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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540443474

商品编码：29534201581

出版时间：2016-04-01

商品详情

音乐的织锦：古典与现代钢琴演奏技巧精粹 第一章：巴赫的严谨与莫扎特的灵动——古典主义的基石 本书并非侧重于当代流行音乐的即兴伴奏，而是深入挖掘钢琴艺术的古典根源，探究那些奠定西方音乐美学基础的经典作品与演奏范式。我们将以巴赫的《平均律键盘曲集》为引，解析复调音乐的精妙结构与逻辑思维，这对于任何一位严肃的钢琴学习者来说，都是构建扎实音乐理论骨架的必经之路。 巴赫的键盘作品，尤其是赋格曲，要求演奏者具备超乎寻常的独立声部控制能力。我们不会探讨如何快速捕捉流行旋律的和弦走向，而是着重于如何通过精确的指法控制，使对位声部清晰、富有生命力。书中详细分析了“主题”在不同声部间的模仿、展开与交织过程，配有大量的指位图解，帮助学习者理解如何在键盘上实现声音的“空间感”。例如，在G大调第一号赋格的演绎中，我们将辨析主导声部、次要声部以及“拮抗句”之间的动态平衡，强调力度变化如何服务于结构而非纯粹的情感宣泄。 紧接着，我们将进入莫扎特的奏鸣曲世界。莫扎特代表了古典主义时期的清晰、平衡与优雅。本书的核心内容之一，便是对莫扎特钢琴奏鸣曲中“奏鸣曲式”的深度剖析。我们不会教授如何快速扒谱改编流行歌曲，而是教授如何理解呈示部、展开部和再现部的内在戏剧性。 在技术层面，我们将专注于莫扎特对触键的极高要求——那种介于“敲击”与“歌唱”之间的微妙状态。通过分析K.331的“土耳其进行曲”的极速音阶跑动，我们探讨了如何通过手臂重量的精确释放来达到莫扎特所要求的透明度，而非仅仅依靠手指的蛮力。书中的乐谱标注，详细区分了古典时期踏板使用的禁忌与必要性，旨在恢复作品的原貌，避免现代浪漫主义演奏风格对古典作品的过度渲染。 此外，我们还收录了海顿晚期奏鸣曲的选段，探讨其幽默感与结构上的突然性变化，这对于培养演奏者对音乐语汇的敏感度至关重要。这些古典训练，是构建坚实音乐理解力的水泥，而非速成的装饰。 第二章：浪漫主义的激情与肖邦的诗意——个人情感的深度表达 古典主义的规范之后，钢琴艺术进入了浪漫主义的个人化表达阶段。本章完全聚焦于肖邦的艺术，避开流行音乐的和声简化，专注于肖邦对钢琴这一乐器的“诗意化”改造。 肖邦的夜曲、玛祖卡与叙事曲，是教科书式的浪漫主义范例。本书的重点不在于“如何给一首老歌配上简单的和弦”，而在于如何处理肖邦音乐中特有的“Rubato”（自由速度）。我们详细区分了“肖邦式Rubato”与随意的拖沓之间的区别：前者是旋律声部在时间轴上的自由伸展，而伴奏声部则应保持相对稳定的节奏脉络，形成一种“内心的挣扎与自由”的听觉效果。通过对比不同版本（如鲁宾斯坦与贺尔兹的演奏录音分析），我们为读者提供了理解这一概念的实践路径。 在技术细节上，肖邦对音色的要求达到了前所未有的高度。我们将专门设立一节，探讨“歌唱性的旋律线”的实现。这要求演奏者在演奏复杂音群时，必须保持旋律声部的持续、连贯和富有呼吸感，仿佛小提琴家在演奏最长的换弓乐句。例如，在降E大调夜曲中，我们分析了如何通过精心设计的指尖压力，使高音区的旋律音如同月光下的珍珠般闪耀，而不被下方的琶音所掩盖。 对于玛祖卡和波兰舞曲，我们着重于波兰民族精神的体现。这要求演奏者深入理解三拍子的重音变化，以及何时打破常规重音以表达民族的骄傲与忧郁。这是一种文化层面的理解，远超简单的音符排列。 第三章：印象派的色彩与现代技巧的拓展——声音的实验与边界 十九世纪末至二十世纪初，德彪西和拉威尔将钢琴音乐带入了色彩与氛围的领域，这与流行音乐的强功能和声体系截然不同。本书将此部分视为对传统演奏技巧的延伸与革新。 德彪西的作品，如《前奏曲》系列，要求演奏者掌握“和声色彩”的调配。我们不会涉及和弦进行如何驱动旋律，而是探讨“和弦本身如何成为声音的景观”。重点分析了全音阶、五声音阶以及复杂的九和弦、十一和弦在构建“雾气弥漫”的听觉效果中的作用。在技术上，这催生了对“手指的独立性”的更高要求——如何在极弱的力度下，同时清晰地发出跨越数个八度的不同音程，以创造出“水流”或“微风”的质感。 拉威尔的作品则以其清晰的结构和近乎残酷的炫技著称。本书的这一章节，将重点训练演奏者处理复杂的节奏复调与密集的和弦排列。我们不会教授如何快速学会流行歌曲的副歌和弦，而是系统性地解决《镜子》中的“悲哀的鸟儿”所要求的快速交替琶音，以及《加斯帕的夜》中对速度与控制力的极限挑战。这些训练旨在拓展演奏者对键盘的物理认知边界，而非简单的模仿。 结论：回归音乐的内在逻辑 本书的宗旨，是提供一套严谨、深入且富有历史厚度的钢琴学习体系。它关注的是如何通过对古典、浪漫及印象派大师作品的研习，构建起一位专业演奏者所必需的理论框架、技术基础和审美情趣。学习者将从中获得对音乐结构、和声逻辑以及触键哲学的深刻理解，这些知识体系是任何特定风格（包括流行即兴）的技艺得以升华的内在支撑，而不是简单的曲谱堆砌或伴奏技巧的速成指南。它旨在塑造一位能“听懂”音乐的演奏者，而非仅仅“弹奏”出音符的匠人。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性对于我这种需要在乐队或小型演出中担任键盘手的人来说，简直是救命稻草。以前我经常在彩排时因为临时要为歌手的即兴演唱做和声调整而手忙脚乱，很多时候只能用最基础的三和弦应付过去，非常尴尬。这本书对“和弦的扩展音”和“和弦的色彩变化”的讲解，让我学会了如何在保持伴奏清晰度的同时，增加音乐的厚度和层次感。比如，如何巧妙地在V7和弦中加入九音或十三音来烘托出更强的张力，以及如何在流行民谣中用add9或sus4和弦制造出“干净”的氛围。这些技巧书上都有详尽的分析，并且配有大量针对性的练习曲目，这些练习曲目往往模仿了真实流行歌曲中出现的典型和声语汇。它不是那种让你成为录音棚大师的书，但它绝对能让你在现场演奏中显得游刃有余、充满专业性。这本书对我提升现场即兴伴奏的信心，起到了决定性的作用。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我买这本书纯粹是抱着试一试的心态，因为我之前对“流行钢琴伴奏”这个领域的研究并不深入，总觉得它不如古典乐那样有体系。结果这本书彻底颠覆了我的看法。它的结构设计非常巧妙，更像是一部“音乐侦探手册”。它教你如何从一首作品的旋律走向中“反推”出最合适的和声进行，而不是仅仅依赖于书上已经写好的版本。我特别欣赏它对不同风格处理的差异化解析，比如摇滚抒情歌的和弦进行和布鲁斯风格伴奏的律动感是截然不同的，这本书都提供了详尽的对比分析和实战练习。我曾经尝试用书中教的方法去模仿一些爵士钢琴手的伴奏手法，发现以前以为是“即兴发挥”的技巧，其实都有章可循，都有其内在的音乐规律。这本书的印刷质量也值得称赞，谱面清晰，没有出现任何因为排版混乱而导致误读音符的情况，这对于需要快速学习和实战演练的学习者来说，是至关重要的细节。

评分☆☆☆☆☆

这本书对我来说，最大的价值在于它打开了我对“伴奏”概念的全新理解。我过去一直认为，伴奏就是把主旋律的音符暂时放在一边，用和弦来填满空白。这本书告诉我们，伴奏本身就是一种“对话”，它需要回应主旋律的情绪，甚至在某些时刻可以稍微“抢戏”，但绝不能喧宾夺主。作者在讲解流行歌曲如何处理桥段（Bridge）的部分，简直是神来之笔。他们没有采用最常见的那种和弦重复，而是介绍了一种如何通过改变节奏的切分点和增加低音区的音型变化来营造“情绪转折”的技巧。我立刻拿来练习了几首KTV必点歌曲，效果惊人，原本平淡的桥段立刻变得抓人耳朵。这本书不是那种“一学就会，一用就忘”的速成手册，它需要你投入时间和精力去理解背后的原理，但一旦你掌握了，你所获得的将是一种可以迁移到任何新歌上的、灵活的音乐创造力。

评分☆☆☆☆☆

这本《钢琴书 流行钢琴即兴伴奏曲集》简直是为我这种自学成才的琴痴量身定制的！我从初中就开始摸索钢琴，但一直苦于没有系统的方法去应对那些五花八门的流行歌曲伴奏。市面上很多教程要么过于偏重古典乐的技巧，要么就是只给了一个简单的和弦走向，根本无法满足现场即兴的需求。这本书的亮点在于它深入浅出地讲解了“流行”这个词背后的音乐逻辑。它不是简单地把歌曲拆解成一堆音符，而是教你如何理解和声的色彩变化，如何在不同的节奏型中穿插恰当的切分和装饰音。尤其是关于“转调处理”和“节奏律动感”的那几章，我感觉醍醐灌顶。以前弹伴奏总是感觉“干巴巴的”，缺乏那种随着音乐自然流淌的感觉，读完这些章节后，我尝试着给几首周杰伦的老歌配伴奏，效果简直是脱胎换骨，听起来更像是乐队现场的演奏，而不是一个枯燥的钢琴独奏。我特别喜欢作者那种鼓励大胆尝试、不拘泥于死板乐谱的教学态度，它真正让我理解了“伴奏”的意义——是烘托和衬托旋律，而不是简单地重复和弦。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的音乐爱好者，我收集了大量的乐谱和教程，但不得不说，这本书在“实用性”和“审美性”的平衡上做得非常出色。我发现很多教材要么内容过于学术化，充满了晦涩难懂的乐理术语，让人望而却步；要么就是内容太过肤浅，只是一些简单流行歌曲的简化版，对于真正想深入研究的人来说，缺乏深度。这本书的编排恰到好处。它首先建立了一个坚实的基础，比如常用的流行节奏型分解，然后逐步过渡到复杂的段落处理，比如副歌部分的“推高”和主歌的“内敛”。我记得有一段关于如何运用“挂留和弦”来增加流行歌曲的抒情性的讲解，配的范例是几首八九十年代的经典金曲，讲解得非常细致，从和弦的构成到在钢琴上的具体指法都有清晰的图示。这不仅仅是一本“教你怎么弹”的书，更像是一本“教你怎么听懂并重塑”音乐的指南。我甚至开始尝试自己为一些没有伴奏的纯人声清唱歌曲配上和声，成就感爆棚。