影视动画造型基础 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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丁海祥，姚桂萍 著

图书标签:

• 影视动画
• 造型设计
• 基础教程
• 艺术设计
• 动漫
• 绘画
• 角色设计
• 美术
• 技法
• 入门

店铺： 博学精华图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040317008

商品编码：29692546088

包装：平装

出版时间：2011-05-01

基本信息

书名:影视动画造型基础

：21.60元

售价：14.7元,便宜6.9元,折扣68

作者:丁海祥,姚桂萍

出版社：高等教育出版社

出版日期：2011-05-01

ISBN：9787040317008

字数：

页码：108

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.241kg

编辑推荐

内容提要

《影视动画造型基础》是普通高等教育“十一五”规划教材。《影视动画造型基础》详述影视动画角色设计过程，介绍动画角色设计人员应该具备的能力和素养，通过典型实例解析设计过程中角色、场景、剧本、策划方面的基本常识和方法。主要内容包括：角色设计的常识和基本理论、角色设计的各种风格和这些风格各自的特征、角色设计的流程、人物形象设计的要素、基础造型、角色设计的标准格式和绘制方法。《普通高等教育“十一五”规划教材：影视动画造型基础》结合了大量实例，能帮助读者形象地了解影视动画角色设计过程，对实际操作具有很强的指导意义。
《普通高等教育“十一五”规划教材：影视动画造型基础》可作为应用性、技能型人才培养的各类教育“影视动画造型”课程的教学用书，也可供影视动画造型设计从业人员和爱好者参考使用。

目录

作者介绍

丁海祥，1962年11月出生。毕业于北京电影学院并获得学士学位。现任浙江传媒学院的画学院院长，担任的社会职务包括浙江创意设计协会副理事长、中国电视美术研究会理事等。
从事教学工作23年，专业方向为影视动画、影视广告。出版多部动画及广告专著，主编多部规划教材。其导演的多部影视动画作品在中央电视台播出并获奖，例如52集动画片《天天健康》于2008年8月在中央电视台少儿频道播出，获杭州第五届国际动漫节国产长片入围奖，获2008年山西省五个一工程奖，动画片《大话成语》奖2005年度北京电影学院佳辅导教师奖。

文摘

序言

《光影织梦：角色设计与场景构建的艺术之旅》 序言： 在二维与三维的交错空间里，生命被赋予了形体，故事被编织成画面。从寥寥几笔的草图到栩栩如生的动态影像，每一个角色的诞生，每一处场景的渲染，都凝聚着创作者的无数心血与巧思。《光影织梦：角色设计与场景构建的艺术之旅》并非简单地罗列技法，而是深入探索动画造型艺术的灵魂所在，它是一扇通往视觉叙事殿堂的大门，邀您一同踏上这场充满想象力与创造力的艺术之旅。本书旨在为所有热爱动画、渴望掌握角色塑造与场景构建精髓的读者提供一份详尽的指南，帮助您理解并实践从概念萌芽到视觉呈现的完整过程。 第一章：灵感的源泉与概念的孕育 在构思一个角色或一个场景之前，最关键的是找到那团炽热的火花——灵感。本章将带领您探索灵感的多重来源，无论是历史文化、自然风貌、人文情感，还是抽象的哲学思辨。我们将学习如何捕捉稍纵即逝的创意，并将其转化为清晰可辨的概念。 1.1 灵感的猎取与培养： 观察与感知： 强调生活中的细节，从人物的肢体语言、服饰特点，到建筑的结构、光影的变幻，都是灵感的宝藏。讲解如何进行有意识的观察，并用速写、笔记等方式记录下这些瞬间。 情感的映射： 角色和场景的设计往往与情感紧密相连。如何将喜悦、悲伤、愤怒、恐惧等情绪转化为视觉元素，是本章的重点。例如，硬朗的线条可能代表力量与决心，柔和的曲线则暗示温柔与脆弱。 文化与历史的借鉴： 探索不同文化背景下的艺术风格、服饰、建筑和传说，如何为角色和场景注入独特的时代感与地域风情。分析经典神话、历史事件在动画造型中的应用。 自然形态的启迪： 动物、植物、地貌等自然界的形态、色彩和纹理，为设计师提供了无穷的灵感。学习如何从自然中提炼出具有表现力的造型元素。 跨界艺术的融合： 绘画、雕塑、摄影、音乐、文学等其他艺术形式，如何为动画造型带来新的视角和可能性。 1.2 概念的梳理与确立： 核心主题的提炼： 将零散的灵感汇聚成围绕故事核心的明确主题。一个角色是代表希望还是绝望？一个场景是营造紧张还是宁静？ 目标受众的考量： 不同的年龄层和文化背景的观众，对视觉风格和角色形象的接受度不同。理解目标受众是进行有效概念设计的前提。 叙事需求的分析： 角色和场景的设计必须服务于故事的叙述。分析角色在故事中的功能、性格特征，以及场景对剧情发展的作用。 风格方向的探索： 从写实到卡通，从东方到西方，从复古到未来，探索多样化的视觉风格，并根据项目需求确立最合适的风格定位。 视觉元素的初步构思： 确定角色的基本轮廓、色彩倾向、材质特点，以及场景的整体氛围、空间布局、关键道具等。 第二章：角色设计的艺术：生命与灵魂的塑造 角色是动画的灵魂，是观众情感的寄托。本章将深入剖析如何从概念出发，逐步构建出立体、生动、令人难忘的角色形象。 2.1 形体与比例的语言： 人体解剖学基础： 讲解人体骨骼、肌肉的基本结构，以及在不同动态下的表现，为创作写实或夸张的角色打下基础。 夸张与变形的法则： 探讨如何通过对人体比例的夸张、变形，来塑造角色的性格特点、职业身份或特殊能力。例如，修长四肢代表优雅，粗壮体魄象征力量。 动物与非人生物的设计： 借鉴自然界动物的特征，或创造全新的生物形态，强调其独特性与生物逻辑。研究不同物种的解剖结构如何影响其动作和表达。 比例的心理学影响： 分析不同比例组合对观众心理产生的联想，如大头小身躯的可爱感，高大健硕的身材带来的压迫感。 2.2 面部表情与情感传达： 眼睛的灵魂之窗： 深入研究眼睛的结构、形状、虹膜颜色、睫毛等细节如何影响角色的性格和情感表达。讲解不同眼神的细微差别，如疑惑、坚定、悲伤、狡黠。 嘴部的动态变化： 分析嘴唇、牙齿、舌头等在不同发声、表情下的运动轨迹，以及它们如何辅助面部表情的完整性。 眉毛与鼻子的表现力： 探讨眉毛的形状、角度、高度如何直接影响情绪的传递，以及鼻子的轮廓和鼻翼的细微变化如何增强面部特征。 脸部肌肉运动的规律： 结合表情肌的运动原理，理解如何在静态造型中暗示动态的情感变化，以及在动画中如何绘制自然流畅的面部表情。 2.3 服饰与道具：叙事的载体： 服装的文化与身份象征： 探讨服装的款式、材质、色彩如何反映角色的时代背景、社会阶层、职业身份、个人品味。 服装的动态与质感表现： 学习如何通过服装的褶皱、垂坠、磨损等细节，来增强角色的真实感和生命力，并暗示其动作和经历。 道具的功能与意义： 分析角色所持有的道具，如何体现其能力、性格、与故事的关系。例如，一把旧魔法杖可能暗示着悠久的历史和强大的力量。 服装与身体的互动： 讲解服装如何随着角色的身体动作而产生变化，以及服装的层次感和搭配如何丰富角色的视觉语言。 2.4 色彩与光影：赋予角色生命： 色彩的情感与象征意义： 深入研究不同颜色在不同文化背景下的象征含义，以及如何通过色彩搭配来塑造角色的性格和情绪基调。 主色调与辅助色的运用： 讲解如何确立角色的主色调，并用辅助色来突出重点或营造对比。 光照方向与明暗关系： 分析不同光源方向对角色造型的影响，以及如何通过明暗对比来塑造体积感、强调轮廓、营造氛围。 材质的表现： 学习如何通过色彩和光影的变化，表现出角色服装、皮肤、毛发等不同材质的质感，如丝绸的光泽、皮革的粗糙、金属的冰冷。 第三章：场景构建的艺术：世界的基石与氛围的营造 场景是故事发生的舞台，是烘托气氛、推动情节的关键元素。本章将带领您从宏观到微观，构建出既具视觉冲击力又富含故事细节的场景。 3.1 空间设计与透视原理： 一点透视、两点透视、三点透视的应用： 详细讲解不同透视原理在场景绘制中的应用，以及如何利用透视来引导观众视线、营造空间深度。 景深与构图的运用： 学习如何通过景深和构图来突出场景的重点，营造视觉焦点，并增强画面的层次感和叙事性。 室内与室外的空间逻辑： 分析不同类型空间的结构特点、功能布局，以及如何根据环境的性质来设计合理的空间关系。 3.2 建筑与环境的细节塑造： 风格化建筑设计： 探讨不同历史时期、地域文化、幻想世界中的建筑风格，以及如何通过建筑形态、装饰细节来展现场景的独特性。 自然环境的描绘： 学习如何绘制山川、河流、森林、沙漠等自然景观，并注意其肌理、色彩、光影的变化。 道具与摆设的叙事性： 分析场景中的各种道具、家具、陈设，如何反映居住者的生活习惯、社会地位，甚至暗示即将发生的事件。 环境的“性格”： 探讨如何通过场景的设计，赋予其独特的“性格”，例如，破败的古堡传递着衰败与神秘，繁华的都市展现着活力与机遇。 3.3 光影的魔法：氛围与情绪的 orchestrator： 光源的设定与运用： 分析自然光源（太阳、月亮、星辰）与人造光源（灯光、火把）的特性，以及如何根据场景需求设定光源的位置、强度和色彩。 不同光照下的色彩变化： 学习在清晨、正午、黄昏、夜晚等不同光照条件下，物体色彩的变化规律。 阴影的塑造与表现： 讲解阴影的形状、锐利度、深浅如何影响画面的立体感和情绪，以及如何利用阴影来营造神秘、紧张或宁静的氛围。 光影对叙事的作用： 分析特定的光影效果，如逆光、侧光、丁达尔效应等，如何增强画面的戏剧性，突出角色或物体。 3.4 色彩的叙事：情感的共鸣与世界的编码： 色彩的情绪板： 讲解如何运用色彩情绪板来确立场景的整体色调，并营造特定的情感氛围。 主色调与对比色的运用： 分析如何运用主色调来统一场景，并通过对比色来突出重点、增强视觉冲击力。 色彩的地域与文化关联： 探讨不同地域和文化背景下的色彩偏好，以及如何通过色彩来强化场景的地域属性。 色彩在时间推移中的变化： 学习如何通过色彩的细微变化来表现一天中的不同时刻，或四季的更迭。 第四章：从平面到立体：设计思维的升华 本章将引导读者超越二维平面的绘制，思考如何在三维空间中构思和表现造型，并为动画制作打下坚实的基础。 4.1 体块与结构：造型的骨骼： 基础几何体在造型中的应用： 讲解如何用球体、方体、圆柱体等基础几何体来分解和构建复杂的角色和物体。 形体切割与组合： 学习如何通过对形体的切割、延伸、旋转、扭曲等操作，创造出富有动感和表现力的造型。 体块的转折与连接： 分析不同体块之间的连接方式和转折关系，如何影响造型的整体感和力量感。 对角色和场景的“体积感”认知： 强调在绘制时，要始终从三维空间的角度去思考，即使是二维图形，也要体现出其厚度和立体感。 4.2 动态与运动的预设： 运动的研究与记录： 强调观察生活中的动态，并将其转化为造型设计中的表现力。 骨骼与关节的思考： 即使是静态造型，也要考虑角色或物体在活动时的骨骼运动和关节弯曲的可能性。 节奏与韵律的体现： 学习如何在造型中体现出线条的节奏感和形态的韵律感，使之充满生命力。 表情和动作的联动： 探讨面部表情与身体动作的协调性，以及如何通过造型设计来预设角色的性格化动作。 4.3 材质的触感与光泽的模拟： 不同材质的视觉特征： 详细分析金属、布料、木材、石头、皮肤等不同材质的表面纹理、反射特性、吸光程度。 纹理与细节的绘制： 学习如何通过笔触、网点、色彩叠加等方式，细腻地表现材质的细节和质感。 光泽与反射的模拟： 讲解如何通过高光、反光、环境反射等光影效果，来准确表现不同材质的光泽度，如金属的光滑、皮革的光亮。 材质在故事中的作用： 探讨材质的选择和表现，如何增强场景的真实感、表达角色的经济状况或所处环境的特性。 第五章：设计流程与实践：从草图到成品 本章将梳理从概念到最终成品的设计流程，并提供实用的实践建议，帮助读者将所学知识转化为实际创作。 5.1 草图的探索与演进： 自由联想与快速构思： 强调草图在初期阶段的价值，鼓励大胆尝试，不拘泥于细节。 不同风格的草图练习： 探索线条粗犷的示意图、细节描绘的速写、形式感的剪影等不同类型的草图。 从二维到三维的草图思考： 学习如何绘制带有初步体积感的草图。 5.2 线稿的精炼与造型的锁定： 清晰的轮廓线与结构线： 讲解如何绘制准确、流畅的线稿，明确造型的轮廓和内部结构。 明暗和体块的初步表现： 在线稿基础上，通过简单的明暗关系和体块划分，进一步巩固造型。 反复推敲与优化： 强调设计过程中需要不断地进行调整和修改，直至满意为止。 5.3 色彩与光影的实验与定稿： 色彩小稿的尝试： 在确定线稿后，通过绘制不同色彩组合的小稿，来探索最佳的色彩方案。 光影的细节调整： 仔细推敲光源方向、阴影的过渡，以及高光的处理。 材质感的最终呈现： 通过精细的笔触和色彩运用，将材质的质感完全展现出来。 5.4 风格化与表现手法的探索： 总结个人风格： 鼓励读者在掌握基础技法后，逐渐形成自己独特的艺术语言和表现风格。 不同绘画软件与工具的运用： 简要介绍主流的数字绘画软件和传统绘画工具，并分析其优缺点。 作品集与展示： 强调整理和展示作品的重要性，为未来的发展奠定基础。 结语： 《光影织梦：角色设计与场景构建的艺术之旅》希望成为您在动画造型艺术道路上的忠实伙伴。它所提供的不仅是技法，更是理解视觉语言、激发创作潜能的钥匙。愿您在阅读本书的过程中，能够点燃内心的创作火焰，用您的想象和双手，编织出属于您自己的光影之梦，为动画世界注入更多生动与精彩。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的启发在于它对“动态表现”的理解。我一直以为造型设计就是画静态的姿势，但《影视动画造型基础》却让我认识到，真正的造型设计，是为“运动”而生的。它没有直接给出很多关于骨骼结构、关节运动的详细讲解，而是从“力的流动”和“能量的传递”这些更宏观的角度来阐述。书中对“角色动力学”的分析非常透彻，作者通过大量的实例，展示了不同运动状态下，角色身体的变形、肌肉的收缩以及线条的流畅性是如何共同作用，来表现角色的速度、力量和情绪。比如，它会分析一个奔跑中的角色，为什么身体会前倾，四肢的摆动幅度是多少，以及服装的飘动会如何增强速度感。这种对“运动中的造型”的深入剖析，让我对如何设计出更有生命力的角色有了全新的认识。而且，这本书还很注重“情感张力”的塑造，它教你如何通过造型来放大角色的喜怒哀乐，让观众在看到角色的那一刻，就能感受到TA的情绪。这种从“静态”到“动态”再到“情感”的层层递进，让我觉得这本书的价值远超一般的技法教程。

评分☆☆☆☆☆

刚翻完这本《影视动画造型基础》，感觉最大的收获在于它对角色设计的理解深度。书里并没有直接教你“如何画一个圆”，而是深入探讨了“为什么一个角色需要这个形状，它又能传达出怎样的性格和情感”。这一点非常难得，很多教程往往停留在技法层面，而这本书却能让你跳出“形似”，去思考“神似”的来源。它花了大量篇幅来分析不同文化背景、不同时代背景下的人物造型演变，从古代雕塑到现代漫画，都进行了细致的比对和解读。我特别喜欢其中关于“肢体语言与造型关联”的部分，作者用大量的实例，比如通过微小的颈部倾斜、肩部放松或紧绷，如何瞬间改变角色的情绪状态，以及这些细微之处如何体现在整体造型上，简直是醍醐灌顶。而且，它并没有局限于某一种风格，而是包罗万象，从写实到夸张，从东方到西方，都给了相当全面的介绍。虽然这本书的名字是“基础”，但我觉得它所涵盖的深度和广度，即使是经验丰富的创作者，也能从中获得不少启发。它不是那种让你看完立刻能画出惊艳作品的速成指南，而更像是为你打开了一扇通往造型艺术更深层理解的大门，让你明白，好的造型不仅仅是技巧的堆砌，更是思想和情感的具象化表达。

评分☆☆☆☆☆

读完《影视动画造型基础》，我感觉自己对“风格化”这个概念有了更深刻的理解。以往我总觉得风格化就是画得不像现实，或者用一些夸张的比例。但这本书却从“文化基因”和“时代精神”的角度来解读风格的形成。它花了大量的篇幅去分析不同地域、不同历史时期的人物造型特征，比如古希腊雕塑的严谨与和谐，文艺复兴时期的人物比例与解剖学，以及现代动漫中那些极具个性的设计。这本书让我明白，所谓的“风格”并非凭空产生，而是深深植根于历史、文化和社会背景之中。它不只是关于“怎么画得不一样”，更是关于“为什么这样做”。书中对“符号化语言”的运用讲解得非常精彩，它分析了在不同文化中，某些符号（比如龙、凤凰、十字架等）是如何被赋予特定的含义，以及这些符号如何被巧妙地融入角色造型，来传递更深层次的信息。它还探讨了“借鉴与创新”的界限，教你如何在学习前辈优秀作品的基础上，形成自己独特的风格。这本书不是教你模仿，而是引导你思考，让你在理解的基础上，真正地“创造”出属于自己的造型语言。

评分☆☆☆☆☆

这本书的侧重点真的非常独特，它并没有把我期望的关于具体软件操作、绘画技巧的那些东西塞满，反而是在“叙事性造型”这个概念上做足了文章。我之前也看过一些造型相关的书，但往往都是讲透视、人体结构、光影这些硬核知识。《影视动画造型基础》却从一个完全不同的角度切入，它强调造型本身就应该具有“讲述故事”的功能。比如，书中关于“环境对造型的影响”这一章节，就给我留下了深刻的印象。它通过分析不同生存环境下的生物和人类的造型特征，来阐释环境压力如何塑造生物形态，以及这种塑造逻辑如何被运用到虚构角色的设计中。再比如，它深入探讨了“符号化造型”的原理，讲解了在动画中如何利用简洁的线条和形状，快速传递角色的职业、性格甚至历史背景。书中列举了许多经典动画角色的例子，比如那个经典的穿着工装裤、戴着安全帽的管道工，仅仅通过这些简单的元素，我们就能瞬间联想到他的职业和一些可能的性格特征。这让我意识到，一个成功的角色造型，不仅仅是为了好看，更是为了服务于故事，让观众在第一眼看到角色的瞬间，就能对TA产生初步的认识和联想。这种“为故事而设计”的理念，是我在这本书里学到的最宝贵的东西。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验出乎意料地令人兴奋，因为它并没有像我之前预想的那样，罗列出一大堆枯燥的理论或者生硬的作画步骤。相反，它更像是一场充满启发性的思想对话。作者在书中花了大量篇幅来探讨“设计哲学”和“美学原理”在造型设计中的应用。我尤其喜欢它关于“负空间”和“留白”的章节，通过解析中国传统绘画中的意境，来引申到动画造型中如何通过“未被描绘的部分”来暗示角色的内心世界和潜在能力。这种跨界的思考方式，让我看到了造型设计更广阔的可能性。书里还提到了很多关于“节奏感”和“韵律感”在造型设计中的运用，比如通过重复的线条、形状或者色彩搭配，来营造出角色的动感和生命力。这些概念在很多其他书籍里可能被提及，但在这本书里，它们被阐述得更加具象化、易于理解，并且与具体的造型设计实践紧密结合。我感觉它不是在教你“怎么画”，而是在教你“怎么思考”和“怎么感受”。它引导你去观察生活中的一切，去分析事物背后的逻辑，然后将这些感悟转化为具有表现力的造型。这种潜移默化的影响，远比死记硬背的技法来得更加深刻和持久。