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寿文华著 著

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出版社： 浙江大学出版社

ISBN：9787308112086

商品编码：29657029944

包装：平装

出版时间：2013-03-01

基本信息

书名：艺术形体

定价：39.00元

作者：寿文华著

出版社：浙江大学出版社

出版日期：2013-03-01

ISBN：9787308112086

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：1.580kg

编辑推荐

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内容提要

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　　健康是人的基本权力，是幸福快乐的基础，是国家文明的标志，是社会和谐的象征。然而，社会发展和经济进步在带给人们丰富物质享受的同时，也在改变着人们的生活方式，吸烟、酗酒、缺乏运动、膳食不合理等生活方式产生的高血脂、高血压、高血糖、肥胖等疾病已日益成为影响我国人民健康的大敌，并且朝着低龄化发展。面对不断增加的生活方式病，可行的办法是每个人都从自己做起，摒弃不良的生活习惯，成为健康生活方式的实践者和受益者。
　　大学生是国家的未来，民族的希望，为了提高当代大学生的综合素质和人文素养，作者根据现代大学生追求时尚、健美、气质和个性等特点，通过艺术形体运动将提高大学生艺术修养和增进身心健康巧妙地揉合在一起。
　　本书分理论篇和实践篇。理论篇主要介绍生活方式、科学运动、食物营养、护肤美容等内容与艺术形体运动的有机联系，实践篇主要介绍形体姿态训练、形态训练、身体局部训练的方法和部分轻器械的练习方法。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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《光影的叙事：雕塑的语言与时代的脉搏》 一、 尘封的记忆，永恒的凝视 在人类漫长的文明史中，有一种艺术形式，它不依靠色彩的斑斓，不依赖空间的流动，仅凭物质的坚实与形态的起伏，便能承载思想的重量，诉说情感的深沉，甚至定格时代的呼吸。这便是雕塑，一种以三维空间为画布，以触感与视觉的双重体验为媒介的古老艺术。本书《光影的叙事：雕塑的语言与时代的脉搏》并非对某一部具体的雕塑作品进行解析，也不是对某一时期雕塑流派的简单罗列，而是试图穿透物质的表象，深入探寻雕塑艺术的核心价值，理解其作为人类精神载体所蕴含的深刻意义。 我们将在本书中，一同踏上一段跨越时空的探索之旅。从远古人类用骨骼、石块雕刻出的原始图腾，到古希腊罗马神祇的完美典范，再到文艺复兴时期人文主义精神的具象表达，直至现代抽象主义的观念革新，我们将细致梳理雕塑艺术在不同文明、不同时代背景下的演变轨迹。这种演变并非是机械的重复或无序的颠覆，而是与社会结构、哲学思潮、宗教信仰、科学技术乃至生活习俗紧密相连，互为映照。每一块被雕琢的石头，每一件被塑造的金属，都仿佛凝固了一个时代的记忆，记录了一段人类的思考，映照着创作者内心最深处的渴望与情感。 本书将重点关注雕塑的“语言”。雕塑的语言不是口头的词汇，也不是文字的排列，而是一种沉默的、直观的、却又无比丰富和精准的表达方式。我们将探讨形态（form）如何传递情感，轮廓（outline）如何界定空间，质感（texture）如何触动感知，以及光影（light and shadow）如何在物质的表面上跳跃、流转，赋予静态的实体以生命与动态。一块粗糙的岩石，经过巧匠的雕琢，可以呈现出细腻的肌肤质感；一个冰冷的金属块，可以被塑造成充满力量或柔美曲线的生命体。这种“语言”的转换，是艺术家对材料深刻理解与娴熟掌控的体现，更是其精神意念借由物质得以实现的奇迹。 二、 凝固的动态，流动的空间 雕塑作为一种实体艺术，其最显著的特点在于占据真实的三维空间。与绘画或摄影的二维平面不同，雕塑的每一个角度、每一个侧面都向观者敞开，邀请人们在围绕其行走的动态过程中，去感知、去理解。本书将深入剖析“凝固的动态”这一雕塑艺术的精髓。即使是静止的雕塑，其内在的张力、力量的走向、身体的姿态，都暗含着运动的潜能，或是对某一瞬间运动状态的极致捕捉。米开朗琪罗的《大卫》，那蓄势待发的身体，仿佛下一秒就能冲破束缚；罗丹笔下的人物，即使在痛苦中扭曲，也依然充满了生命力的搏斗。这种“凝固的动态”，是艺术家对人体、对自然界运动规律的敏锐观察与深刻洞察的结果，是将短暂的运动瞬间转化为永恒的艺术形态。 同时，雕塑也深刻地影响着我们对“空间”的感知。它并非孤立的存在于空间之中，而是与周围的环境发生着微妙而深刻的对话。它可以是独立的纪念碑，矗立于广场中央，成为城市的地标；它可以是建筑的附属，与墙壁、屋顶融为一体，共同营造空间氛围；它也可以是装置艺术的一部分，打破传统界限，将观者置于其营造的沉浸式环境中。本书将探讨雕塑如何“流动”于空间之中，如何在实体与虚空之间建立联系，如何引导观者的目光，如何塑造我们对所处环境的整体感受。一座宏伟的雕塑，能够赋予一片广场以庄严与活力；一件精巧的摆件，则能点亮一隅角落，带来宁静与诗意。 我们将考察艺术家如何通过体块的穿插、镂空的处理、基座的设计等手法，来界定与拓展其所处的空间。有时，雕塑是为了填补空间，使其更加充实、饱满；有时，它又是为了切割空间，制造戏剧性的视觉焦点。甚至，雕塑本身就成为了一个“容器”，承载着观者的想象，将虚无的空间也纳入其艺术的范畴。 三、 时代的镜子，思想的回响 任何艺术形式都无法脱离其所处的时代背景，《雕塑的语言与时代的脉搏》尤其强调雕塑作为“时代的镜子”的功能。每一个历史时期，社会的主流价值观、审美取向、政治诉求、科技发展，都会在雕塑作品中留下清晰的印记。 在古埃及，法老的神圣与永恒被体现在其威严而程式化的雕塑中，强调的是统治的稳定与对来世的信仰。古希腊的雕塑则颂扬人类的理性、和谐与完美，展现了对人体之美的极致追求，反映了城邦民主政治的勃勃生机。罗马帝国时期的雕塑，则更多地表现出现实主义的力量，强调军事的辉煌、帝王的权威以及法律的秩序。 进入中世纪，宗教成为了雕塑创作的主导力量，石窟寺庙中的圣徒形象，以其肃穆与虔诚，传达着神圣的教义，也体现了当时人们对精神世界的向往。文艺复兴时期，人文主义的浪潮涌动，雕塑家们重新发掘古希腊罗马的艺术遗产，并将目光投向现实生活中的人和事，创作出充满生命力的作品，如前所述的米开朗琪罗，他的作品既有古典的严谨，又有现实的张力。 巴洛克与洛可可时期，雕塑风格变得更加华丽、动感，充满了情感的宣泄与戏剧性的表现，呼应了当时社会思潮的变革与贵族生活的繁复。而在近代，随着科学的进步和工业的发展，雕塑的形式和材料也发生了巨大的变化。从学院派的精致写实，到印象派对光影的捕捉，再到立体主义、超现实主义、抽象表现主义等一系列现代艺术运动的涌现，雕塑的面貌变得更加多元、复杂，也更加深入地探索人类内心世界与抽象观念。 本书并非简单地介绍这些历史事件，而是试图揭示雕塑作品与时代之间的“脉搏”。我们关注艺术家在创作时的社会身份，他们所处的社会阶层，他们的教育背景，以及他们所能接触到的思想资源。我们还将考察雕塑作品的材质选择、尺寸大小、安放位置等，这些看似细枝末节的因素，往往都与当时的社会经济状况、技术能力、宗教习俗以及权力结构有着千丝万缕的联系。例如，早期大型石雕的制作，需要庞大的人力物力，这本身就反映了当时社会组织能力与统治者的权威。而近代金属铸造技术的发展，则使得艺术家能够创作出更加轻盈、灵活、富有表现力的作品。 四、 创作者的匠心，观者的对话 《光影的叙事：雕塑的语言与时代的脉搏》同样聚焦于“创作者的匠心”与“观者的对话”。雕塑的诞生，离不开艺术家非凡的创造力、精湛的技艺以及对物质世界的深刻理解。从最初的构思，到选材、建模、雕刻、打磨，每一个环节都凝聚着艺术家的心血与智慧。我们将探讨不同时期、不同流派的雕塑家们所采用的技法，如直接雕刻（subtractive method）、塑形（additive method）、铸造（casting）等，以及他们如何通过对工具的运用，将脑海中的意象转化为触手可及的实体。 例如，石雕艺术需要艺术家具备极大的耐心与对材料的敬畏，稍有不慎便可能功亏一篑。而金属雕塑则需要艺术家对冶炼、焊接、抛光等工艺有深入的了解。现代雕塑更是引入了各种新的材料和技术，如玻璃钢、塑料、现成品等，极大地拓展了雕塑的表现力。我们将深入了解那些在材料与形式之间游刃有余的大师们，他们的创作哲学，他们如何与材料进行一场精彩的博弈，并最终将其驯服，使其承载自己的艺术理念。 然而，雕塑的生命并非仅仅在工作室中完成。当一件作品离开创作者的手，它便开始与观者进行一场无声的对话。本书将引导读者去理解如何“阅读”一件雕塑作品。这不仅仅是视觉上的欣赏，更是一种全身心的投入。我们将探讨观者如何通过观察形体、感受质感、理解空间关系，来解读艺术家想要传达的信息。艺术家的情感、思想、甚至创作时的某种心绪，都可以通过作品传递给观者，引发共鸣，或是带来启迪。 我们还将关注雕塑在公共空间中的作用。一座矗立在城市广场的雕塑，不仅仅是一件艺术品，它更是一个文化符号，是城市精神的象征，是连接历史与当下，连接个体与群体的纽带。它能够激发人们的思考，引发公众的讨论，甚至改变一个社区的面貌。本书将探讨雕塑如何成为人与人、人与环境、人与历史之间沟通的桥梁，如何以其独特的“语言”参与到我们日常生活的叙事中。 五、 走向未来：永恒的探索 《光影的叙事：雕塑的语言与时代的脉搏》并非一个终点，而是一个邀请，邀请读者一同继续探索雕塑艺术的无限可能。在科技飞速发展的今天，3D打印、虚拟现实等新技术正在为雕塑创作带来新的机遇与挑战。艺术家们也在不断突破材料与形式的界限，探索新的艺术表达方式。 本书希望通过对雕塑艺术历史、语言、与时代精神的深度挖掘，帮助读者建立起对雕塑艺术更为全面、深刻的认识。它并非一本枯燥的艺术史教材，而是一次充满启发性的阅读体验。我们希望通过对“光影的叙事”的呈现，让读者能够感受到雕塑艺术的温度与力量，理解其在人类文明进程中所扮演的重要角色，并从中获得属于自己的感悟与启发。 这是一次关于物质与精神、静止与运动、个体与时代的对话。希望每一位读者，都能在这场穿越时空的艺术之旅中，找到属于自己的“光影之语”。

评分☆☆☆☆☆

拿到《艺术形体》这本书，就被它那份厚重和细腻所打动。我一直认为，人体是艺术创作中最基本也最富有表现力的载体，而这本书，恰恰是围绕着这个核心，展开了一场精彩绝伦的探索。 书中对不同时期、不同文化背景下的艺术作品中人体形象的解读，让我大开眼界。它不仅仅是简单的图文展示，更像是进行了一场深入的“对话”，去探究艺术家们在创作过程中所面临的挑战、所运用的技巧，以及他们想要通过人体来传达的深层意义。我看到了古希腊人对完美比例的追求，也看到了文艺复兴时期对解剖学的严谨研究，更看到了现代艺术家们如何打破常规，用全新的视角去解构和重塑人体。 我特别欣赏书中对“动态”与“静止”之间张力的剖析。很多时候，一件艺术品之所以能够打动人心，正是因为它能够在静止的画面中，传递出强烈的生命动感和情感波动。这本书通过对肢体语言、肌肉线条、以及光影变化的细致分析，让我能够理解艺术家是如何巧妙地将“瞬间”凝固，并赋予其永恒的生命力。 此外，书中关于“意象”与“写实”之间关系的论述也十分精彩。它并没有简单地将艺术作品分为“写实”和“抽象”两类，而是展现了艺术家们在不同程度上对人体形体的处理方式。无论是对细节的极致追求，还是对整体意境的把握，都让我看到了艺术创作的无限可能性。 《艺术形体》这本书，不仅仅是一本关于艺术技巧的书，更是一本关于如何理解和感知生命的书。它以一种充满哲学思辨和人文关怀的方式，引导我深入探索人体的奥秘，也让我对艺术有了更深刻的理解。我强烈推荐给每一个对美、对生命、对人类创造力充满好奇的朋友。

评分☆☆☆☆☆

《艺术形体》这本书，让我仿佛踏入了一场跨越时空的艺术之旅。书中的内容，与其说是关于“如何画出好看的人体”，不如说是在引导我，去“看见”人体本身所蕴含的丰富信息和表达力。它以一种非常直观的方式，将我带入了一个由线条、光影和体积构筑的视觉世界。 我非常喜欢书中对不同时代艺术流派中人体描绘的梳理。从那些远古时期的雕塑，到文艺复兴时期对人体结构的精细研究，再到后来涌现出的各种现代主义艺术形式，每一个阶段都充满了令人着迷的转变。这本书让我了解到，艺术家们是如何在不同的文化语境下，根据当时的审美观念和哲学思想，去理解和塑造人体形体的。 其中，对我触动比较大的是书中对“动态”和“情感”如何在形体中得以体现的分析。很多时候，我们看到的静止的艺术品，却能传递出强烈的生命力和情感。这本书通过大量的图例和深入的解析，让我明白了艺术家是如何运用肢体的扭转、肌肉的张力、甚至是面部表情的细微变化，来赋予作品以生命，让观者能够与之产生共鸣。 我也很喜欢书中关于“抽象”与“具象”之间关系的探讨。它并没有将艺术作品简单地划分为“写实”或“抽象”，而是展现了艺术家们在保留人体基本结构的同时，如何通过变形、简化或夸张来强化某种特定的表达效果。这让我意识到，艺术中的形体并非一成不变，而是充满了探索和创新的空间。 《艺术形体》这本书，像是一本充满智慧的指南，它不仅拓宽了我对艺术的认知，更激发了我观察生活、感知世界的全新视角。它用艺术的语言，讲述了关于生命、关于情感、关于人类自身最本真的表达，是一本值得反复品读的佳作。

评分☆☆☆☆☆

收到《艺术形体》这本书，我迫不及待地翻阅起来。这本书就像一个精心策划的展览，将不同时代、不同风格的艺术作品以一种非常独特的方式呈现出来。我一直对人体的表现形式在艺术史上的演变感到好奇，而这本书恰好满足了我的求知欲。 它没有简单地罗列作品，而是深入挖掘了艺术家们为何选择以某种特定方式来描绘人体。从早期文明对神圣或象征性形体的描绘，到古典主义对理想化人体美的追求，再到浪漫主义时期对情感张力的释放，以及现代艺术对形体的解构与重塑，每一个阶段的转变都得到了详尽的阐释。我能够从中看到时代背景、哲学思想、甚至社会风俗如何影响着艺术家对人体形态的理解和表达。 书中对于细节的处理也让我印象深刻。比如，对某些雕塑或绘画作品中肌肉纹理、骨骼结构、甚至皮肤褶皱的刻画，都进行了细致的分析，让我们能够理解艺术家是如何通过对这些细微之处的精准把握，来赋予形体以生命力和真实感的。同时，它也探讨了光影在塑造形体立体感方面的重要性，以及色彩如何影响我们对形体的感知。 我特别欣赏书中对不同媒介的探讨，例如绘画、雕塑、素描等，它们在表现人体形体上各自的优势和挑战。通过对比，我更加清晰地认识到，艺术家在选择创作媒介时，也会考虑到其特性如何更好地服务于他想要表达的形体意念。这本书让我不仅仅是“看”艺术，更是“理解”艺术背后的逻辑和思考。 总的来说，《艺术形体》是一部内容丰富、视角独特的艺术史读物。它不仅仅是关于“形体”本身，更是关于人类如何通过形体来表达思想、情感和对世界的理解。这本书的深度和广度都令人赞叹，我相信任何对艺术史、人类形态学以及视觉文化感兴趣的读者，都会从中获益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

《艺术形体》这本书，打开了我看待艺术的新视角。它没有局限于某个单一的艺术流派或时期，而是以一种宏大的视角，串联起了人类在漫长的艺术史中，对人体形态的探索与表达。 我最喜欢的是书中对不同文化背景下，人体形象所承载的意义的解读。比如，在一些宗教艺术中，人体可能被描绘得神圣而超脱；而在另一些时代，它则被视为力量、美貌或情感的载体。这本书让我看到了，艺术家是如何根据当时的社会观念、哲学思想，甚至对宇宙的理解，来塑造和表达人体形体的。 书中对“解剖学”与“表现力”之间关系的阐述也十分精辟。它并非鼓吹对人体结构的死板模仿，而是强调在掌握了基本结构之后，如何通过艺术家的创造力，去赋予形体以生命、情感和个性。我从中看到了，即使是细微的线条变化、光影的巧妙运用，都能够极大地增强作品的感染力。 让我印象深刻的还有书中对“动态”的理解。无论是舞蹈、运动，还是仅仅是人物的站立或行走，艺术家们是如何通过对身体姿态的捕捉，来传递出内在的能量和情绪。这本书让我明白，艺术中的形体绝非静止的，而是充满了内在的张力和生命力的流动。 《艺术形体》这本书，更像是一位引路人，它带领我走进了一个由形体构筑的奇妙世界。它不仅仅教会我如何“看”艺术，更是引导我如何“感受”艺术，如何理解其中蕴含的关于生命、关于情感、关于人类自身的最深刻表达。这本书的深度和广度都令人惊叹，我相信它会给每一位读者带来独特的启发。

评分☆☆☆☆☆

这本《艺术形体》真是让人眼前一亮！拿到书的那一刻，就被它沉甸甸的质感和精美的封面设计所吸引。我一直对艺术中的人体表达充满好奇，尤其是那些能够捕捉到生命力和情感流动的作品。这本书的内容，与其说是“教授”我如何描绘形体，不如说它像一位循循善诱的老师，通过大量的经典案例和深入浅出的讲解，让我看到了形体语言的无限可能。 我尤其喜欢书中对于不同时期、不同文化背景下艺术作品中形体处理的对比分析。从古希腊雕塑的完美比例，到文艺复兴时期对人体解剖学的精确把握，再到现代艺术中对形体的抽象与变形，每一章节都像打开了一扇新的窗户。我能够感受到艺术家们是如何用线条、光影和体积来赋予静态的形体以动态的生命。书中那些高清的插图，简直就是一场视觉盛宴，让我能够近距离地欣赏那些伟大的艺术杰作，体会其中的细节之美。 更让我惊喜的是，这本书并没有停留在纯粹的理论层面，而是通过对一些著名艺术家的创作过程的剖析，揭示了他们是如何从构思到最终完成一件作品的。这让我对艺术创作有了更深刻的理解，了解到每一个完美的形体背后，都凝聚着艺术家无数的思考、尝试和对生命细致的观察。我甚至开始尝试着在生活中去观察人体的姿态，去感受那些微妙的动态变化，这让我的世界变得更加丰富多彩。 这本书的语言也很吸引人，它没有使用过于晦涩的学术术语，而是用一种充满诗意和哲思的笔调来阐述艺术的道理。我常常在阅读的过程中，仿佛置身于一个艺术的殿堂，与大师们进行着跨越时空的对话。它不仅仅是一本关于艺术的教材，更像是一本关于如何感知世界、如何表达情感的指南。我从中汲取了许多灵感，也开始重新审视自己看待事物的方式。 总而言之，《艺术形体》是一本能够触动心灵的书。它用最直观、最生动的方式，展现了人类对自身形体的探索和表达，也让我对艺术有了全新的认识。我强烈推荐给所有对艺术、对美、对生命本身充满好奇的朋友们。它会让你在不知不觉中，打开心扉，去感受那些隐藏在形体之下的深刻意义。