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冯毅 著

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539654966

商品编码：29782396792

包装：平装

出版时间：2016-02-01

基本信息

书名：曲式与作品分析基础教程

定价：48.00元

作者：冯毅

出版社：安徽文艺出版社

出版日期：2016-02-01

ISBN：9787539654966

字数：400000

页码：333

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《曲式与作品分析基础教程》是西安音乐学院校本教材，包括“曲式学”与“作品分析”两个方面。全书针对作曲技术理论专业、计算机音乐专业和表演专业指挥方向及指挥艺术指导方向，包含有关音乐作品结构规律的曲式学理论知识，培养学生运用曲式学知识，结合和声、复调、管弦乐配器和音乐史学等课程的基础知识，具体分析某一作品的结构形式及其与内容表现之间的有机联系。通过该课程的学习，增强学生的读谱能力和对作品风格把握的能力，并为主科学习和论文写作奠定理论基础。《曲式与作品分析基础教程》适合高校音乐专业师生使用。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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音乐分析的钥匙：洞悉作品内在逻辑的实践指南 引言： 音乐，作为一种跨越时空的情感与思想的载体，其无穷的魅力在于其内在的结构与逻辑。当我们聆听一首乐曲，我们感受到的不仅仅是旋律的优美或节奏的动感，更是作曲家在字斟句酌间精心编织的声响图景。理解这些结构与逻辑，便是开启音乐理解之门的钥匙，让我们得以窥探作曲家创作的奥秘，深入体味作品的艺术内涵。本书旨在为读者提供一套系统而实用的音乐分析方法，引导您从乐曲的宏观骨架到微观细节，层层剥茧，最终触及作品的灵魂。 一、 结构是骨骼：理解乐曲的组织原则 任何一件宏大的建筑，都需要清晰的结构来支撑。音乐作品亦是如此。乐曲的结构，便是其声音元素的组织方式，是作曲家赋予作品生命力的框架。本书将首先带您认识几种最基本、最常见的音乐结构形式，理解它们是如何构建起一首乐曲的。 单段体（Period）： 这是音乐中最基础的组织单位，通常由两个乐句（Phrase）组成，一个乐句提出一个音乐“问题”，另一个乐句给出“回答”，形成一种完整的呼吸感。我们将深入分析单段体的内部构成，探讨乐句的划分、乐句之间的关系（如对比、重复、发展），以及如何通过和声、旋律、节奏的变化来塑造单段体的表情。我们会学习如何识别一个完整的单段体，以及单段体在大型作品中如何作为基础单元出现。 二部曲式（Two-part Form）： 在单段体的基础上，二部曲式通过两个不同性质或对比的音乐段落（A段与B段）的连接构成。这两个段落可能存在主题上的联系，也可能完全独立。我们将重点分析A段与B段之间的对比关系（如调性对比、情绪对比、节奏对比），以及它们如何通过终止（Cadence）连接，形成一个相对独立但又相互依存的整体。我们将学习识别二部曲式中不同的终止类型，以及它们在结构划分中的重要作用。 三部曲式（Three-part Form）： 这是音乐中应用极为广泛的一种结构，由三个部分组成，通常是“A-B-A”的模式。A段是主题段落，B段（也称为“中间段”或“对比段”）则呈现出与A段不同的音乐材料，最后A段的重现，可能是原封不动，也可能经过发展或变奏，带来一种回顾与升华的感受。我们将深入探讨B段与A段的关系，包括它们在调性、主题、情绪上的对比与统一。重点将放在A段重现时可能出现的各种变化，以及这些变化如何影响作品的整体情感表达和结构逻辑。我们将通过具体的例子，来体会三部曲式在歌谣、小步舞曲、奏鸣曲式第一乐章的展开部（Scherzo/Minuet & Trio）等作品中的应用。 回旋曲式（Rondo Form）： 回旋曲式以其主题（A）的不断回归和穿插在其中的对比段落（B, C, D...）为主要特征。这种结构通常带来一种活泼、跳跃、充满色彩的音乐形象。我们将分析回旋曲式不同类型的组织方式（如A-B-A-C-A，A-B-A-C-A-B-A），以及对比段落是如何围绕着主题展开，并与其形成对比与互补。我们会学习如何识别回旋曲式中的主题，以及它在不同复调、主调音乐中的处理方式。 奏鸣曲式（Sonata Form）： 作为古典音乐中最重要、最复杂的曲式之一，奏鸣曲式是理解许多奏鸣曲、交响曲、协奏曲等大型器乐作品的关键。我们将系统地解析奏鸣曲式的三个核心部分：呈示部（Exposition）、展开部（Development）和再现部（Recapitulation）。 呈示部： 重点在于主部（First Theme Group）与副部（Second Theme Group）的建立，以及它们在不同调性上的关系。我们将详细分析主部与副部的主题特点、调性走向、以及连接部的作用。 展开部： 这是奏鸣曲式最具创造性的部分，作曲家在此将呈示部的主题材料进行自由的、戏剧性的发展与变形。我们将学习如何分析展开部中主题的片段化、变形、移调、以及各种对位与织体的运用，理解作曲家如何通过音响的张力与冲突来构建音乐的戏剧性。 再现部： 这是呈示部的回归，但与呈示部最大的区别在于，副部在此回到主调，使整个乐章达到一种和声上的统一与解决。我们将分析再现部中主部、副部、以及尾声（Coda）的处理方式，理解再现部如何带来一种情感上的回归与稳定。 二、 主题是灵魂：旋律、和声、节奏的交织 如果结构是乐曲的骨骼，那么主题便是乐曲的灵魂。一个乐曲之所以能够打动人心，往往在于其引人入胜的主题。本书将引导您深入剖析音乐主题的构成要素，理解它们是如何在旋律、和声、节奏的共同作用下，塑造出丰富多样的音乐形象。 旋律分析： 我们将学习如何分析旋律的起伏、轮廓、音程构成、以及乐句的走向。理解旋律的动机（Motive）是如何通过重复、模进、变形等手法发展成完整的旋律线条。我们将探讨旋律的性格，如何通过不同的旋律线条来表达喜悦、悲伤、宁静、激昂等丰富的情感。 和声分析： 和声是赋予音乐色彩和深度的重要维度。我们将学习基本的和声功能（如主、属、下属），理解和弦在音乐中的连接方式，以及如何通过和声的进行来制造张力与解决。我们将分析不同调性之间的关系，理解转调（Modulation）在音乐发展中的作用，以及如何通过和声的色彩变化来烘托音乐情绪。我们将探讨和弦的性质（如协和与不协和），以及它们在不同音乐风格中的运用。 节奏分析： 节奏是音乐的脉搏，是驱动音乐前进的动力。我们将学习如何分析节拍、拍号、节奏型，理解节奏的特点如何影响音乐的性格（如平稳、急促、跳跃）。我们将探讨节奏的复杂性，包括切分音、附点节奏、以及各种不规则节奏的运用，以及它们如何为音乐增添活力与变化。 主题的发展与变形： 一个强大的主题，往往能够在乐曲中以多种面貌出现。我们将学习作曲家是如何通过各种手法，如重复、移位、模进、扩大、缩小、逆行、倒影、节奏变形、和声变化等，来发展和变形一个主题。理解这些发展手法如何使乐曲具有内在的逻辑性和连贯性，使听众在变化中感受熟悉感，在熟悉中体会新意。 三、 织体是肌理：单音、复调、主调的艺术 织体，是指乐曲中各种声音线条的组合方式，是音乐肌理的体现。不同的织体呈现出不同的声响效果和艺术风格。 单音音乐（Monophony）： 这是最古老、最简单的织体，仅有一条独立的旋律线。我们将了解单音音乐的特点，以及其在早期音乐和某些特定风格中的运用。 复调音乐（Polyphony）： 在复调音乐中，两条或多条独立的旋律线同时进行，相互交织。我们将学习对位（Counterpoint）的基本原理，理解赋格（Fugue）、卡农（Canon）等复调织体的特点。我们将分析不同声部之间的独立性与相互关系，以及复调织体如何营造出丰富、复杂的声响效果。 主调音乐（Homophony）： 主调音乐以一条主旋律线为主，其他声部则作为和声伴奏，支持主旋律。我们将学习如何分析主调音乐中的旋律与伴奏关系，以及主调音乐如何营造出清晰、流畅、便于理解的音乐形象。 织体的变化与发展： 在一首完整的作品中，作曲家常常会根据音乐的需要，巧妙地变换织体。我们将学习如何识别织体的变化，以及这些变化如何服务于音乐的表达和结构的构建。例如，从主调转向复调，可以增强音乐的戏剧性；从复杂的复调织体回到简单的织体，则可能带来一种平静或结束的感受。 四、 音乐的语汇：音色、力度、速度的色彩 除了结构、主题和织体，音乐的其他表现手段，如音色、力度、速度，同样是塑造音乐形象、传达情感的重要元素。 音色（Timbre）： 不同乐器的音色各具特色，具有丰富的情感表现力。我们将学习如何辨别不同乐器的音色，以及作曲家如何通过乐器组合（配器）来创造出独特的音响效果。我们将探讨不同音色组合如何影响音乐的情绪和氛围。 力度（Dynamics）： 力度的变化，从弱到强，从强到弱，是音乐中最直接的情感表达方式之一。我们将学习力度标记的意义，理解力度变化（如渐强、渐弱、突强、突弱）如何制造音乐的张力和情绪起伏。 速度（Tempo）： 速度是音乐的生命线，直接影响音乐的节奏感和情绪。我们将学习常见速度标记的含义，以及速度变化（如加速、减速、稍慢）如何为音乐增添动感和表现力。 五、 分析的实践：从聆听到理解 本书并非仅仅停留在理论层面，更注重分析的实践性。每一章都将配以大量经典的音乐作品作为范例，引导读者亲自动手进行分析。我们将学习如何： 聆听分析： 在聆听乐曲的过程中，尝试捕捉其结构、主题、织体等基本要素。 谱例分析： 结合乐谱，深入剖析音乐的每一个细节，验证聆听时的感受。 写作分析： 学习如何将分析所得，清晰、有条理地记录和表达出来。 结语： 音乐分析是一项充满探索与发现的旅程。通过掌握本书所介绍的分析方法，您将不再是仅仅被动地聆听音乐，而是能够主动地与作品进行对话，理解其内在的逻辑，发掘其深邃的内涵。本书旨在为您提供一套行之有效的分析工具，帮助您循序渐进地掌握音乐分析的技巧，最终能够独立地洞悉各种音乐作品的结构与表现，让音乐的魅力在您的理解中更加生动和深刻。愿这本书成为您探索音乐世界的忠实向导，开启您对音乐更深层次的感知与体验。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐史的研究者，虽然对音乐史的发展脉络和风格演变有深入的了解，但在具体作品的微观分析上，有时会感到力不从心。尤其是在研究一些特定时期或特定作曲家的作品时，我对他们作品中曲式的巧妙运用和结构上的独到之处，常常希望能有更深入、更系统的阐释。我渴望找到一本能够站在更高的学术视角，对各种曲式进行深入的理论探讨，并将其与具体的音乐作品和历史背景相结合的书籍。我希望这本书能够不仅仅是介绍曲式的定义和构成，更能探讨不同曲式在不同历史时期、不同文化背景下的演变和发展，以及它们如何影响作曲家的创作。我也期待它能提供一些前沿的研究视角和分析工具，帮助我更精准地理解和阐释音乐作品的深层结构和艺术价值，从而为我的学术研究提供坚实的理论支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版，对我这个业余音乐爱好者来说，简直就像黑暗中点亮了一盏明灯。我一直对那些宏大精妙的古典音乐作品心生向往，但每次听，总觉得隔着一层纱，无法真正理解作曲家是如何构建这些音乐世界的。乐评家们笔下的“奏鸣曲式”、“赋格”、“变奏”，对我而言，就如同天书一般。我尝试过翻阅一些更专业的音乐理论书籍，但那些艰深的术语和抽象的概念，常常让我望而却步，最终只能带着一知半解的遗憾继续欣赏音乐。我渴望找到一本能够循序渐进，用清晰易懂的语言，带领我深入音乐结构内部的入门读物。我希望它不仅仅是罗列理论，更能结合实际的音乐片段，让我亲身感受曲式的魅力，理解乐句之间的逻辑关系，从而更深刻地体会作品的情感与思想。我曾幻想过，如果有一本书，能够将那些复杂的音乐语言转化为我能够理解的“母语”，让我看到音乐的骨架，感受到其血肉的涌动，那将是多么美妙的学习体验。

评分☆☆☆☆☆

我是一名业余的作曲爱好者，虽然已经积累了一些基础的音乐理论知识，但在创作过程中，我常常感到思路枯竭，作品结构松散，缺乏清晰的逻辑性。我深知，扎实的曲式功底是构建优秀作品的关键，但市面上的一些教材，要么过于理论化，难以在实践中应用；要么过于简化，无法提供足够深入的指导。我非常希望能有一本教程，它能够从实际创作的角度出发，详细讲解各种曲式的基本原理和应用技巧，并提供大量的创作练习和范例。我希望这本书能够教会我如何在不同的曲式框架下进行旋律、和声、节奏的组织，如何处理乐句的连接与发展，如何构建出具有层次感和发展力的音乐篇章。我期待的是一本能够直接指导我进行创作的“工具书”，它能帮助我克服创作瓶颈，提升作品的整体质量，让我能够更自信地表达自己的音乐想法。

评分☆☆☆☆☆

作为一名曾经的音乐教师，在多年的教学实践中，我发现学生们普遍在作品分析方面存在困难。他们能够掌握乐理知识，但面对一首复杂的音乐作品，却常常感到茫然无措，无法有效地提取作品的关键信息，也无法清晰地阐述自己的理解。我一直在寻找一本能够系统地、由浅入深地讲解曲式与作品分析的教材，它不仅要理论扎实，更要注重方法的传授，能够指导教师如何引导学生进行有效的分析。我希望这本书能够提供清晰的分析步骤和方法论，教会学生如何从宏观到微观，逐步揭示音乐作品的结构奥秘。同时，我也希望它能够包含丰富的、具有代表性的作品分析案例，并对这些案例进行详细的解读，让学生能够模仿学习，掌握分析的要领。一本优秀的教材，应该能够帮助我提升教学效果，让学生真正掌握作品分析这项核心技能。

评分☆☆☆☆☆

作为一个音乐学院的学生，在学习曲式与作品分析的过程中，我常常感到力不从心。教材上的理论知识堆积如山，但如何将其转化为分析实际作品的能力，却是一个巨大的挑战。许多时候，我能背下“奏鸣曲式”的各个环节，但当我面对一首具体的作品时，却难以准确地辨析其结构，更遑论深入理解作曲家在曲式运用上的独特思考。我渴望找到一本能够真正帮助我“看见”音乐的教材，它应该能够提供丰富的例证，从不同时期、不同风格的作品中提炼出曲式的典型特征，并教授我们一套行之有效的方法论，让我们能够独立地分析和解读音乐。我希望这本书能够引导我们不仅仅停留在表面的结构划分，更能深入到作品的情感表达、织体变化、和声运用等多个层面，将曲式分析与音乐情感、思想内涵有机地结合起来。我想，一本真正优秀的教程，应该能够激发我们对音乐的探索欲，让我们在分析中发现音乐的更多可能性。