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但昭义王雁 编

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店铺： 和谐万邦图书专营店

出版社： 四川文艺出版社

ISBN：9787541125409

商品编码：29732289187

丛书名： 新编钢琴入门与进阶

开本：8开

出版时间：2003-05-01

音乐的序章：经典钢琴学习之旅 本书并非针对初学者的入门教材，亦非涵盖特定教学体系的进阶指南。它是一本聚焦于钢琴艺术鉴赏、音乐史脉络梳理以及演奏技巧深度解析的专题读物，旨在为已具备一定演奏基础的学习者和对钢琴音乐抱有浓厚兴趣的听众提供一个更为广阔的视野。 第一部分：钢琴艺术的演进——从键盘乐器到钢琴的百年回响 本部分将带领读者穿越时空，探究钢琴——这种被誉为“乐器之王”的乐器——如何从早期的拨弦古钢琴（Clavichord）和羽管键琴（Harpsichord）中脱胎换骨，最终形成我们今日所见的现代钢琴形态。我们将深入剖析这一转变背后的技术革新，特别是击弦机制（Hammer Action）的发明及其对音色、力度控制带来的革命性影响。 音色哲学的变迁： 对比巴洛克时期羽管键琴的清亮与古典主义时期钢琴的丰富层次。探讨音板、音框、琴弦张力等物理因素如何塑造了不同时代的钢琴美学。 制琴大师群像： 详述斯特拉迪瓦里（Stradivarius）在弦乐界的地位，并聚焦于钢琴发展史上如布罗德伍德（Broadwood）、厄拉德（Érard）、施坦威（Steinway）等关键制造商，分析他们各自的创新及其对特定作曲家风格的影响。 从“古钢琴”到“强弱钢琴”： 细致解读克里斯托福里（Cristofori）的发明意义，以及这一核心技术如何使得音乐表达的动态范围（Dynamics）实现了质的飞跃。 第二部分：风格的交汇点——经典曲目背后的结构与解析 本书不教授如何弹奏某一个音符或某一个练习曲，而是侧重于对钢琴文献中那些具有里程碑意义的作品进行结构化、深层次的音乐分析。我们关注的是作品如何被构建、如何体现特定时代的音乐思潮，以及演奏者如何解读作曲家的意图。 巴赫的复调思维： 深入解析《平均律键盘曲集》中的赋格曲结构，剖析对位法（Counterpoint）的逻辑，以及演奏中如何平衡声部线条的清晰度与整体的流动性。这并非指法练习，而是对织体布局的理解。 古典主义的典范： 以海顿和莫扎特的奏鸣曲为例，探讨奏鸣曲式（Sonata Form）的严谨结构——呈示部、发展部与再现部的功能性关系。分析如何通过动机的转化与调性的对比，构建宏大的音乐叙事。 浪漫主义的个人史诗： 聚焦于肖邦的夜曲、圆舞曲及叙事曲。探讨其对民族色彩的运用，以及如何利用踏板（Pedal）的创新性使用，营造出如歌的旋律线条（Cantabile）。重点在于情感表达与和声语言的独特性。 印象派的色彩实验： 分析德彪西和拉威尔如何打破传统的功能和声体系，运用全音阶、五声音阶以及复杂的和弦色彩，描绘光影与瞬间的感受。探讨如何通过触键的细腻变化来模拟“水面波光”或“雾霭朦胧”的听觉效果。 二十世纪的突破与挑战： 考察斯特拉文斯基、巴托克等作曲家如何将民族音乐元素、复杂的节奏型态融入钢琴作品，以及序列主义（Serialism）对传统技法的颠覆。 第三部分：演奏本体论——技术、诠释与舞台呈现 本部分旨在探讨钢琴演奏艺术的更高层次议题，超越指法训练的范畴，进入到对音乐生命力的挖掘。 触键的物理学与美学： 详细探讨手指、手腕、手臂在不同力度和音色要求下的协同作用。分析重量传递（Weight Transfer）的精确控制，以及如何通过指端对琴弦施加的瞬间力量，实现从“透明”到“浑厚”的音质转变。 节奏的弹性与精确性： 区别“机械的精确”与“有机的律动”。探讨自由速度（Rubato）在不同音乐时期中的应用规范。例如，肖邦的Rubato强调旋律的自由而伴奏保持稳定，而巴洛克作品中的速度变化则需遵循更严格的结构逻辑。 踏板的“第四只手”： 深入讲解延音踏板（Damper Pedal）的层次性使用，包括半踏、浅踏与对位踏板（Sostenuto Pedal，如施坦威所提供的功能）的艺术价值。分析如何运用踏板来塑造和声的混合与清晰度之间的辩证关系。 诠释的永恒与个人性： 讨论在面对同一首经典作品时，演奏者如何继承和超越前人的录音遗产。探讨演奏版本的选择、速度的取舍、以及如何构建一个连贯、有说服力的个人音乐叙事，而非仅仅是音符的复述。 结语：走向听众的桥梁 本书的最终目标是培养一位成熟的听众和一位具有思辨能力的演奏者。它强调，对钢琴文献的深刻理解是实现卓越演奏的前提。通过对历史、结构、技法本体论的全面梳理，读者将被引导去聆听更深层次的音乐对话，从而在自己的音乐实践或鉴赏过程中，获得更丰富、更具洞察力的体验。它是一张通往钢琴艺术殿堂的深度地图，而非简单的学习路线图。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本《指尖上的和声漫步》在“进阶”部分的编排上，简直是教科书级别的示范。我之前学过另一套教材，到了中级阶段就开始显得力不从心，和弦转换常常卡壳，节奏感也总是不够稳定。但是翻开这本教材的后半部分，我立刻感受到了质的飞跃。它对和声学的讲解不再是冷冰冰的理论公式，而是通过大量精选的古典小品和改编的民谣片段来渗透，让你在实际演奏中去“感受”和声的进行和色彩变化。例如，它讲解属七和弦的解决时，不是简单地让你记住“V7到I”，而是配上了一段巴赫风格的对位练习，强迫你的左右手协调起来处理这种进行，听觉和触觉得到了双重的训练。更让我惊喜的是，这本书非常重视“踏板的运用”，这一点在很多入门教材中都是一笔带过。它细致地讲解了如何根据乐曲的情感需求来控制延音踏板的时机和深度，甚至还配有专门的音频示范，让我终于明白为什么有的人弹出来的钢琴声是“浑浊”的，而有的人却是“晶莹剔透”的。这本教材的深度和广度，真的能让人在不感到枯燥的前提下，稳步跨越从初级到中级的鸿沟。

评分☆☆☆☆☆

从技术层面来看，这本书《基础到精通：钢琴学习路径图》在“节奏感训练”上的系统性构建，是我目前见过的所有教材中最全面、最具逻辑性的。很多初学者往往忽略节奏的重要性，只注重音高是否准确，导致弹出来的音乐像是在“报菜名”。但这本书从一开始就极其强调节拍器的使用，并引入了非常巧妙的“分层练习法”。比如，在学习复合拍号时，它不会让你一次性去听两个声部，而是先用脚打出大拍子，双手分别练习内部分割，然后再组合。这种层层递进的训练方法，使得我对于复杂节奏的把控能力有了质的飞跃。最让我服气的是，它在讲解音阶和琶音时，不仅仅是简单地给出指法，而是根据不同的调性，分析其指法设计背后的“逻辑原理”，比如为什么大调音阶在某些把位需要做大跨度换指。这种对技术细节的深度剖析，让我从机械记忆指法，转变为理解演奏的内在规律，真正为将来的高难度演奏打下了坚不可摧的理论和实践基础。

评分☆☆☆☆☆

这本厚厚的《键盘艺术的启蒙之旅》简直是为我这种零基础小白量身定做的“救星”！从拿到书的那一刻起，我就被它那精美的装帧和清晰的排版吸引住了。它不像某些教材那样，一上来就扔一堆枯燥的五线谱和复杂的乐理知识，而是非常巧妙地将学习过程设计成了一场循序渐进的冒险。开篇部分，作者没有急着让人上手弹奏高难度的曲目，而是花了大篇幅讲解了钢琴的构造，以及如何正确地坐姿和手型，这些看似基础到不值一提的细节，却是日后进步的基石，很多我以前自己摸索时养成的坏习惯，都能在这本书里找到矫正的方法。尤其让我印象深刻的是它对“认识音符”的讲解方式，它不是简单地告诉你CDEFG是什么，而是用生动的比喻，比如把键盘比作一条小溪，音符就像是潺潺的水流，一下子就让抽象的概念具象化了。而且，书里配的练习曲目选择得极其用心，短小精悍，旋律优美，即便是初学者，也能在短时间内弹奏出像模像样的乐段，这极大地增强了我的学习信心，让我觉得每天进步的喜悦是触手可及的。可以说，这本书在建立稳固的初期认知方面，做得比我预想的要扎实得多，完全没有那种急于求成的浮躁感。

评分☆☆☆☆☆

我更倾向于从“曲目选择的趣味性”来评价这本《指尖的魔法：新编钢琴教程》。我之前的钢琴老师给我推荐的教材，曲目选择往往过于陈旧，弹来弹去都是那些耳熟能详，但听起来略显沉闷的练习曲。但这本教材的曲目库简直就是一个小型的音乐宝库！它不仅收录了大量的改编自世界名曲的简易版，让学习者能提前领略大师风采，更难能可贵的是，它还穿插了一些非常现代和富有节奏感的练习曲目，比如一些带有爵士或布鲁斯风格的小品。这些曲子节奏活泼，听起来非常“带感”，极大地激发了我练习的内在动力。我甚至发现，很多我平时在网上听到的、感觉很难的流行钢琴曲的某些技巧，都能在这本教材的练习曲中找到原型和基础训练方法。这种“学以致用”的感觉，比单纯做枯燥的哈农练习要有效率和乐趣得多，它让学习钢琴不再是完成任务，而是一种享受音乐创作和表达的过程。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买任何教材之前都会去实体店翻阅，但这本书《乐海拾贝：钢琴基础教程》给我的感觉是最“人性化”的。它最大的优点在于它的“贴心”设计，几乎每一个知识点的讲解后面，都会有一个“常见错误与纠正”的板块。我记得有一次我练习一个包含大量固定指型的乐段时，感觉手腕僵硬得厉害，正当我准备放弃时，翻到了那一页的“手腕放松技巧”部分。书里用非常清晰的图示演示了如何通过微小的晃动来释放手部紧张感，效果立竿见影。这种将学习中的“痛点”提前预判并提供解决方案的做法，极大地减少了学习过程中的挫败感。而且，这本书的字体和乐谱间距设计得非常合理，长时间阅读和练习也不会让人感到眼睛疲劳，这对于需要花大量时间对着谱子练习的我们来说，简直是福音。它不像有些教材那样，为了塞进更多的内容而牺牲了阅读体验，而是真正从学习者的角度出发，做到了内容与形式的完美统一。