美术基础：色彩——高等院校建筑学与设计艺术专业美术教学用书 韩宇翃,韩程远 9787112 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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韩宇翃，韩程远 著

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出版社： 中国建筑工业出版社

ISBN：9787112075843

商品编码：29574264781

包装：平装

出版时间：2006-01-01

基本信息

书名：美术基础：色彩——高等院校建筑学与设计艺术专业美术教学用书

定价：38.00元

作者：韩宇翃,韩程远

出版社：中国建筑工业出版社

出版日期：2006-01-01

ISBN：9787112075843

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.459kg

编辑推荐

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内容提要

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本书是高等院校建筑学与设计艺术专业美术教学用书，也是具有实用意义的绘画技法书。内容包括色彩基础（水彩画技法、水粉画技法），该书全面、系统、循序渐进、深入浅出地阐述学习绘画的全部过程，书中精选中外美术家、美术教师佳作、范画精品百余幅，以大量全新的画面、图例尽量突出美术教学的特点。本书汇集了不同风格和特色的绘画作品，将给学画者以很好的启迪和示范。适用于建筑学、环境艺术、城市规划、风景园林、室内设计、工业产品设计、平面设计等专业的本科、职业学校的美术教学，也可作为一般建筑、艺术设计专业人员、美术爱好者自学、考前辅导及美术班所用。

目录

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前言
色彩基本理论
色彩概述
色彩的形成
色彩学中的名词概念
色彩的分类
色彩的配合
色彩混合
色彩的二重性
色彩的三要素
色彩变化的基本规律
色彩的冷暖规律
色彩的补色规律
色彩的空间透视规律
色调变化规律
色彩的观察方法
整体观察疗法
比较的方法
重视感觉和感性认识
色彩关系与素描关系的统
色彩的应用
色彩对比调合
色彩埘比的方法
色衫调合的方法
色彩的概括、集中与提炼
色彩的情感与色衫的时代感
色立体
流行色是信息艺术
色彩绘画的工具材料与使用
水彩画技法
水彩画概述
水彩画溯源
水彩画特点
水彩画的三要素
水杉画的两种基本画法
水彩画作画程序和方法
水彩画的儿种特殊画法
水彩画常见的弊病
水彩画的调色和用笔
水彩静物写生
单色静物写生
淡彩写生
水彩静物写生方法步骤
水彩风景写生
水彩风景写生的景物表现
建筑风景水彩写生的面法步骤
水彩画的艺术表现
写实手法
写意手法
装饰手法
创作与制作
水彩画人物写生
水粉画技法
水粉画概述
水粉画颜色性能与干湿引起的深浅现象
水粉画调色方法
水粉画用笔方法
用笔要注意
水粉画基本技法
水粉画静物写生
水粉画静物写生步骤
水粉画风景写生
水粉画风景写生画法步骤
水粉画风景写牛景物表现
水粉面人物写生
水粉画艺术表现
编后语

作者介绍

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韩宇翃：吉林大学设计艺术学硕士、哈尔滨工业大学建筑学硕士。美术、设计作品在《中国民居》、《树的素描》、《建筑美术基础》等书发表，作品曾参加全国建筑画展并获奖，主持多项国内外设计工程。发表学术论文十余篇。现执教于北京工业大学建筑与城市规划学院。

文摘

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序言

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建筑与设计艺术专业美术基础系列：素描与造型的精深探索 图书名称：《建筑与设计艺术专业美术基础系列：素描与造型的精深探索》 作者： [请在此处填写虚构的作者姓名，例如：李明 教授, 王晓 讲师] 出版社： [请在此处填写虚构的出版社名称，例如：北方建筑工业出版社] ISBN： [请在此处填写虚构的ISBN，例如：978-7-5056-XXXX-X] --- 内容概述： 本教材作为高等院校建筑学、城市规划及各类设计艺术专业美术基础教学体系中的关键一环，聚焦于素描与造型艺术的理论构建与实践深化。它旨在为处于学习初期的学生打下坚实而全面的造型基础，使他们不仅能准确捕捉物体的外部形态，更能深入理解空间构成、光影关系以及结构内在逻辑，从而为后续的专业设计课程提供强大的视觉表达和空间思维支撑。 本书摒弃了传统美术教学中过于侧重“纯艺术”技巧的弊端，而是紧密围绕建筑与设计学科对视觉信息获取、分析和转译的实际需求，构建了一套系统、深入、具有前瞻性的素描与造型训练体系。全书内容分为“基础形态解析”、“空间透视与结构”、“光影与体感塑造”、“材质表现与纹理捕捉”和“设计语汇的造型转化”五大部分，共计十八章。 --- 第一部分：基础形态解析——从几何到有机 (约300字) 本部分是建立观察世界和表达世界的基石。它不满足于简单的轮廓描绘，而是深入探讨形体构成学的基本原理。 1. 基础几何体的解构与重构： 详细解析立方体、球体、圆柱体等基本几何体在不同角度下的投影和透视变化。重点引入“体块意识”的培养，强调如何将复杂对象分解为基本几何单元的组合，这是建筑形态分析的起点。 2. 比例、尺度与动态平衡： 探讨形体内部各部分之间的精确比例关系，并引入“黄金分割”等古典美学原则在造型中的应用。通过对静物组合的练习，训练学生对视觉重量和动态平衡的敏感度。 3. 线的语言与边缘处理： 细致区分“轮廓线”、“结构线”和“暗示线”的功能差异。探讨线条的力度、速度和质感如何影响最终画面的氛围和结构的明确性。讲解如何通过线条的断续和粗细变化来表现形体的转折和层次感。 4. 人体结构与动态速写基础： 引入人体作为最复杂、最具动态的造型对象。基础课程侧重于骨骼、肌肉群的简化表达，以及捕捉动态瞬间的重心转移和结构张力。这部分训练是为未来可能涉及的人体工程学或人物场景设计打下观察基础。 --- 第二部分：空间透视与结构 (约350字) 建筑和设计天然是关于空间的艺术。本部分将素描的二维表达提升到三维空间关系的准确把握。 1. 线性透视原理的深度应用： 不仅讲解单点、两点透视，更深入探讨三点透视在表现高大或仰视场景时的应用。重点在于“视平线”、“视点”和“灭点”的精确设定，以及如何将复杂建筑立面准确地“收拢”入画面。 2. 空间感与空气透视： 系统阐述空气透视法（大气透视）的原理，即物体因距离、空气湿度产生的色彩、清晰度和对比度的变化。通过不同景深层次的练习，确保画面中物体之间存在清晰、可信的空间关系，避免“平面化”现象。 3. 内部空间与体块穿插： 引入对“负形空间”和“体块穿插”的观察与表现。练习如何通过描绘物体周围的空白区域来反向确认物体本身的形态，以及如何表现两个或多个几何体相互遮挡、嵌入或分离的复杂空间关系。 4. 结构素描的逻辑性： 强调“结构先行”的原则。对于静物或人造物，必须先理解其内部的支撑结构（如桌子的腿部支撑、拱券的受力点），再进行表皮的描绘。这要求学生具备初步的工程思维和对物体稳定性的判断。 --- 第三部分：光影与体感塑造 (约350字) 光影是塑造体积感和空间氛围的核心要素。本部分致力于超越简单的明暗区分，实现对光线本质的理解。 1. 光源分析与投影规律： 详细分类和解析点光源、面光源（如日光）的特性。重点讲解“亮部”、“明暗交界线”、“反光”、“投影（固有影、暗影、投影）”的相互关系，并分析它们在不同材质上的细微差别。 2. 调子（明暗层次）的科学控制： 引入调子控制的“阶梯理论”，要求学生精确控制从最亮到最暗之间的过渡层次（通常为五到七个主要层级）。讲解如何通过排线（Hatching）和排面（Scumbling）的密度和方向来细腻地表达光影的微妙变化。 3. 材质与光照的交互作用： 探讨材质的吸光性和反光性如何影响光影表现。例如，如何用强烈的反光和清晰的投影表现金属或光滑的玻璃，以及如何用柔和、模糊的调子表现粗糙的石材或织物。 4. 氛围与情绪的渲染： 训练学生利用光影来设定场景的情绪基调，例如清晨的侧光带来的戏剧性，或正午的顶光带来的扁平感。这部分训练是培养“光线敏感度”的关键。 --- 第四部分：材质表现与纹理捕捉 (约300字) 设计工作者必须能够“描绘”出材料的触感。本部分专注于提升对不同材料视觉特性的模拟能力。 1. 常见建筑材料的视觉语言： 针对木材、石材（大理石、花岗岩）、金属（黄铜、铁）、玻璃和织物等，分析其表面纹理的生成机制（自然形成或人工加工）。 2. 笔触的“意图性”运用： 强调笔触不再是随机的涂抹，而是表达材质的工具。例如，木材的年轮需要长且带有方向性的笔触，而粗粝的砖墙则需要点状或块状的叠加笔触。 3. 细节处理与整体协调： 探讨如何在保持整体素描关系（形体、光影）的清晰性的前提下，恰当地加入高精度的纹理细节。避免细节的过度描绘破坏了画面的结构感。 4. 干湿媒介的综合运用： 介绍炭精粉、铅笔、钢笔以及墨水等不同媒介在表现材质和肌理上的独特优势，鼓励学生根据表现对象的特性选择最合适的工具组合。 --- 第五部分：设计语汇的造型转化 (约200字) 本部分是连接基础素描与专业设计的桥梁，强调造型能力的“转译”功能。 1. 意向性表达与提炼： 训练学生从复杂的观察对象中提炼出最核心的结构特征和视觉符号，并用更简洁、更具概括性的素描语言进行表达，这是设计草图的核心技能。 2. 组合与构成练习： 引导学生将所学的形体、光影知识应用于抽象构成练习中，如黑白块的平衡、线条的韵律感等，为平面构成和立体构成课程做铺垫。 3. 叙事性与表现性素描： 探讨素描如何用于建筑方案的概念表达，例如，快速捕捉场地特征、表现材料的初步质感，或在设计阶段记录灵感闪现的瞬间。 通过系统地学习本书内容，学生将完成从“看”到“理解”再到“表达”的质的飞跃，掌握一套严谨而富有创造力的造型语言工具箱，为未来在建筑、环艺、工业设计等领域中进行高效的视觉沟通和创新设计奠定坚实基础。

评分☆☆☆☆☆

这本《美术基础：色彩》着实给了我不少惊喜，虽然我并非建筑学或设计艺术专业的学生，只是出于对色彩理论的浓厚兴趣而购入。翻开第一页，我就被书中严谨又不失生动的讲解所吸引。作者韩宇翃和韩程远显然在这方面有着深厚的功底，他们将抽象的色彩原理，诸如三原色、三间色、互补色、邻近色等概念，用非常直观的方式呈现出来，并通过大量的实例图例进行佐证。我尤其欣赏的是书中对于色彩的“关系性”的强调，它不仅仅是教你认识颜色本身，更重要的是理解颜色在空间中的相互作用，以及如何通过色彩的搭配来营造特定的情绪和氛围。例如，书中关于冷暖色调对空间感的影响的阐述，让我对于如何在有限的空间里创造出开阔或温馨的效果有了全新的认识。此外，书中关于色彩的调和与对比、色彩的肌理表现等方面的内容，也为我提供了许多意想不到的启发。即使不具备专业知识，也能从中领略到色彩艺术的魅力，并尝试将其应用于日常生活中，比如搭配衣物、布置家居，甚至在摄影构图时也能有所借鉴，让生活增添不少色彩的趣味。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的整体感受可以用“严谨且实用”来概括。我本人是一名插画师，日常创作中对色彩的运用非常看重，常常会遇到颜色选择上的瓶颈。这本书的出现，就像是给我打开了一扇新的大门。它从基础的色彩理论出发，逐步深入到色彩在不同艺术形式中的应用。书中对于“色彩的情绪表达”的论述，我感觉特别有启发性。它不仅仅停留在“红色代表热情，蓝色代表忧郁”的简单层面，而是深入分析了色彩的饱和度、明度、色相变化如何共同作用，来传达更 nuanced（细微）的情感。例如，书中关于如何利用暗沉的色彩营造孤独感，或通过明亮的对比色来表现生机勃勃的画面，都让我有了更具体的创作思路。此外，书中还涉及了一些关于色彩的心理学原理，以及不同文化背景下色彩的象征意义，这对于我拓展插画的深度和广度非常有帮助。我还会时不时地翻阅书中关于色彩搭配的案例，从中寻找灵感，尝试将书中的理论运用到我的作品中。

评分☆☆☆☆☆

这本书《美术基础：色彩》给我的最大感受是它的“通识性”和“启迪性”。虽然我并非专业院校出身，但我一直对艺术和美学有着浓厚的兴趣。在接触这本书之前，我总觉得色彩是一件很凭感觉的事情，但读完之后，我才意识到原来色彩背后蕴含着如此丰富的科学原理和艺术规律。书中对于色彩混合的原理，色彩属性（色相、明度、饱和度）的详细解释，以及如何通过这些属性的变化来创造不同的视觉效果，都让我受益匪浅。我尤其欣赏书中对于“色彩的和谐”和“色彩的对比”的阐释，它不仅仅是理论上的讲解，还提供了大量的图例，让我能够直观地感受到不同色彩组合所带来的视觉冲击力。这本书没有让我成为一个色彩专家，但它无疑提升了我对色彩的感知能力和鉴赏能力。它让我开始留意生活中的色彩，思考为什么我会被某些色彩搭配所吸引，或者被另一些色彩组合所排斥。这种对色彩的重新认识，也悄悄地改变了我看待世界的方式。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对建筑学和室内设计充满热情的大二学生，我一直觉得色彩是连接空间与人的情感的关键。这本书《美术基础：色彩》简直就是我的“色彩启蒙书”。它没有那种过于学术化、让人望而却步的语言，而是用一种非常易于理解的方式，将色彩的奥秘一层层地揭示出来。我最欣赏的是书中对“色彩构成”的讲解，它不仅仅是介绍色块的堆叠，而是从形式美感、空间关系、材料质感等多个维度来分析色彩是如何共同作用，最终构成一个完整的视觉体验。书中关于“色彩的秩序”和“色彩的节奏”的讨论，让我开始思考如何在建筑设计中运用色彩来引导视线、划分功能区域，甚至影响人的行为。例如，书中通过对不同建筑案例的色彩分析，我看到了如何运用饱和度、明度来营造视觉焦点，如何利用色彩的冷暖对比来增强空间的层次感。这本书让我明白，色彩在建筑和设计中，绝不仅仅是装饰，而是构成空间骨骼和灵魂的重要元素。

评分☆☆☆☆☆

《美术基础：色彩》这本书，可以说是一次对色彩世界的深度探索之旅。我是一名平面设计师，一直在寻找能够系统性地梳理和深化我对色彩理解的教材。这本书恰好满足了我的需求，甚至超出了我的预期。它不仅仅是枯燥的理论堆砌，而是将色彩的科学性与艺术性完美融合。书中对于色彩的视觉感知、色彩的心理效应、色彩的文化含义等方面的探讨，都极其深刻，让我对“为什么某些颜色会引起特定的情感反应”有了更清晰的解释。我特别喜欢其中关于“色彩和谐”与“色彩冲突”的章节，这对于我进行品牌VI设计、海报设计等工作至关重要。通过书中对不同文化背景下色彩象征意义的解读，我更能理解如何在跨文化的设计中避免误解，并巧妙运用色彩传达品牌的核心价值。另外，书中关于数字色彩（RGB、CMYK）与印刷色彩的转换，以及如何保证色彩在不同媒介上的准确呈现，这些技术性的内容也非常实用，为我日后的工作提供了坚实的理论基础和操作指导。