正版蜀韵为两把小提琴钢琴与打击乐而作贾达群上海音乐学院出版社9787806920206 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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贾达群 著

图书标签:

• 小提琴
• 钢琴
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• 乐谱
• 室内乐
• 中国音乐
• 蜀韵
• 贾达群
• 上海音乐学院出版社
• 艺术类

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806920206

商品编码：29859846589

页数：36

图书基本信息
书名：	蜀韵：为两把小提琴、钢琴与打击乐而作
丛书名：	中国现代室内乐作品系列
作者/主编：	贾达群
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806920206
出版年份：	2003年10月

版次：	第1 版
总页数：	36页
开本：	16
图书定价：	28元
实际重量：	181g
新旧程度：	正版全新

高腔
岩纹
脸谱

好的，根据您的要求，这是一份不包含《正版蜀韵：为两把小提琴、钢琴与打击乐而作》的图书简介。 --- 弦音流转：西方室内乐的古典与现代探索 导言：室内乐的魅力与演进 室内乐（Chamber Music），作为音乐艺术中最为精致与私密的表达形式之一，自巴洛克时期萌芽，在古典主义时期臻于成熟，并在浪漫主义直至二十世纪的多元发展中，不断拓展其音响边界与表现力。它要求演奏者之间高度的默契与对话，是音乐家个体技术与集体精神完美结合的体现。本书旨在深入剖析西方室内乐从传统到革新的发展脉络，尤其聚焦于钢琴三重奏、弦乐四重奏以及为特殊乐器组合而作的创新作品，揭示不同时代作曲家如何运用有限的声部，构建出广阔的音乐世界。 第一部分：古典主义的典范与结构之美 古典主义时期（约1750-1820年）是室内乐的黄金时代。海顿、莫扎特和贝多芬奠定了现代室内乐的基石，特别是弦乐四重奏和钢琴三重奏的形式。 海顿的“结构魔术师”： 本部分将细致考察约瑟夫·海顿如何系统化弦乐四重奏的结构，将其确立为室内乐的“典范”。我们将分析其作品中如何运用主题发展、变奏技巧和幽默感，使得四个声部保持清晰的独立性和对话性。重点分析其晚期作品中，如何突破传统，为后世的创新埋下伏笔。 莫扎特的歌唱性与平衡： 沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特的室内乐作品，特别是为小提琴与中提琴、大提琴创作的二重奏，以及他为钢琴、小提琴、大提琴（钢琴三重奏）创作的精品，展现了无与伦比的旋律天赋与声部间的精妙平衡。本章将探讨莫扎特如何将歌剧中的咏叹调技巧融入纯器乐，使得即便是最严谨的对位中也充满了人性的温暖与抒情。 贝多芬的革命性拓展： 路德维希·范·贝多芬将古典主义的框架推向了浪漫主义的边缘。他的室内乐作品，尤其是在晚期的弦乐四重奏中，突破了形式的约束，引入了更深层次的情感冲突、更复杂的对位结构和更具挑战性的技巧要求。我们将详细解析其晚期作品（如《大赋格》）如何预示了二十世纪音乐语言的复杂性。 第二部分：浪漫主义的抒情与情感张力 进入十九世纪，室内乐逐渐从公共音乐厅的“精致消遣”转向更具个人化、更富于激情和叙事性的表达。 舒伯特的浪漫叙事： 弗朗茨·舒伯特的室内乐作品，以其无尽的旋律宝库和对忧郁、渴望等复杂情感的细腻描摹而著称。本章将侧重分析其钢琴五重奏《鳟鱼》中对民间音乐的引用与发展，以及他后期弦乐作品中对“死亡与生命”主题的深刻冥想。 勃拉姆斯的大师级回归： 约翰内斯·勃拉姆斯被称为“新古典主义”的代表，他继承了贝多芬的严谨结构，同时注入了深沉的浪漫主义情怀。我们将深入研究他为管弦乐团保留的室内乐体裁（如第一和第二大提琴奏鸣曲，以及他的三重奏作品），探讨其如何通过复杂的织体和内敛的激情来构建宏大的音乐空间。 德沃夏克的民族色彩： 安东宁·德沃夏克将波西米亚和摩拉维亚的民族旋律与古典的室内乐结构完美融合。本章将分析其《美国》弦乐四重奏中对外来土地的思乡之情，以及其作品中对民间节奏和调式的巧妙运用。 第三部分：二十世纪的技法革新与音色探索 进入二十世纪，随着和声语言的解放和新技法的引入，室内乐的面貌发生了颠覆性的变化，作曲家开始探索新的声音可能性。 德彪西与拉威尔的印象派色彩： 克劳德·德彪西和莫里斯·拉威尔将室内乐带入了印象主义的光影世界。他们的作品不再追求明确的结构叙事，而是致力于营造氛围、捕捉瞬间的听觉印象。本部分将分析德彪西的弦乐四重奏如何利用非传统和声与节奏的自由感，以及拉威尔如何运用精妙的配器技巧，创造出如万花筒般变幻的音色效果。 新古典主义的回响： 诸如斯特拉文斯基等作曲家在经历“原始主义”时期后，转向了对古典形式的重新审视与解构。他们以现代的和声和节奏手法，重新诠释了巴赫或海顿的结构，创造出清晰、节奏感强烈的室内乐作品。 序列主义与电子乐的交融： 随着十二音体系的成熟和后来的点描主义，以及电子音乐的兴起，室内乐的配器也开始接纳非常规乐器和电子音效。本章将概述这一时期作曲家如何挑战传统的“和谐”概念，转而追求音色、噪音和复杂节奏的极限，为后来的极简主义和拼贴艺术奠定了基础。 结语：室内乐的永恒对话 室内乐，无论其形式如何演变，其核心精神始终在于不同乐器之间不可替代的、亲密的交流。它要求听者以更专注、更内省的方式进入音乐世界，去捕捉每一个细微的动态变化和声部间的微妙张力。本书力求通过对上述重要流派和代表作的系统梳理，帮助读者建立起一个清晰的室内乐发展图谱，从而更深刻地欣赏这种音乐体裁所蕴含的无穷魅力与艺术深度。 ---

评分☆☆☆☆☆

这部作品的结构设计非常巧妙，它不像传统的奏鸣曲那样有着僵硬的框架，而是更像是在进行一次自由的叙事。我注意到，作品中反复出现的主题动机，并非是那种耳熟能详的旋律，而是一些非常碎片化、带有明显东方色彩的音型组合，它们在不同的速度和配器中不断地被解构、重组和变异。这种“片段式”的呈现方式，使得每一次重复都带着新的含义和色彩，完全避免了音乐的冗余感。特别是在高潮段落的处理上，它没有采用西方音乐中常见的“爆发性”的织体堆叠，而是通过加速的节奏和不断收紧的音域，制造出一种近乎窒息的心理张力，这种处理方式，深得东方美学中“张而不破”的精髓。听完之后，脑海中留下的是一种绵长而悠远的回味，而非瞬间的震撼，这恰恰说明了作品在精神层面的高度。

评分☆☆☆☆☆

说实话，第一次拿到乐谱时，光是看到“为两把小提琴、钢琴与打击乐而作”这个配置，我就已经对它的声音景观充满了好奇。很多室内乐作品，往往会让其中一种乐器过于抢戏，但贾达群的处理非常高明。打击乐组的配置看似简洁，却极具潜力，它更像是色彩学家手中的调色盘，而不是单纯的节奏驱动者。我尤其欣赏他对木琴和定音鼓的克制使用，它们出现的时机总是恰到好处，每次发声都像是点亮了黑暗中的一盏灯，瞬间揭示出音乐结构中隐藏的微妙对比。小提琴之间的对位复杂而又自然，它们之间的线条时而交织缠绕，如同两条交颈的长龙，时而又保持着一定的距离，像是在进行一场不动声色的智力辩论。钢琴部分则承担了大量的织体工作，它不是简单的和弦铺陈，而是构建起一个立体的声场，将听觉焦点从平面拉向了三维空间。整部作品的气质是内敛的贵族感，没有炫技的哗众取宠，有的只是对音乐本质的深刻挖掘和对听众心智的温柔引领。

评分☆☆☆☆☆

如果你对传统意义上的“民族音乐”感到审美疲劳，那么这部作品绝对能为你带来一次耳目一新的体验。它没有刻意去模仿任何已知的民间曲调，而是从一种更深层次的文化基因中汲取灵感，并用极其现代且国际化的音乐语言进行表达。它有着知识分子的理性，但又不失艺术家的感性，能够在冰冷的结构分析和热烈的音乐情感之间找到完美的平衡点。我个人认为，这部作品的价值在于，它提供了一种可能：即中国当代音乐家如何在不放弃自身文化根基的前提下，真正实现与世界音乐前沿的对话。它的音色是清澈的，思想是深刻的，情感是克制的，整体呈现出一种令人敬佩的成熟度和艺术自觉性。这是一部值得反复聆听，每次都能发现新细节的精品力作。

评分☆☆☆☆☆

我试着从演奏者的角度去分析这部作品，发现它的挑战性与美感是并存的。两把小提琴的声部独立性要求极高，它们必须既能保持各自清晰的“人声”，又要对彼此的细微动态做出即时反应，这种“心有灵犀”的默契是排练中的一大难点。而且，很多乐段要求弦乐使用非常规的奏法，比如大量的弱奏和复杂的弓法变化，这直接考验演奏者对音色控制的精细度。打击乐演奏者也不能掉以轻心，很多打击乐的介入，音符的时值极其短暂，但其音色必须瞬间抓住听众的注意力，比如那些精心安排的颤音或极轻的敲击，稍有不慎就会被厚重的钢琴声或小提琴的强奏所吞没。最考验功力的还是整体的平衡感，这是一个四人（如果打击乐算一个整体）的微型交响乐团，如何让这些声音要素在同一个空间里“呼吸”，让它们既能独立发声，又能融为一体，是对指挥和演奏者综合能力的终极考验。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的音乐语言，简直就是一幅流动的江南水墨画卷，色彩斑斓却又内敛含蓄。初听时，那两把小提琴的对话，仿佛是清晨薄雾中，渔舟唱晚的悠远回响。贾达群先生的编曲功力在这部作品中展现得淋漓尽致，他没有采取那种直白的民族主义的表达方式，而是用非常现代和精致的和声结构，巧妙地嵌入了那些令人神往的东方音调。特别是中段的张力处理，打击乐的运用简直是神来之笔，它不是简单的节奏支撑，而是情绪的催化剂，时而如同鼓点密集的雨滴敲打在青石板上，时而又化为远方隐隐传来的庙宇钟声，那种空间感和纵深感让人完全沉浸其中。钢琴的参与则像是一条蜿蜒的小溪，时而温柔地抚过弦乐的音色，时而又迸发出急促的涟漪，将整个三声部的关系处理得极其平衡且富有层次。我感觉这不仅仅是一部音乐作品，更像是一次精神上的“溯源”之旅，让你在西方的现代技法中，重新体味到东方哲学的韵味与精髓。对于任何热爱室内乐，并且渴望听到融合了深厚文化底蕴与尖锐当代思维的听众来说，这都是一场不容错过的听觉盛宴。