正版 动漫造型设计基础 矫强 9787531455875 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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矫强 著

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• 矫强
• 9787531455875
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店铺： 博古通今图书专营店

出版社： 辽宁美术出版社

ISBN：9787531455875

商品编码：30098838115

包装：平装

出版时间：2013-10-01

基本信息

书名：动漫造型设计基础

定价：55.00元

作者：矫强

出版社：辽宁美术出版社

出版日期：2013-10-01

ISBN：9787531455875

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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可以毫不夸张地说，动漫已经成为作者矫强生活中不可分割的部分那些快乐和充满魔力的元素在他的血液中流淌，使他始终可以保持用积极乐观的态度面对人生。由初的狂热动漫迷转换成动漫从业者，到现在专心从事动漫教育工作，这是一个漫长但却令他愉悦的过程。从小时候顶着马路上的汽车尾气和灰尘坐在书摊上看新出的《七龙珠》《城市猎人》到背着画板拿着画笔和颜料盒参加美术高考，再到现在坐在大学课堂里给一个个对动漫抱着美好憧憬的学生讲动漫技法，可以说，他对动漫的热情从未衰退过，为什么动漫会具有如此引人八胜的魅力？为什么这些鲜活可爱的动漫造型久久让人不能忘却？我想这是除了我之外还有很多动漫爱好者直不断思考的问颗。 在《动漫造型设计基础》这本书中，综合了他十几年对动漫创作的认识以及从业教学的经验，收录了大量的动漫专业学生的作品案例十希望能为喜爱幻想和即将从事动漫行业的朋友们，找到一条便捷有效的卡通造型创作之路。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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艺术的殿堂：全球经典绘画大师的创作奥秘 本书系：世界艺术史系列丛书（第十八辑） 定价：128.00 元 开本：16 开 页数：480页（含全彩插图320页） --- 导言：跨越时空的对话 艺术，是人类情感与智慧的结晶，是记录文明进程最直观的载体。绘画，作为视觉艺术的核心表现形式，历经数千年锤炼，从洞穴壁画的粗犷到文艺复兴的辉煌，再到现代主义的颠覆，始终牵引着人类对“美”的探索与认知。 《艺术的殿堂：全球经典绘画大师的创作奥秘》并非仅仅是一部简单的人物传记或作品集粹。它是一次深入的、技术性的、充满洞察力的“解剖”，旨在揭示那些被时间奉为圭臬的艺术巨匠们，究竟是如何将颜料、光影与画布融为一体，从而创造出不朽杰作的。本书聚焦于从古典主义到印象派这几大关键转折期的代表人物，剖析他们的技法、哲学思想及其对后世产生的深远影响。 我们相信，理解一幅画作的价值，不仅在于欣赏其表面的美感，更在于洞悉其背后隐藏的结构、色彩理论和对人体的精确把握。 --- 第一篇章：文艺复兴的黄金法则——结构与透视的革命 文艺复兴，是西方艺术史上一次伟大的觉醒，它将焦点从神圣的彼岸拉回到完整的人性与严谨的科学理性。本篇章将详尽考察两位巨匠的贡献。 第一章 达·芬奇的“无形之笔”：空气透视与晕染法 列奥纳多·达·芬奇不仅仅是画家，他是解剖学家、工程师和哲学家。本书将用数十页的篇幅，系统解析其革命性的晕染法（Sfumato）。这种技法通过极其微妙的色彩过渡和光影渐变，模糊了轮廓线，使得人物形象仿佛笼罩在一层薄雾之中，充满了神秘感和生命力。 核心分析：详细比对《蒙娜丽莎》与早期作品中眼神和嘴角处理的手法差异。 技术拆解：通过扫描图谱，还原达·芬奇在处理皮肤质感时，颜料层叠加的厚度与稀释比例，展示他如何运用空气透视法（Atmospheric Perspective）来模拟远景的朦胧感。 人体结构：结合其手稿，探讨他如何在精确的骨骼和肌肉解剖学基础上，构建出兼具科学准确性和艺术理想化的肖像。 第二章 米开朗基罗的雕塑绘画：力量与“造型感” 与达·芬奇的“柔和”形成鲜明对比的是米开朗基罗·博那罗蒂对“体积感”的极致追求。他将雕塑的思维完全融入绘画。 西斯廷天顶画的透视难题：分析《创世纪》系列中，人物在拱顶上的透视角度如何被巧妙处理，以适应观众从地面仰视的视觉习惯。 肌肉的张力：本书收录了数张细节放大图，对比《最后的审判》中各个人物的肌肉群组，解释米开朗基罗如何运用强烈的明暗对比（Chiaroscuro）来强化画面的戏剧性和运动感，即便是在二维平面上，人物也具有三维雕塑的重量感和力量感。 --- 第二篇章：巴洛克的光影剧场——戏剧性与情感的爆发 巴洛克艺术追求强烈的视觉冲击力和情感代入感。本篇章聚焦于两位大师如何运用光线来主导叙事。 第三章 卡拉瓦乔的黑暗美学：对立与真实 卡拉瓦乔（Caravaggio）的出现，彻底颠覆了古典主义的柔和光线。他带来了暗色背景（Tenebrism）——极端对比的光影处理。 光线的来源与目的：分析卡拉瓦乔作品中，光线往往并非来自自然光源，而是如同舞台聚光灯般，精确地照射在关键人物或事件上，强调其精神内核或道德选择。 现实主义的冲击：探讨他如何敢于描绘平民的粗粝面孔和不加修饰的身体，并将神圣题材置于充满世俗气息的环境中，引发了当时艺术界的巨大争议，也奠定了现代写实主义的基础。 第四章 伦勃朗的内在光芒：心灵的肖像师 荷兰黄金时代的伦勃朗·凡·莱因，其光影运用更为内敛和深刻。他关注的是人物的内心世界。 光线与精神深度：伦勃朗的自画像是研究其技法变化的关键样本。本书详细对比了他不同人生阶段（青年、中年、晚年）处理光线和笔触的演变，展示了光线如何成为表达“时间流逝”和“生命体验”的媒介。 笔触的质感分析：区别于意大利画派的平滑过渡，伦勃朗后期运用了厚涂的、有明显肌理感的颜料堆积（Impasto），尤其是在高光部分，使画面在近观时具有雕塑般的物质感。 --- 第三篇章：浪漫主义的色彩风暴——情感的解放与视觉的震撼 进入18世纪末和19世纪初，艺术摆脱了对理性的绝对服从，转而拥抱主观感受、想象力与宏大叙事。 第五章 德拉克洛瓦的色彩交响：运动与激情的融合 欧仁·德拉克洛瓦（Eugène Delacroix）是浪漫主义色彩运用的集大成者。他深受鲁本斯影响，但更进一步将色彩从描绘形体的工具提升为表达情绪本身。 色彩并置法（Juxtaposition of Colors）：本书展示了德拉克洛瓦如何利用互补色并置而非传统混合的方式，使画面色彩饱和度达到极致，产生视觉上的振动效果，以描绘《自由引导人民》中的磅礴气势。 动态构图：分析其作品中常用的对角线和螺旋形构图，如何引导观者的视线，制造永不停歇的运动感，体现了浪漫主义对“激情”的追求。 第六章 透纳的光的炼金术：从具象到抽象的边缘 威廉·透纳（J.M.W. Turner）的作品是古典艺术向现代艺术过渡的里程碑。他开始关注光线和大气本身，而非光线所照亮的物体。 媒介的实验性：深入探讨透纳如何使用极度稀释的颜料和厚重的蜡质层，来表现海雾、风暴和日落等转瞬即逝的自然现象。 “光晕”的生成：通过色彩层分析，解释他如何通过白光和暖色调的重叠，创造出近乎抽象的光晕效果，预示了印象派对光影捕捉的执着。 --- 结语：技法永存，精神不朽 本书的价值在于，它不仅呈现了这些大师的传世之作，更重要的是，它提供了一把钥匙，让我们能够从技法层面重新审视艺术史上的每一次飞跃。每一位巨匠，无论其风格如何迥异，都建立在对前人坚实基础的深刻理解之上，并在此基础上大胆地进行了个人化的技术革新。 阅读本书，您将获得超越单纯欣赏的工具，能够真正领会到每一笔触背后所蕴含的思考与汗水。这是对艺术学习者、专业人士以及所有热爱视觉艺术的读者的诚挚邀请——让我们一同走进艺术的殿堂，探寻永恒的创作奥秘。 附录： 1. 欧洲主要绘画流派的技法对比图表 2. 经典颜料的配方与保存历史考证 3. 艺术史术语对照辞典 (中英双语)

评分☆☆☆☆☆

老实说，我平时对这种“基础教程”类的书籍多少有些不屑，觉得内容大同小异，很难有实质性的突破。但《正版 动漫造型设计基础》却意外地刷新了我的认知。它没有落入俗套地堆砌大量生硬的理论，而是巧妙地将抽象的概念转化为可视化的指导。我尤其喜欢它对人物服装设计和道具刻画的讲解，那些细节的处理，比如布料的褶皱、材质的光泽感，都给出了非常实用的技巧。我之前画人物时，总觉得他们的衣服像是披了层皮，缺乏立体感和真实感，这本书就像是给了我一把解锁真实感的钥匙。而且，作者在讲解过程中，还穿插了一些小贴士和注意事项，这些看似不起眼的细节，却能极大地避免我们在绘画过程中走弯路，节省宝贵的时间。这本书的价值，远不止于它的篇幅，更在于它所传递的深度和广度。

评分☆☆☆☆☆

购买《正版 动漫造型设计基础》纯属偶然，但绝对是一次值得的投资。作为一名多年热爱动漫的粉丝，我一直梦想着能亲手创造属于自己的角色。然而，现实往往是残酷的，我尝试了无数次，画出来的东西总是不尽如人意。这本书的出现，就像是在黑暗中点亮了一盏灯。它从最基础的线条和形状开始，循序渐进地引导我进入动漫造型设计的殿堂。书中对人体结构的讲解非常到位，即使是初学者也能轻松理解。而且，它还提供了一些非常实用的构图和色彩搭配建议，让我的作品不再是简单的“点缀”，而是充满了艺术感。我特别欣赏书中对于不同动漫风格的解析，让我对这个领域的认识更加全面和深入。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我入手《正版 动漫造型设计基础》之前，对动漫造型设计这个领域其实并没有太深入的了解。我只是凭着一股热爱，想要尝试一下。这本书就像是一位经验丰富的老朋友，耐心地带着我从零开始。它没有使用过多晦涩难懂的术语，而是用通俗易懂的语言，加上大量的图例，将复杂的知识点一一拆解。我最喜欢的部分是关于角色情绪表达的讲解，书中通过细微的面部表情和肢体语言的变化，让我明白了如何让角色“活”起来，如何通过造型来传递角色的喜怒哀乐。我尝试着将书中教授的技巧应用到自己的练习中，发现作品的感染力大大增强。这本书不仅教会了我绘画的技巧，更重要的是，它激发了我对动漫造型设计的无限兴趣，让我看到了自己在这条道路上前进的希望。

评分☆☆☆☆☆

这次淘到的这本《正版 动漫造型设计基础》真是让我惊艳，翻开书页的那一刻，就被其精美的插画和严谨的编排深深吸引。书中的案例选取非常典型，从基础的人体比例到复杂的角色表情，都进行了深入浅出的讲解。特别是关于动态表现的部分，作者通过大量的范例图，清晰地展示了如何让笔下的人物动起来，仿佛拥有了生命一般。我之前在学习过程中，总是觉得自己的角色看起来“死板”，缺乏灵魂，这本书简直是及时雨！它不只是告诉你“怎么画”，更重要的是告诉你“为什么这么画”，背后的设计逻辑和思维方式都得到了很好的梳理。而且，书中的纸张和印刷质量也相当不错，拿在手里很有质感，翻阅起来心情也格外愉悦。对于我这样一个还在摸索阶段的绘画爱好者来说，这本书无疑是指导我前进的明灯，让我看到了动漫造型设计的无限可能。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，学习动漫造型设计，最关键的还是要有“感觉”。很多人可能会觉得这是玄学，但我在这本书里找到了答案。《正版 动漫造型设计基础》非常注重培养读者的“设计感”和“观察力”。它不是简单地教你复制粘贴，而是引导你去理解不同风格背后的文化和审美差异，去捕捉人物内在的情绪和个性。比如，书中对不同地域、不同时代人物造型的分析，让我明白了造型设计不仅仅是外在的形体，更是内在精神的体现。我尝试着书中介绍的一些练习方法，发现自己对人物的理解和塑造能力确实有所提升。以前画角色，总觉得是“人”，现在觉得是“有故事的人”。这本书让我从一个“画匠”向“设计师”迈进了一大步，这种提升是非常根本和长远的。