赵燕侠唱腔伴奏曲谱集: 免翻 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 上海书城旗舰店

出版社： 中国文联出版社

ISBN：9787519033392

商品编码：29664693410

本书稿是赵燕侠唱腔伴奏曲谱集的免翻谱，*京剧表演艺术家赵燕侠是北京京剧院五大流派代表人物之一，是京剧界*健在的国宝级的人物，赵派有很多经典剧目，其中“玉堂春”“红梅阁”“碧波仙子”“闯王旗”“孙玉娇”“白蛇传”盘夫索夫”等剧目一直保持着高票房高上座率的记录。现在赵派曲谱是一个空白，为了更好的普及赵派艺术，为了方便伴奏者学习，我整理了赵派所有的经典唱段的伴奏免翻曲谱。为喜欢赵派艺术的朋友们更加方便的传承赵派尽自己一份微薄之力。

《梨园流光：京剧名家经典唱段精选集》 —— 探寻舞台上流光溢彩的瞬间，触摸百年梨园的深厚底蕴 书籍定位与价值： 《梨园流光：京剧名家经典唱段精选集》并非一部单纯的曲谱汇编，而是一部深入京剧艺术殿堂，精心梳理和呈现不同时代、不同流派大师们艺术成就的综合性读物。本书旨在为京剧研究者、戏曲爱好者，以及渴望了解中国传统表演艺术精髓的读者提供一个立体、深入的视角，去感受那些塑造了京剧辉煌历史的艺术家的独特风采与不朽贡献。 本书的焦点集中于那些经过时间检验，被誉为“镇箱之宝”的经典唱段。我们不追求包罗万象，而是致力于精挑细选，力求每一篇幅都能体现出极高的艺术价值和历史意义。我们相信，真正的艺术鉴赏，在于对“精”的把握，而非对“多”的堆砌。 内容结构与特色： 本书共分六个主要部分，层层递进，构建了一个完整的京剧艺术鉴赏体系： 第一部：清流初探——早期流派奠基人精选唱段解析 本部分聚焦于京剧形成初期，如程长庚、老生行当的早期宗师们。我们将选取代表他们艺术风格的标志性唱段，不仅展示工尺谱与简谱的对照，更重要的是，辅以详尽的“身段口吻解析”。这些解析将深入探讨早期的韵味是如何通过特定的唱法、气口安排，以及舞台调度来体现的。例如，对于某段标志性的“西皮流水”，我们将剖析其如何体现出“大气磅礴”的早期风貌，以及与后世的细微差别。 第二部：四大名旦的韵味与传承——旦角艺术高峰 四大名旦是京剧艺术的瑰宝。本部分将对梅兰芳、尚小云、程砚秋、荀慧生四位大师的代表作进行深度挖掘。我们关注的重点在于“差异性”和“创新性”。 梅派： 选取《贵妃醉酒》、《太真外传》等中的核心唱段，重点解析其“雍容典雅”的审美追求，以及如何通过对旋律的细腻处理，达到“无一不美”的境界。附录中将包含对梅先生舞台化妆和服饰的图文对照，以辅助理解其整体艺术形象。 尚派： 侧重于其“刚健清脆”的风格，特别是在武旦和青衣的结合部。我们将分析《昭君出塞》中那种将悲愤融入高亢之中的特殊处理手法。 程派： 深入探究“程腔”的“水袖功”与“哭腔”的完美融合。选取如《锁麟囊》中的经典段落，图解水袖的起落如何与喉音的转折形成共鸣。 荀派： 强调其“活泼娇俏”的闺门旦特色，解析其唱腔中对民间小调元素的吸收与提炼。 第三部：生行乾坤——老生与小生的风格交融 本部分将对余叔岩、言少朋、杨宝忠等名家在生行中的贡献进行梳理。余派的“醇厚苍劲”与言派的“俊逸洒脱”形成了鲜明的对比。对于余派的经典唱段，我们将侧重于讲解其“字正腔圆”背后对气息控制的极高要求；对于小生，则侧重于讲解其“韵白”的运用，即如何在不失韵味的前提下，将念白处理得如同歌唱一般流畅。 第四部：武派的刚猛与跌宕——武戏中的声与形 京剧的武功是其重要组成部分，但武戏的唱段往往被忽视。《梨园流光》特别辟出章节，分析如杨小楼、尚和玉等武派大家在“靠把戏”中的唱段。这些唱段的特点在于其旋律必须与大幅度的武打动作相匹配。我们将通过“慢动作分析图”，解构武打间隙的换气点和腔头设计，展示武术功底如何内化于唱腔之中，使之充满力量感和戏剧张力。 第五部：流派的时代回响——中生代艺术家的创新与发展 京剧艺术并非静止不变。本部分将聚焦于建国后，那些继承并发扬了老一辈艺术精髓，同时又融入时代精神的中生代艺术家的代表作。例如，对某几位代表性艺术家的某个“改编”或“移植”的唱段进行分析，探讨他们如何在保持传统“腔体”不变的前提下，拓宽了表现的题材和情感的深度。这部分内容旨在说明京剧艺术的生命力在于其“传承中的发展”。 第六部：伴奏的艺术——板式与配器的深度对话 本书的特色之一，在于对伴奏的重视。不同于单纯的曲谱，我们设有专门的章节，探讨在不同的唱段中，京胡、月琴、三弦、铙钹、大锣是如何相互配合，以烘托演唱者情感的。例如，在一场表现“愤懑”情绪的唱段中，板鼓的“紧”法是如何通过节奏变化，将演唱者的内心冲突外化为听觉体验的。此部分将包含针对不同板式（如二六板、流水板、垛板）的典型鼓板图例，供读者对照学习。 读者群体： 本书适合所有对中国传统戏曲艺术有浓厚兴趣的读者。尤其推荐给： 1. 戏曲专业学生和教师： 作为教材之外的参考读物，用于深入了解流派风格的细微差别。 2. 京剧票友： 提供一套更系统的理论框架，帮助票友更好地理解和模仿经典唱腔的“精髓”。 3. 文化研究者和历史学者： 了解京剧艺术如何作为中国近现代社会变迁的“活化石”。 《梨园流光：京剧名家经典唱段精选集》力求做到“言之有物，图文并茂，深入浅出”，为您开启一扇通往京剧艺术巅峰的厚重之门。翻开此书，您将不仅仅是阅读乐谱，更是与那些不朽的梨园巨匠进行一场跨越时空的对话。

评分☆☆☆☆☆

我最近翻阅的这本《地方戏曲濒危剧种抢救性记录：闽南歌仔戏声腔变迁录》给我最大的感受是紧迫感和抢救的意义。这本书的价值，更多体现在其文献记录的不可替代性上。它记录的剧种，许多目前在舞台上已是凤毛麟角，若无此书的文字和附带的音像资料（虽然我拿到的是文字版，但其描述已足够详尽），这些独特的声腔特色可能真的就要消逝在历史烟尘之中了。书中对歌仔戏特有的“拖腔”和“气韵”的描述，采用了非常直观的口述体和专家访谈的形式，真实感极强。它没有过多的理论包装，就是一群老艺人最朴素、最直接的技艺传承心声。我尤其喜欢其中对“板式转换”时，如何通过鼓板的微妙变化来烘托情绪的描述，这是一种只可意会不可言传的经验，这本书却设法将其“翻译”成了文字。对于任何一位关注非物质文化遗产保护的人士来说，这本书都是一份沉甸甸的责任感和一份珍贵的资料库。它让我意识到，我们不仅要欣赏那些光芒万丈的传统艺术，更要关注那些在角落里挣扎的“小众”声音。

评分☆☆☆☆☆

这本《戏曲声腔的时代变奏：从口传心授到现代录音技术的影响》读起来像是一篇跨学科的探讨。它没有专注于某一个剧种，而是将目光投向了整个戏曲艺术在近百年间，面对现代科技浪潮时的适应与抵抗。作者的视角非常新颖，他没有把录音技术简单地看作是“记录工具”，而是将其视为一种主动的“塑造力量”。书中探讨了录音机对演员在现场演唱习惯上的潜移默化影响，比如为了适应麦克风收音的特点，一些过去依赖大幅度气流变化的唱法是否有所收敛，这是一个非常值得深思的问题。文章的结构非常像一个辩论赛的总结陈词，正反两方面的观点交织，充满了张力。阅读过程中，我忍不住思考自己平时听戏的方式——我是更偏爱现场的不可预测性，还是录音棚的完美剪辑？这本书没有给出标准答案，而是引导读者自己去权衡和定义“艺术的真实性”。这本书的阅读体验是启发性的，它让我对“传承”这个概念有了更复杂的理解：传承不只是保存原样，更是在不断的选择和适应中寻找新的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

我对这本《昆曲传奇：水磨腔调深度探析》的评价，会着重于它的学术深度和挖掘的广度。这本书的作者显然不是一个泛泛而谈的评论家，而是下了大功夫进行田野调查和史料考证的学者。它并没有过多纠缠于耳熟能详的经典剧目，而是将焦点放在了那些在历史长河中逐渐被边缘化，但艺术价值极高的“冷门”水磨腔的变体上。书中对不同地域昆曲班社在同一段唱词上声腔细微差异的对比分析，令人叹服。比如，书中通过比较苏昆与海派昆曲在“颤音”处理上的差异，清晰地勾勒出了不同历史时期审美趣味的流变。更难能可贵的是，它引入了声学分析的概念，尝试用科学的语言来解释传统声乐技巧的物理基础，这对于希望从理论层面理解昆曲“柔、匀、静”特质的研究生来说，无疑是一本极好的参考书。虽然阅读过程需要一定的昆曲基础知识，但如果你真的想跳出舞台上的直观感受，去探究其深层结构，这本书绝对能为你打开一扇全新的大门。它不像那些为大众普及而写的读物，它更像是为“行家”准备的内参，其严谨和细致程度，足以跻身当代戏曲研究的优秀行列。

评分☆☆☆☆☆

这本《梨园遗韵：老生唱腔精选集》简直是戏曲爱好者的福音！我原本以为，在如今这个数字媒体充斥的时代，想要找到一本系统、深入介绍传统老生唱腔的实体书会是件难事，但这本书完全超出了我的预期。它的编排非常用心，从最基础的板眼、气口处理，到不同流派的韵味区分，都做了详尽的图文解析。尤其是书中对几位已故京剧大师在特定剧目中的处理方式，提供了非常细致的谱式标注，这对于想要钻研“神韵”的票友来说，是无价之宝。我记得书中有专门一章讲“慢板起板”的处理技巧，作者没有简单地给出音符，而是结合了舞台表演的视觉意象来描述，比如“如拨云见日，气势骤开”，这种文笔既专业又不失文学美感，读起来一点都不枯燥。我拿到手后，连着好几天爱不释手，感觉自己仿佛跟随书中的文字，穿越回了那个戏曲的黄金年代，重新体验了老一辈艺术家们在台上的风采与功力。这本书的装帧质量也值得称赞，纸张厚实，印刷清晰，对于需要反复翻阅和对照的乐谱来说，这是最基本也是最重要的保障。这本书的价值，绝不仅仅是一本曲谱，更像是一部微型的老生唱腔“教科书”和“鉴赏指南”。

评分☆☆☆☆☆

《徽班进京：声腔融合与京剧初生》这本书，带给我的是一种宏大叙事下的微观观察的震撼。它不是简单地罗列史实，而是以一种非常“故事化”的叙事手法，将声腔艺术的演变融入到波澜壮阔的时代背景之中。阅读体验非常流畅，像是在听一位博学的历史学家娓娓道来。书中对“京胡”这个标志性乐器的兴起与发展，如何影响了早期京剧的腔调走向，有非常精彩的论述。作者巧妙地将政治、经济因素与舞台艺术的革新联系起来，使得京剧的诞生不再是一个孤立的艺术事件，而是特定历史阶段的必然产物。我特别欣赏书中对于“二黄”和“西皮”从地方声腔吸收、改造到最终定型的过程的描述，它通过对早期戏班演出票的复原和解读，生动地展示了这种“融合”是如何在实践中一步步完成的。全书逻辑清晰，论据扎实，对于我们理解京剧“国粹”地位的来之不易，提供了非常深刻的见解。它让我对这部国粹的“前世”充满了敬意，也明白了艺术的生命力，往往来自于对外部世界的开放与吸收。