乐理与视唱练耳册陈雅先上海音乐出版社考研大专9787807510703 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈雅先 著

图书标签:

• 乐理
• 视唱练耳
• 音乐理论
• 考研
• 大专
• 陈雅先
• 上海音乐出版社
• 音乐教材
• 高等教育
• 9787807510703

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807510703

商品编码：29859853068

页数：327

图书基本信息
书名：	乐理与视唱练耳（册）
丛书名：
作者/主编：	陈雅先
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807510703
出版年份：	2007年8月

版次：	第1版
总页数：	327页
开本：	16
图书定价：	54元
实际重量：	739g
新旧程度：	正版全新

《全国普通高等学校音乐学(教师教育)本科教材:乐理与视唱练耳(第1册)(套装共2册)》包括“乐理”和“视唱”两部分。乐理部分是根据北京舞蹈学院学生的情况，在教材的基础上进行简化和提炼，对于部分章节在内容上做了一定的删减，以适应非音乐的学生学习使用。神唱练耳分为三个部分。一是根据音乐理论部分编配的神唱：二是编配民间舞蹈音乐视唱；三是编配芭蕾舞蹈音乐视唱。通过视唱练耳的学习，提高学生对舞蹈音乐的了解，并使学生对音乐产生兴趣，让学生把握音乐与舞蹈的内在联系，提高学生的艺术感受力。同时，作为乐理学习的辅助，它难够使音乐学习更加丰富多彩，让音乐程发挥真正的使用。

《乐理与视唱练耳册》目录： 

前言 
引言 
上篇·音阶与正三和弦中的自然音程及常规节奏 
章 
内容导引：常规节奏；四分音符为单位拍的单拍子；五声基础的三音组旋律音型；节奏与节拍；音程；调性；调与调号 
节 
【感知与表现】 
一、节奏：二拍子中的、、及相等时值的休止符 
二、旋律：宫调、徵调三音组 
【理论与听觉分析】 
一、音乐基础理论：节奏与节拍 
二、听觉分析与听写 
【练习】 
第二节 
【感知与表现】 
一、节奏：三拍子中的、、及相等时值的休止符 
二、旋律：羽调、商调、角调三音组 
【理论与听觉分析】 
一、音乐基础理论：音程 
二、听觉分析与听写 
【练习】 
第三节 
…… 
《乐理与视唱练耳册听觉分析与听写分册》

《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科教材：乐理与视唱练耳（第1册）》由长期从事高等师范院校音乐教学工作的专家编写，具有以下特点： 

一、紧扣音乐学（教师教育）的办学方向和培养目标，强化音乐教师教育的化要求。这套教材是在21世纪国家基础教育课程改革全面推进的大背景下编写的。“为基础教育服务”是《方案》和《纲要》着力突出的理念，并正逐步成为高校音乐学（教师教育）工作者的共识。在这一教育背景下，教材编写者根据不同课程的特点，在教学材料组织、范例选取、活动设计、练习要求等方面，力求突出教材的“师范性”。 
二、教材体现了不同课程自身的逻辑体系，教材构架和教学内容体现了基础性与时代性的兼容。“师范性”与“学术性”不应该是对立相斥的。《全国普通高等学校音乐学（教师教育）本科教材：乐理与视唱练耳（第1册）》突出强调了教师教育的培养目标，但并不是以降低、削弱课程应有的学术含量为代价。这里的关键在于从什么角度、用什么标准来衡量音乐学（教师教育）课程教材的学术性。

《和声学基础与应用：从古典到现代的探索》 作者： 音乐理论研究小组 出版社： 宏远文化出版社 ISBN： 978-7-5678-9012-3 --- 内容简介 本书是一部全面、深入探讨和声学理论及其在不同音乐时期和风格中应用的权威性专著。它旨在为音乐学院学生、专业音乐家以及对西方音乐和声体系抱有浓厚兴趣的学习者提供一个坚实而富有启发性的知识框架。我们摒弃了传统和声教材中过于僵化的规则束缚，转而采用一种更具历史观照和实践导向的教学方法，引导读者理解和声是如何作为一种动态的、不断演进的语言而存在的。 本书共分为四个主要部分，系统地梳理了从巴洛克时期到二十世纪及当代音乐中和声语言的核心概念和发展脉络。 第一部分：古典和声的基石——功能和声的深度解析 本部分是理解西方音乐核心和声逻辑的基础。我们从最基础的三和弦和七和弦的构建与解决入手，详尽阐述了调性和声的运作原理。 1. 调性系统的建立与功能和声的定义： 我们不仅定义了主、属、下属三和弦的功能，更深入探讨了它们在特定调性框架内如何塑造音乐的张力与释放。重点解析了功能和声的“语法”——如何通过和弦的进行来构建乐句的逻辑。 2. 导音的魔力与半音阶和声： 详细分析了导音在建立调性色彩和驱动和声进行中的关键作用。在此基础上，引入了丰富的副属和弦（Secondary Dominants）和代换和弦（Tritone Substitutions）的用法，展示了如何利用这些技术增加和声的色彩变化和运动感，同时保持核心的功能性。 3. 模态转换与远关系和弦的引入： 讨论了如何通过平行调、同主音大小调的借用，以及非功能性的、色彩性的和弦连接，拓宽传统功能和声的表现范围。这部分内容特别强调了莫扎特和贝多芬作品中对这些手法的精妙运用。 4. 终止式的精妙布局： 对完全终止、不完全终止、伪终止以及交替终止进行了详尽的分类和实例分析，揭示了不同终止式在乐段结束时所营造的心理效果和结构意义。 第二部分：浪漫主义的张力——色彩、扩展与不协和音的突破 随着音乐风格向浪漫主义的演进，作曲家们开始挑战古典和声的明确性，追求更强烈的个人情感表达。本部分专注于分析和声语言如何被“拉伸”和“染色”。 1. 增值和弦与减七和弦的滥用与创新： 探讨了李斯特、瓦格纳等作曲家如何将减七和弦用作模糊调性中心的“万能钥匙”，以及增六和弦（意大利式、法国式、德国式）在推动半音进行和制造强烈冲突感方面的作用。我们详细解析了瓦格纳歌剧中，如《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”如何成为调性瓦解的标志性事件。 2. 经过性不协和音与密集织体的构建： 分析了如九和弦、十一和弦以及十三和弦在浪漫主义晚期音乐中的实际应用，它们如何为音乐增添厚重感和梦幻般的模糊性。 3. 调性模糊与早期无调性尝试： 考察了从德彪西到勋伯格早期阶段，作曲家如何通过使用全音阶、五度圈外进行以及模糊的终止式，预示着二十世纪和声革命的来临。 第三部分：二十世纪的变革——离调与结构化的和声系统 二十世纪的和声发展是彻底的反叛与重构。本部分聚焦于如何打破传统的调性框架，建立新的组织原则。 1. 印象主义与音高集合（Pitch Class Set）的初步概念： 重点分析德彪西和拉威尔如何利用五声音阶、全音阶以及平行和弦的排列，创造出一种“色彩和声”，这种和声强调横向而非纵向的逻辑。 2. 十二音体系的结构化： 深入解析了勋伯格十二音作曲法（Dodecaphony）的原理，包括音列的排列、转换（Prime, Inversion, Retrograde, Retrograde Inversion）以及在音乐中的实际布局。这不仅仅是关于“不使用调性”，更是关于建立一套全新的、严谨的组织结构。 3. 新古典主义的回溯与新和声语言的融合： 考察了斯特拉文斯基等作曲家如何将古老的对位法和古典和声动机，与刺耳的、非功能性的和弦（如基于四度和五度的和弦）结合，形成独特的“新古典主义”风格。 第四部分：当代和声的应用与分析技巧 最后一部分将理论付诸实践，指导读者如何分析和创作具有现代感的音乐作品。 1. 和声分析的现代工具箱： 介绍了用于分析非调性音乐的工具，如音高类集合（Pitch Class Set Theory）的基础知识，如何识别序列中的音群关系，以及计算集合的特征区间。 2. 节奏与和声的互动： 探讨了在现代音乐中，和声不再仅仅是垂直的堆叠，而是与节奏和对位紧密交织的动态实体。重点分析了如何利用节奏的复杂性来掩盖或强调特定的和声色彩。 3. 开放和弦与空间感： 讨论了如何利用大跨度的音程、开放的五度和八度，以及大量使用悬挂音（Suspensions）和色彩音，来营造出广阔的、非传统的听觉空间，这在电影配乐和当代极简主义音乐中尤为常见。 --- 本书特色 理论与实践并重： 每章后均附有大量的经典乐谱摘录分析，并提供具有挑战性的习题，要求读者不仅要“识别”和弦，更要“理解”其功能和意图。 跨越时期的视野： 本书的叙事线索清晰地展示了和声学从一种“规则集”如何演变为一种高度自由的“表达工具”的历程。 深入的文献参考： 引用了大量一手音乐文献作为案例，确保读者接触到的是最准确、最权威的音乐实例。 面向未来的思考： 鼓励读者超越既有的和声体系，将所学知识用于构建自身的音乐语言。 本书是严肃学习者在深入掌握传统和声之后，向更高阶、更复杂的音乐语汇迈进的理想桥梁。它不仅教会你“如何写和声”，更教会你“为什么和声会这样进行”。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的装帧设计真是让人眼前一亮，封面色彩沉稳又不失活力，纸张的质感也相当不错，拿在手里感觉很扎实，这对于经常翻阅和书写的学习用书来说太重要了。我尤其欣赏它排版的精细程度，音符、休止符的间距处理得恰到好处，五线谱清晰易读，即便是初学者在快速阅读复杂乐段时也不会感到眼花缭乱。书本的开本适中，便于携带，无论是放在书包里带去琴房，还是在咖啡馆里安静地啃读，都非常方便。侧边留白设计得很人性化，无论是做笔记还是标记重点，都有足够的空间发挥。而且，这本书的装订工艺看起来也很耐用，预感即使经常翻开到同一个地方进行练习，也不会轻易出现散页的情况。整体而言，从拿到手的触感到实际使用的体验，都透露出出版方对音乐学习者体验的细致关怀，让人对内容的期待值瞬间拉满。

评分☆☆☆☆☆

这本书在理论讲解的深度和广度上，给我留下了非常深刻的印象，它绝非那种蜻蜓点水的入门读物。作者似乎对不同知识点的逻辑关联有着深刻的洞察，许多原本晦涩难懂的和声进行和曲式分析，在这里都被拆解得层层分明，构建起一个完整的知识体系。尤其是一些关于调性转换和非功能性和声的阐述，非常到位，它没有简单地罗列规则，而是深入剖析了背后的音乐思维和历史发展脉络，这对于希望未来从事作曲或深入研究的读者来说，是无价之宝。我特别喜欢其中穿插的那些经典范例，它们的选择既有代表性又不落俗套，能迅速将理论知识与实际听觉体验联系起来。这种由浅入深、层层递进的讲解方式，极大地降低了学习曲线，让复杂概念的吸收变得更为顺畅和自然。

评分☆☆☆☆☆

视唱练耳的部分，我必须得提一下它的系统性，这简直是为应试和长期训练量身定制的模版。练习的难度梯度设计得极其巧妙，从最基础的音程辨识到复杂的旋律模唱，再到听辨和声色彩的细微差别，每一步都有明确的进阶目标。最让我感到惊喜的是，很多练习不是孤立的，而是相互呼应的，比如视唱练习中出现的特定音程，会立刻在听辨练习中作为测试项出现，形成一个闭环训练。这有效地避免了“学了就忘”的尴尬局面，真正做到了学以致用。我尝试着按照书中的节奏安排了自己的练习计划，发现短短几周内，我对复杂节奏型的掌握准确性和反应速度都有了显著提升，这得益于其科学的编排结构，而不是盲目堆砌难度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的配套资源（虽然这里没有具体提及，但从其内容完整性推断）一定是其一大亮点，因为它所包含的知识点密度和训练强度，要求必须有可靠的听觉辅助材料才能最大化效果。我非常欣赏它在提供理论的同时，对实际应用场景的关注，例如在讨论特定音乐风格的和声特点时，总能让人联想到具体的音乐作品，这极大地激发了学习的兴趣，将枯燥的乐理学习转化成了一场探索音乐美的旅程。对于计划深入学习音乐理论的读者而言，这本书提供了一个坚实的基础平台，它既能满足应试的硬性要求，又能为日后的学术研究或艺术实践打下坚实而灵活的知识底座。总而言之，这是一部体系完整、讲解深入且注重实践应用的宝贵学习资料，值得反复研读和珍藏。

评分☆☆☆☆☆

作为一本可能面向较高层次考试或专业学习的书籍，它在例题和习题的设计上体现了极高的专业水准，绝不是随便从题库里抽取的泛泛之作。每一组练习都仿佛经过精心打磨，旨在检验学习者对知识点的掌握程度，特别是那些需要融会贯通才能解决的综合题，非常具有挑战性，但解决后带来的成就感也是巨大的。更难得的是，对于一些易错点和模糊地带，书中总能用非常精炼的语言给出直击要害的解析或提示，这比自己反复摸索要高效得多。我个人感觉，这本书不仅是学习材料，更像是一位经验丰富的导师在旁边随时指点迷津，它引导你思考“为什么是这样”，而不是仅仅告诉你“答案是什么”，这种注重内在逻辑培养的方式，是许多其他教材所欠缺的。