕捉复杂的情感，让我受益匪浅。比如，它会告诉你如何画一个绝望的眼神，如何表现一个内心的挣扎，或者如何通过一个微小的笑容来传达希望。这些细节的捕捉，让漫画人物的情感更加真实可信，也更能触动读者。