复调音乐基础教程孙云鹰高等教育出版社9787040033304 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙云鹰 著

图书标签:

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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040033304

商品编码：29859866707

出版时间：1991-05-31

页数：118

图书基本信息
书名：	复调音乐基础教程
丛书名：	实用作曲理论基础
作者/主编：	孙云鹰
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040033304
出版年份：	1991年

版次：	第1版
总页数：	118页
开本：	1/16
图书定价：	12.80元
实际重量：	281g
新旧程度：	正版全新

《复调音乐基础教程》为实用作曲理论基础。

前言 

章 复调音乐概论
节 支声复调
第二节 对比复调
第三节 模仿复调

第二章 二声部对比复调
节 为指定的旋律写作一对一复调
第二节 用离调和变化音写作一对一复调
第三节 一对一、一对二、一对三和半花体
第四节 较复杂的和弦外音
第五节 切分与延留
第六节 七和弦与花体(混合节奏)

第三章 二声部民族风格的对比复调
节 七声调式与六声调式的对比复调
第二节 以五声为骨架调式的对比复调
第三节 用离调和双重调性为五声调式写的对比复调

第四章 模仿与复对位
节 模仿
第二节 复对位

第五章 三声部对位与复调
节 三声部和声对位化
第二节 用二声部对比复调加工成
为三声 部复调
第三节 为指定的旋律写三个声部对比复调
第四节 三声部民族风格
第五节 三声部复对位

第六章 中国的民间支声复调
节 中国民间支声复调概述
第二节 中国少数民族合唱、重唱中的支声复调
第三节 中国地方戏曲与说唱中的支声复调
第四节 民间器乐曲中的支声复调

第七章 复调音乐的曲式结构概述
节 创意曲
第二节 赋格曲

《复调音乐基础教程》为更好地适应我国中学教师培训的要求，1990年和1991年国家教委师范司对1983年由原教育部制定的中学教师进修高等师范专科各的教学计划和教学大纲进行了修订。今后中学教师学历培训全部执行新的教学计划和教学大纲。 

按照新的教学大纲，《复调音乐基础教程》可作歌曲写作与配器常识讲座课程的参考书。

音乐的织体：一部关于复调艺术的深度探索 导言：声音的交织与律动的和声 音乐作为人类情感与思想的载体，其表现力在很大程度上依赖于声音组织的方式。如果说单旋律是线条的优雅行走，那么复调音乐（Polyphony）便是多重线条在同一时空中编织出的复杂而和谐的挂毯。它不仅是西方音乐传统的核心基石，更是理解巴洛克、文艺复兴乃至现代音乐思维的关键钥匙。 本书旨在为音乐学习者、理论研究者以及对声音艺术抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有启发性的复调音乐学习指南。我们拒绝浮于表面的概述，力求深入挖掘复调音乐的历史脉络、核心技术、审美价值与分析方法，帮助读者建立起坚实的理论基础与敏锐的听觉感知能力。 第一部分：历史的回响——复调的诞生与演变 复调的出现并非一蹴而就，而是经历了漫长而精妙的演化过程。本部分将追溯这一艺术形态的源头，并勾勒其在不同历史时期的面貌。 第一章：中世纪的萌芽与格里高利圣咏的奠基 我们将从早期单音音乐（如格里高利圣咏）入手，探讨其对后世复调发展所提供的“土壤”。重点分析奥尔加农（Organum）的早期形态，理解“平行性”如何被逐步打破，以及不同声部之间在音高和节奏上寻求独立性的初步尝试。这一时期的探索，奠定了西方对垂直和声关系的早期认识。 第二章：巴黎乐派与自由奥尔加农的解放 聚焦于12世纪巴黎圣母院乐派（Notre Dame School），特别是列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）的贡献。我们将详细解析有节奏的奥尔加农（Measured Organum）的出现，这标志着节奏的精确量化成为复调组织的前提。对“三声部”和“四声部”作品的分析，将揭示早期复调对音乐结构复杂度的渴望。 第三章：经文歌的兴盛与固定中音的建立 进入14世纪，随着“新艺术”（Ars Nova）的到来，节奏复杂性进一步提升。本章将探讨经文歌（Motet）如何成为检验和展示复调技巧的舞台。重点讨论固定中音（Tenor）的使用方式，以及不同声部间对位技巧的日益成熟，为后世的对位法奠定基础。 第四章：文艺复兴的黄金时代——和谐的巅峰 文艺复兴时期是复调艺术的成熟期。我们将深入分析奥克冈（Ockeghem）、雅各布·彭托斯（Josquin des Prez）等大师的作品。重点讨论模仿（Imitation）手法的确立和广泛运用，这使得声部间的对话更为流畅自然。对“等值”声部（Equal Voice Texture）的探讨，揭示了当时对音响平衡与文本清晰度的追求。 第五章：巴洛克的黎明与对位法的体系化 巴洛克早期是复调向主调过渡的关键时期。本部分将追踪复调元素如何在歌剧兴起的同时得以保留和强化。对早期巴赫时代之前对位法理论的初步梳理，为进入下一部分关于严格对位的学习做好准备。 第二部分：技艺的精工——严格对位法的核心原理 对位法（Counterpoint）是复调音乐的骨架与灵魂。本部分将系统、循序渐进地介绍如何构建严谨且富有表现力的复调织体。 第六章：音程与和声的基石 在进入对位练习之前，必须对音程（Intervals）的性质（协和与不协和）以及它们在不同历史语境下的功能有清晰的认识。本章将详述在不同对位体系中，哪些音程被视为“可接受的”，哪些需要“解决”，并探讨“和声对位”与“纯对位”的区别。 第七章：西吉蒙迪（Fux）的五种对位法：基础训练 严格遵循传统教学法，详细解析约翰·约瑟夫·冯·西吉蒙迪（Johann Joseph Fux）在其著作《等级阶梯》（Gradus ad Parnassum）中提出的五种对位练习模式。 第一对位（Note Against Note）： 强调节奏的统一性，是理解声部间垂直关系的起点。 第二对位（Two Notes Against One）： 引入节奏的初步变化，开始探索长音与短音的对比。 第三对位（Four Notes Against One）： 侧重于处理不协和音的使用时机，以及如何通过快速音符隐藏不和谐性。 第四对位（Suspensions）： 聚焦于延迟（Suspension）这一核心技法，剖析其如何制造紧张感并最终解决为协和。 第五对位（Florid Counterpoint）： 综合前四种技法，允许声部在节奏上自由穿插，是向自由对位过渡的关键。 第八章：二声部对位：对话的艺术 对二声部对位进行专项研究，这是掌握复调思维的决定性步骤。分析如何通过“模 进”（Sequence）、“反向进行”（Contrary Motion）、“平行进行”（Parallel Motion）以及“斜向进行”（Oblique Motion）这四种进行方式，来控制声部的独立性和相互关系。着重解析如何构建一个完整且逻辑自洽的二声部乐段。 第九章：三声部与四声部对位：空间的扩展 随着声部数量的增加，对位组合的复杂度呈几何级数增长。本章将处理声部交叠、声部转换以及如何在更多声部中保持主题的清晰性与织体的平衡性。重点分析在多声部中，如何有效利用弱拍引入不协和音，以及如何避免出现不期望的平行五度或八度。 第三部分：自由的疆域——巴赫的复调世界与分析 如果说严格对位法是蓝图，那么巴赫的音乐便是用这些材料搭建出的最宏伟的建筑。本部分将转向更具表现力和结构复杂性的自由对位实践。 第十章：卡农与赋格：结构的两极 卡农（Canon）： 深度解析模仿的极致形式。从简单的环形卡农到复杂的反向卡农、增值卡农，探讨其数学美学与结构限制下的创造力。 赋格（Fugue）： 赋格是复调艺术的巅峰。我们将拆解赋格的结构要素：呈示部（Exposition）、插入部（Episode）、中入（Middle Entry）与再现部（Recapitulation）。详细分析主题（Subject）和对题（Countersubject）的引入、展开与变换，理解主题在不同调性、不同声部中的“旅行”与“变身”。 第十一章：主题的转化与发展技法 复调的生命力在于主题的灵活性。本章聚焦于巴赫常用的主题发展技法： 移位（Inversion）： 旋律线的镜像翻转。 逆行（Retrograde）： 旋律的倒奏。 增值与减值（Augmentation and Diminution）： 节奏的拉伸与压缩。 移位（Fragmentation and Sequence）： 主题片段的重复与发展。 第十二章：复调的听觉训练与审美鉴赏 理论学习最终需要回归到听觉实践。本章提供了一套系统的听觉训练方法，旨在培养听者分辨复调织体中各个独立声部的能力。同时，提供分析工具，指导读者如何从“垂直听觉”（关注和声）转向“水平听觉”（关注旋律线条），从而真正体会复调音乐的精妙之处。 结语：连接过去与未来 复调音乐的基础训练，是所有严肃音乐学习者无法绕开的历程。它训练的不仅是手指或大脑的逻辑，更是对“整体性中个体独立存在”这一哲学命题的音乐化理解。掌握了复调的逻辑，便能更深入地理解从古典奏鸣曲的对比原则到二十世纪十二音体系的内在关联。本书的最终目的，是让读者能够自信地走进任何复调作品的殿堂，聆听到那气象万千、交织不绝的音乐织体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和图示清晰度令人赞叹，这对于学习视觉化的音乐结构至关重要。很多复杂的声部交织图谱，如果排版混乱，读者很容易在复杂的线条中迷失方向。但在这里，不同的声部通常会使用不同的字体粗细、颜色区分，甚至通过巧妙的留白来引导读者的视线。这种对细节的关注，极大地降低了初学者理解复杂织体的认知负担。特别是关于“赋格曲”的结构分析部分，它不是简单地罗列呈示部、展开部，而是像解剖一个精密的机械装置一样，详细展示了主题的进入、转调、假入点以及各个声部之间的逻辑呼应。我甚至会忍不住对照着书里的图谱，在钢琴上分别弹奏出每一个声部，去体会它们是如何像齿轮一样精确咬合，共同推动音乐向前发展的。可以说，这本书在“可视化教学”方面做到了极致，让枯燥的乐谱分析变得直观而富有乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本教材简直是打开了复调音乐世界的一把金钥匙！我刚开始接触对位法的时候，那些复杂的规则和声部交织的总让我头晕脑胀，感觉像在啃一本晦涩难懂的理论书。但这本书的编排却非常巧妙，它不像某些传统教材那样堆砌枯燥的定义，而是从最基础的模仿、平行进行开始，循序渐进地引入各种复杂的技巧。作者的讲解非常清晰，每一个概念都会配上清晰的例子，甚至还有一些历史背景的介绍，让我不仅知道“怎么做”，更明白了“为什么这么做”。尤其是关于和声进行中如何保持声部线条的流畅性，书中提供的练习和范例真是太有启发性了。我记得有一次在处理严格卡农时卡住了很久，回头翻阅教材中关于“音程处理”的那一章节，忽然就茅塞顿开。感觉作者非常理解学习者在不同阶段可能遇到的困惑，并提前设置了“避雷点”。如果说学习复调是一场攀登，那么这本书就像是为你规划了一条既科学又充满趣味的登山路线，让你每一步都走得踏实有力。我强烈推荐给所有对古典音乐结构美学有浓厚兴趣的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

对于一个非音乐专业出身，但对音乐理论抱有狂热爱好的自学者来说，这本书简直是救星般的存在。最大的挑战在于如何将抽象的对位规则“听化”和“感受化”。很多书本告诉你“三度平行进行是禁止的”，但这本书却会让你去听一听历史上哪些作曲家在什么特定语境下“打破”了这条规则，以及这种打破带来的听觉效果是什么。它不是生硬地灌输规则，而是引导你去主动发现规则背后的逻辑和美学价值。我发现，书中那些精选的乐曲片段分析，选材非常独到，既有我们耳熟能详的经典范例，也有一些相对冷门但技法上极具代表性的片段。我经常在练习完某个技巧后，立刻去聆听对应的原曲，那种“原来如此！”的震撼感是任何文字描述都无法替代的。这让我对音乐的理解不再停留在旋律和和声的表面，而是深入到了结构和动态的层面。

评分☆☆☆☆☆

如果非要说有什么地方让我印象深刻，那一定是对“创作实践”的强调。许多理论书读完后，你可能知道如何分析，但真正拿起笔来创作时却依然无从下手，因为“理论”和“创作”之间存在巨大的鸿沟。这本书很聪明地将理论学习与实操练习紧密结合。每一章的结尾都提供了不同难度梯度的创作练习，从简单的两部对位练习到更复杂的固定低音或固定旋律写作。更重要的是，它会提供一些“写作提示”和“常见错误解析”，这些往往是课堂教学中老师可能口头提及，但却很少能在书面教材中找到的宝贵经验。它教会我的不仅是如何写出“正确的”复调，更是如何写出“有生命力”的复调。通过这些练习，我感觉自己的音乐“肌肉”得到了有效的锻炼，不再害怕面对空白的五线谱，而是充满了尝试和表达的欲望。这本书是真正的“能用、好用、爱用”的工具书。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本教材时，最大的感受是“专业”和“严谨”，但这种严谨绝不是令人望而却步的刻板。我过去尝试过其他几本关于巴赫对位法的入门读物，它们要么过于注重历史考据而忽略了实际操作的技巧，要么就是过于侧重技术操作而缺乏理论支撑。而这本教材做到了极佳的平衡。它对各个时期复调风格的演变有着清晰的脉络梳理，无论是早期的“固定音型”写作，还是晚期复杂的“自由对位”，书中都有详尽的分析。我特别欣赏它在处理“力度与音色”在复调织体中的作用时的论述，这在很多纯理论教材中是被忽略的方面。通过书中的分析案例，我开始明白，复调不只是声部间的智力游戏，它更是一种声音的雕塑艺术。每一次练习，都像是在与历史上的大师对话，体会他们是如何在有限的规则内创造出无限的张力与美感。这本书，更像是一位经验丰富的导师，在你身旁，耐心而又高标准地指导着你的每一步创作。