艺术类活动课教材系列合唱教程上海音乐出版社正版全新9787805537658 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

上海市中小学艺术类活动课教材编写组 著

图书标签:

• 艺术类
• 合唱
• 音乐教材
• 上海音乐出版社
• 9787805537658
• 教材
• 音乐教学
• 合唱教程
• 正版
• 全新

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805537658

商品编码：29859858691

页数：84

图书基本信息 书名： 艺术类活动课教材系列：合唱教程（小学试用版）   丛书名：   作者/主编： 上海市中小学艺术类活动课教材编写组   出版社： 上海音乐出版社     ISBN号： 9787805537658     出版年份： 1999年5月        版次：   第1版 总页数：   84页 开本：   16 图书定价：   20元 实际重量：   0.44kg 新旧程度：   正版全新

《艺术类活动课教材系列:合唱教程(小学试用版)》由上海市中小学艺术类活动课教材编写组编，上海音乐出版社出版。《艺术类活动课教材系列:合唱教程(小学试用版)》排练提示师生都可参考。

前言

合唱知识介绍
合唱的形成和发展
童声合唱的特点
童声合唱的形式
童声合唱队的“三听一看”
童声合唱队的队形

合唱人和品
低、中年级
欢乐之歌
小树快乐高
玩具进行曲
数鸭子
两只小鸟
买菜
法国号
小花伞
两只老虎
拾豆豆
我是一朵小花
闪亮的小星星
小黑猪
数高楼
小红花
小乌鸦爱妈妈
中、高年级
小猫钓鱼
四季童趣
小黄鹂鸟
我的家在日喀则
可爱的家
小白船
金色的童年
绿色的小风铃
中华，各族儿童幸福的爱
落雨大
卖报歌
好月亮，你走得这样静悄悄
跨世纪的新一代
我的小鸡
少年，少年，祖国的春天
一把雨伞圆溜溜
草原上的家园
送别
土风舞
我的妈妈是中华
太阳——熟透的苹果
装扮蓝色的地球

自选歌曲
练习曲

《艺术类活动课教材系列：合唱教程（小学试用版 2013年版）》在教学中，指导教师应根据教学实际灵活使用。可根据学校、学生的实际，注意发挥学生主体作用，鼓励学生一起参与对作品的艺术表现的再创造，或选择其中部分作品，指导学生自己组织、自行试唱，在教师的点拨和帮助下，定期举办各类演唱活动，既可跨年级，跨班级搞大型合唱活动，也可在声部平衡的前提下，八人一组，十人一队跟着哼哼、学着唱唱，在艺术实践过程中，求得兴趣的增强、合唱知识面的拓宽，能力的迁移。

音乐理论与实践深度探索：一部面向现代学习者的综合性音乐读本 书名： 音乐的奥秘：从古典和声到现代作曲技法 作者： [虚构作者名称，例如：陈维、李晓明 联合撰写] 出版社： [虚构出版社名称，例如：文化艺术出版社] ISBN： [虚构ISBN，例如：978-7-5665-1234-5] --- 导言：重塑我们对音乐的理解 《音乐的奥秘：从古典和声到现代作曲技法》并非一本孤立的乐理参考手册，而是一部旨在引导读者深入理解音乐结构、历史演变及其在当代语境下应用潜力的综合性教程。本书的创作初衷，是填补当前音乐教育领域中理论深度与实践广度之间存在的鸿沟。我们相信，真正的音乐素养不仅来源于对既定规则的熟练掌握，更来源于对这些规则背后逻辑的深刻洞察，以及敢于在既有框架外进行探索的勇气。 本书的结构设计充分考虑了不同阶段学习者的需求——无论是音乐学院体系内的本科生、渴望系统提升的专业音乐人，还是对古典音乐抱有浓厚兴趣的业余爱好者，都能从中找到适合自己的切入点和深化路径。我们摒弃了传统教材中枯燥的机械罗列，转而采用案例驱动、问题导向的叙述方式，力求将抽象的音乐概念具象化、生动化。 第一部分：基石——音乐语言的语法重构 本部分致力于为读者打下坚实的音乐语言基础，但其视角超越了基础乐理的范畴，着重于分析西方音乐体系（特别是十八、十九世纪功能和声体系）的内在运作逻辑。 第一章：音高、节奏与调性系统的精微之处 我们首先探讨音高和节奏的组织原理，但重点放在了“非平均律”体系对音乐感知的影响，例如对皮亚诺音律和中世纪教会调式的再审视。本章深入分析了“调性”这一概念的社会学和心理学基础，探讨了从调式到大调/小调体系的演变过程，而非简单地描述音级关系。 第二章：功能和声的深度解剖与误区辨析 传统和声教程往往将V-I视为终极真理。本章则将功能和声视为一个动态的、具有张力的系统。我们详细分析了“弱终止”（Plagal Cadence）和“欺骗终止”（Deceptive Cadence）在情绪塑造上的微妙差异。特别辟出一节，专门探讨浪漫主义时期和声的“模糊化”倾向——如何通过离调和弦（如那不勒斯六和弦、增六和弦）的引入，来推迟或彻底颠覆预期的功能解决，从而实现情感的深度延展。 第三章：对位法：结构与张力的交织艺术 对位法（Counterpoint）被视为音乐的“建筑学”。本书不局限于巴赫时期的严格对位（Species Counterpoint），而是将其扩展至“自由对位”的范畴。我们详细分析了复调织体中旋律线之间的逻辑关系、独立性与依附性，以及如何利用节奏型和音程的对比来构建清晰的层次结构，这对于现代配器和编曲思维至关重要。 第二部分：历史的脉络与风格的转型 本部分将理论知识融入历史语境，使读者理解“为什么”在特定的历史时期会出现特定的和声或曲式。 第四章：从巴洛克到古典主义：清晰性与结构的胜利 本章着重分析了奏鸣曲式（Sonata Form）的内在驱动力——呈示部（Tonic-Dominant/Relative Major对峙）、发展部的动机分解与再构、再现部的戏剧性回归。通过对海顿、莫扎特作品的详细乐谱分析，揭示其如何在严格的结构中保持旋律的流畅与优雅。 第五章：浪漫主义的无限延伸：和声的解放与情感的极端 浪漫主义是和声语言爆炸性扩张的时期。本章重点探讨了李斯特、瓦格纳等作曲家如何利用半音阶、远关系转调以及大规模的序进（Sequences）来超越传统功能和声的束缚。我们分析了“李斯特和弦”等特定和弦的音响特征及其在叙事中的作用。 第六章：印象主义与二十世纪初的色彩革命 印象主义标志着音乐从“功能驱动”向“音色驱动”的转变。本章详尽介绍了“五声音阶”、“全音阶”以及“十二音体系”的早期探索。我们深入剖析了德彪西如何利用和弦的音响色彩而非其传统功能，来营造朦胧、流动的水墨画般的听觉效果。 第三部分：现代作曲与实践应用 本书的实践部分着眼于未来，指导读者如何将理论知识转化为个人化的音乐表达。 第七章：序列主义与十二音技法：逻辑重塑 本章提供了对勋伯格创立的十二音体系（Twelve-Tone Technique）的清晰入门指南。重点在于如何构建和操作“音列”（Tone Row），以及如何在不牺牲音乐性的前提下，处理音列的各种变换形式（逆行、倒影、逆行倒影）。我们试图纠正“序列音乐等于无调性、无美感”的刻板印象。 第八章：开放形式与机遇音乐：不确定性中的美学 本章探讨了二十世纪中叶以来对“确定性”的反叛。我们分析了约翰·凯奇（John Cage）的“机遇音乐”（Chance Music）的哲学基础，以及布列尔（Pierre Boulez）的“序列控制”与“机遇”的结合。读者将学习如何设计具有开放性结构（如：可选择演奏顺序的乐章、要求即兴演奏的片段）的作品。 第九章：配器法：乐器音色的雕琢与混合 配器不再仅仅是给旋律穿上衣服。本章探讨了如何利用乐器间的音域重叠、音色对比（如木管与铜管的交织，弦乐群的层次铺陈）来构建复杂的音响景观。内容涵盖了现代管弦乐队的分组写作、打击乐器的非传统应用（如音色打击乐），以及电子合成器音色在传统配器中的融合策略。 第十章：音乐的未来：技术与跨界融合 本章展望了音乐创作的未来趋势，包括算法作曲的基本概念、基于微音程（Microtones）的探索，以及当代电子音乐与传统音乐材料的对话。我们将指导读者思考：在人工智能辅助创作日益普及的今天，作曲家的核心价值何在？ 结语：永无止境的探索 《音乐的奥秘》提供的是一套思维框架，而非一套僵化的教条。我们希望读者能够带着批判性的眼光，去审视每一条既有的“规则”，并最终发展出属于自己的、能够清晰传达内心声音的音乐语言。音乐的边界永远在扩展之中，本书正是为下一代探索者准备的导航图。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我本来对这种“工具书”式的历史文献汇编是抱着将信将疑的态度，但这本书完全超出了我的预期。它并非传统意义上那种从古至今串联起来的音乐史教科书，而更像是一本精心策展的“音乐文献展”。这本书的魅力在于它的“档案感”。它将不同历史时期、不同地域的音乐文献——包括乐谱摘录、当时的乐评、作曲家的私人信件、甚至当时的演出海报复印件——以时间轴和主题线索交织的方式呈现出来。比如，在描述巴洛克时期的歌剧创作时，它会同时展示出A作曲家关于咏叹调结构的信件，以及B作曲家作品中某个特定装饰音的处理方法，两者形成一种有趣的对话。纸张选择了偏厚的铜版纸，使得那些彩色印刷的插图和乐谱细节都纤毫毕现，触感极佳。这本书的价值在于其极强的“情境还原”能力，它不是在告诉你“发生了什么”，而是在让你“身临其境”地感受“当时的人们是如何思考和创作的”。阅读过程中，我常常会忘记自己是在“学习”，而更像是在翻阅一个久远的、充满智慧的宝箱，每一个角落都闪烁着历史的光芒。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的乐理书，封面设计得极其朴实，几乎可以说是有些古板了，灰白色的背景上印着一行行工整的宋体字，没有丝毫花哨的图案，让人一眼就能看出它走的是学术路线。我拿到手的时候，首先感受到的是它沉甸甸的分量，这预示着里面必然是干货满满。内页的纸张质量出乎意料地好，不是那种薄薄的反光纸，而是略带米黄色的哑光纸张，非常适合长时间阅读，眼睛不容易疲劳。内容上，它从最基础的音高、节奏概念开始讲起，循序渐进地过渡到和声学、曲式分析等更复杂的领域。我特别喜欢它在讲解复杂理论时，总会配上大量的古典音乐实例，那些著名的乐段被清晰地标注出来，让你在理解抽象概念的同时，立马就能在脑海中构建出声音的画面。例如，在讲到转调技巧时，作者没有仅仅停留在枯燥的规则罗列上，而是引用了巴赫赋格中的几个关键转折点进行剖析，深入浅出，让人茅塞顿开。唯一的缺点可能就是，对于完全零基础的初学者来说，第一章可能需要反复阅读才能完全消化，但一旦跨过了这道坎，后面的学习体验就会变得异常顺畅和充实。这本书无疑是音乐专业学生案头必备的工具书，其严谨性和全面性，绝对对得起它在音乐教育界的声誉。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了研究近现代作曲技法，手里淘来的这本关于二十世纪和声演变的专著，简直是我的“武林秘籍”。这本书的排版风格非常前卫，大量的留白和不对称的布局，给人一种跳脱出传统教材的视觉冲击感。它没有采用传统的自上而下的线性叙事，而是以一种“主题群”的方式展开论述。比如，它将无调性音乐、序列主义和偶然音乐作为三个相互关联又彼此独立的“研究域”，深入探讨了它们各自的逻辑起点和发展路径。作者的文字功底极其深厚，他擅长用富有哲理性的语言来阐释那些听起来“怪异”的音响现象。我印象最深的是他对德彪西晚期作品的分析，他没有纠结于传统的调性分析框架，而是将重点放在了“色彩”和“氛围”的构建上，这种解读角度彻底颠覆了我之前对印象派音乐的认知。书中收录了大量珍贵的乐谱片段，很多都是手稿影印件，这为研究者提供了第一手的资料。虽然阅读门槛相当高，需要读者对基础和声学有扎实的理解，但对于希望在音乐创作上寻求突破的人来说，这本书提供的思维工具是无价的，它强迫你去重新审视“和谐”与“不和谐”的界限，是一次智力上的酣畅淋漓的挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本关于作曲家传记的合集，风格上走的是一种非常文艺且带有个人情感色彩的“散文体”叙述，与那种冰冷的学术断代史完全不同。作者的笔触极其细腻、富有画面感，他似乎对每一位作曲家的内心世界都有着超乎寻常的洞察力。阅读体验非常像是在听一位学识渊博的长辈，为你娓娓道来那些音乐巨匠们生平中的高光时刻与挣扎的瞬间。例如，在描绘肖斯塔科维奇在压力下的创作状态时，作者没有堆砌复杂的音乐术语，而是通过对他在特定时期饮食习惯、作息规律乃至眼神变化的描述，侧面烘托出那种巨大的精神张力，让人读来不禁为之心酸。这本书的装帧设计也很有品味，封面采用了深蓝色的布面材质，触感温暖，内页的字体选择偏向于衬线体，阅读起来非常舒适。它并非一本用来查阅确切生卒年月的参考书，而是一本让你爱上这些伟大灵魂的“心灵指南”。它成功地将那些遥远的、高高在上的名字，还原成了有血有肉、有爱恨情仇的普通人，让艺术的魅力通过人性更深层次地得以展现，读完后让人久久不能平静。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本关于民族音乐学的田野调查指南，主要是因为我对非西方传统音乐的记录方法感到好奇。这本书的装帧设计非常注重实用性，是那种可以平摊放在桌面上、方便随时做笔记的软精装。内容上，它几乎涵盖了所有田野工作的核心环节：从前期准备、获取研究许可，到实际的录音设备选择、访谈技巧的运用，再到后期的数据整理和民族志写作。作者非常务实，没有过多地谈论宏大的理论框架，而是聚焦于“如何做”和“需要注意什么”。书中穿插了大量来自世界各地的实际案例，比如在某个非洲部落记录复调歌唱时遇到的沟通障碍，或者在东南亚雨林中处理录音环境噪音的经验总结。这些案例的描述细致入微，甚至连使用的录音机型号和麦克风摆放的角度都有明确的建议。对于一个刚踏入田野研究领域的学生来说，这本书简直就是一盏指路明灯，它教会你的不仅是技术，更是尊重和谦逊的研究态度。它强调，音乐是文化的一部分，记录者必须成为一个好的倾听者，而不是一个自上而下的采集者，这种人文关怀令人印象深刻。