中央音乐学院学士论文选 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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姚亚平，刘小龙 著，中央音乐学院音乐学系 编

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• 中国音乐
• 音乐理论

出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810961097

版次：1

商品编码：10288102

包装：平装

开本：32开

出版时间：2005-10-01

用纸：胶版纸

页数：588

内容简介

《中央音乐学院学士论文选》收集了中央音乐学院音乐学系23篇优秀论文，为音乐学理论。

目录

北京城市民间花会调查报告
论拉赫玛尼诺夫的钢琴协奏典
蒋风之年谱及蒋派二胡艺术风格的形式
试论维也纳古典乐派中的民间音乐因素
浅释“音”、“声”
巴洛克时期的“音乐修辞学”及其蕴涵的美学理念
两颗恒星的交汇——浅述尼采哲学对理查·施特劳斯作品的影响
山东省广饶县大王镇村音乐调查报告
利都奈罗在《勃兰登堡协奏曲》中的运用
从琴曲《大胡笳》和《小胡笳》中试探汉唐时期北方少数民族音调
北京高校学生接近西洋古典音乐情况的调查报告
南路丝弦音乐初探
钢琴演奏才能测验初探
元·熊朋来《瑟谱》译谱研究
古希腊与先秦音乐学和谐观念的比罗
从两首二胡协奏曲看80看代二胡技巧的运用——以刘文金和关乃忠的作品为例
欧洲艺术音乐创作过程中的“华尔兹现象”浅析
从分析肖邦的《玛祖卡舞曲》看选择乐谱版本的重要性
多段体琴歌《阳关三叠》研究
传统与现代的流变，民间与专业的交融——对芬兰当代作曲家诺根和其《第二堪特雷协奏曲》的研究和分析
中国当代流行歌曲热的几点分析
从《小宇宙》看匈牙利新艺术音乐的主要特征——论巴托克《小宇宙》中的民族性与现代性

前言/序言

璀璨的声之史诗：一部聚焦西方古典音乐发展脉络的深度探索 本书并非对某一特定院校学术成果的汇编，而是力图在更宏大的历史语境下，为读者勾勒一幅精美绝伦的西方古典音乐发展全景图。它是一次对巴洛克辉煌、古典主义的理性光辉、浪漫主义的激情澎湃，直至二十世纪音乐革新浪潮的深度穿越。 第一部分：源起与奠基——从格里高利圣咏到巴洛克的金钟长鸣 本卷首先将目光投向音乐的黎明。我们追溯了中世纪西方教会音乐的起源，详细剖析了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐体系如何为后世复调音乐的诞生铺平道路。随后的章节聚焦于文艺复兴盛期，阐释了如帕莱斯特里那（Palestrina）等作曲家在宗教音乐中对织体平衡与清晰度的极致追求，以及世俗音乐如法国香颂在人文主义思潮影响下的勃兴。 然而，真正的革命发生在巴洛克时期（约1600-1750年）。本书将用大量篇幅，详尽解析这一时期音乐的特征：对“狂想”（Affektenlehre，情感理论）的深入应用，以及和声语言的飞速发展。我们将深入探讨歌剧艺术在佛罗伦萨的诞生，分析蒙泰威尔第（Monteverdi）如何用戏剧性的手法解放了音乐的表现力。 继而，焦点转向器乐的黄金时代。大协奏曲（Concerto Grosso）的结构，奏鸣曲式的早期形态，以及组曲（Suite）的规范化，都被细致地拆解。亨德尔（Handel）的清唱剧如何将戏剧张力推向顶峰，展现了恢弘的公众艺术力量；而巴赫（Bach）——这位音乐的集大成者——的贡献则被置于核心地位。我们不仅分析《平均律钢琴曲集》中对十二平均律的系统性确立，更深入探究其赋格曲（Fugue）中对位法的逻辑之美与精神深度，阐释其音乐语言的普世性与超越时代的影响力。 第二部分：秩序与和谐的极致——古典主义的清晰结构与人类精神的平衡 进入十八世纪中后期，欧洲的社会结构和启蒙思想对音乐产生了决定性影响。古典主义音乐（Classical Era）不再满足于巴洛克时期的复杂装饰，而是追求清晰、平衡、对称与和谐的结构美学。 本部分的核心在于“奏鸣曲式”（Sonata Form）的成熟与规范化。我们将从海顿（Haydn）的“交响曲之父”的身份入手，分析他如何将早期的四乐章结构固定下来，赋予交响曲以完善的戏剧性和有机性。随后，对莫扎特（Mozart）的探究将聚焦于他无与伦比的旋律天赋以及在歌剧创作上的革命性成就，特别是他如何将人物内心复杂的心理活动融入音乐的每一个细节中，如《费加罗的婚礼》对社会阶层的微妙讽刺。 贝多芬（Beethoven）作为古典主义的巅峰与浪漫主义的桥梁，其地位被单独强调。本书不局限于列举其九部交响曲，而是深入分析他如何在继承海顿、莫扎特衣钵的基础上，通过对形式的拓展、情感的注入以及动机的提炼，彻底颠覆了音乐的表达边界。尤其是他晚期作品中蕴含的哲学思考与精神探索，为后世音乐家指明了新的方向。 第三部分：情感的洪流与民族的觉醒——浪漫主义的狂想曲与叙事诗 十九世纪，随着工业革命的深入和个人主义的兴起，音乐彻底转向内在情感的表达。浪漫主义音乐（Romanticism）是本书篇幅最厚重的部分之一，因为它直接反映了时代精神的剧烈波动。 首先，我们将探讨“抒情曲”（Lied）的兴盛，舒伯特（Schubert）和舒曼（Schumann）如何将诗歌与音乐融为一体，创造出亲密、内省的艺术歌曲。随后，篇章转向钢琴音乐的“巨人”——肖邦（Chopin）与李斯特（Liszt）。肖邦的夜曲与马祖卡舞曲，被视为波兰民族精神的细腻写照；而李斯特对“交响诗”（Symphonic Poem）的创立，标志着标题音乐（Program Music）的正式确立，音乐开始直接讲述故事或描绘景象。 管弦乐队的规模急剧膨胀，交响曲创作进入了更宏大的叙事阶段。勃拉姆斯（Brahms）的“新德奥学派”如何坚持古典的结构美学，同时注入深刻的浪漫主义情感；瓦格纳（Wagner）的“主导动机”（Leitmotif）系统在歌剧中的运用，如何实现了“乐剧”（Gesamtkunstwerk，总体艺术作品）的理想，挑战了传统歌剧的界限。 此外，本书也关注民族乐派的兴起。俄国的“五人强力集团”（如穆索尔斯基），捷克的德沃夏克（Dvořák），以及芬兰的西贝柳斯（Sibelius），他们如何从民间音乐、历史传说中汲取灵感，为世界音乐地图增添了独特的地域色彩和身份认同。 第四部分：多元化的探索——二十世纪音乐的破碎与重构 进入二十世纪，音乐进入了一个前所未有的多元化和试验阶段。两次世界大战以及科学哲学的进步，动摇了西方音乐赖以生存的调性基础。 本书细致梳理了德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）为代表的印象主义，分析其对音色、氛围的捕捉如何打破了德奥传统的厚重感。紧接着，是斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》所引发的革命性“原始主义”，以及对节奏的强力重塑。 德布西之后的德奥“现代主义”阵营，构成了关键的讨论点。勋伯格（Schoenberg）如何从晚期浪漫主义的边缘走向无调性（Atonality），并最终系统化地发展出“十二音体系”（Dodecaphony），这是对几百年西方音乐美学的一次彻底决裂与重塑。随后，我们讨论了其学生魏本恩（Webern）对序列主义（Serialism）的进一步推演，探索了声音的结构化潜力。 最后，本书将目光投向战后欧洲和美国音乐界。对电子音乐（Electronic Music）的早期探索、对偶然性音乐（Aleatoric Music）如约翰·凯奇（John Cage）作品的分析，以及极简主义（Minimalism）的回潮，展示了音乐家们如何试图在爆炸性的时代背景下，寻找新的秩序、意义或对“声音”本身的终极拷问。 结语：听觉的无限可能 本书的宗旨是提供一个结构清晰、论证严谨的音乐史框架，帮助读者理解每一时代音乐风格背后的社会、哲学驱动力，而非仅仅停留在对名家名作的简单罗列。它鼓励读者超越熟悉的主流作品，去发现隐藏在历史深处的每一次伟大的听觉实验与结构创新。

评分☆☆☆☆☆

读完这本书，我深感震撼，这不仅仅是学生们的答辩论文，更是一群年轻灵魂对艺术的不懈追求与深邃思考的结晶。书中的论述，时而如同抽丝剥茧般，将复杂的音乐现象层层剖析，展现出作者严谨的逻辑和扎实的功底；时而又如泉涌般，迸发出对音乐的无限热爱与奇思妙想，让我不禁为之动容。虽然书中并没有直接的音乐片段或是演奏谱例，但作者们对于乐曲结构的精妙分析，对于作曲家情感动机的细腻捕捉，以及对音乐发展脉络的清晰梳理，都足以让我在脑海中勾勒出一幅幅生动的音乐画面。我仿佛能听到那激昂的乐章在耳边回荡，感受到那悠扬的旋律在心间流淌。更有趣的是，书中还涉及了一些跨学科的视角，将音乐与文学、哲学甚至社会学巧妙地结合起来，这让我在阅读时，总能获得意想不到的启发。这本书让我意识到，音乐并非是孤立存在的艺术，而是与人类文明的各个方面都息息相关，它承载着历史的记忆，反映着时代的精神，更触及着人类情感的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

这本书给了我一种非常独特的阅读体验，它并非那种情节跌宕起伏，或是故事引人入胜的读物，而是一种更为内敛、更为深刻的精神之旅。在阅读的过程中，我仿佛置身于一个充满智慧的学术殿堂，与一群才华横溢的年轻学者进行着无声的对话。他们严谨的治学态度，对音乐史料的爬梳整理，以及对音乐理论的深入探讨，都让我印象深刻。书中关于某个音乐流派的起源与演变，某个作曲家创作生涯的细致梳理，或是某个音乐术语的溯源考证，都展现了作者们非凡的耐心与洞察力。即使我并非音乐领域的专业人士，也能从他们的文字中感受到那股扑面而来的学术气息，以及对知识的敬畏之心。我尤其欣赏那些探讨音乐在特定历史时期所扮演的角色，或是分析音乐与社会文化之间关系的论文，这让我看到了音乐作为一种独特的语言，是如何反映和塑造着人类的社会生活。这本书，让我有机会透过音乐学院学子的视角，去重新审视和理解音乐的丰富内涵，这是一种非常宝贵的体验。

评分☆☆☆☆☆

我被这本书中蕴含的求知欲和探索精神深深吸引，仿佛看到一群年轻的灵魂，在浩瀚的音乐海洋中，用智慧的船桨划向未知的彼岸。虽然书本中没有直接的乐谱或演奏技巧的示范，但每一篇论文都像一颗璀璨的宝石，闪耀着作者们对音乐的深刻理解和独到见解。他们对某个历史时期的音乐风格进行了细致的描摹，对某个作曲家作品的独创性进行了深入的剖析，甚至对某个音乐概念的哲学内涵进行了大胆的探究。我能想象到，在撰写这些论文的过程中，作者们一定经历了无数次的思考、辩论与修改，他们对细节的极致追求，对真理的不懈探索，都让我肃然起敬。尤其是一些关于音乐教育实践的探讨，让我看到了未来音乐人才培养的可能方向，以及对音乐普及和推广的积极思考。这本书，不仅仅是一份学业成绩单，更是一份充满活力和希望的音乐蓝图，它让我看到了中国音乐学界新生代的力量，以及他们为传承和发展音乐艺术所付出的努力。

评分☆☆☆☆☆

这本书如同一扇窗，让我窥见了中央音乐学院严谨治学的学术氛围，以及年轻一代音乐学子们充满激情与探索的精神。虽然我并非音乐理论的专业人士，但阅读这些选集的过程，却让我对音乐的理解上升到了一个新的维度。那些洋溢着求知欲的文字，字里行间透露出的对音乐史料的细致考证、对音乐作品深刻的剖析，以及对音乐美学概念的独到见解，无不让我叹为观止。我尤其被其中一些关于中国传统音乐现代化发展的探讨所吸引，作者们不仅对古老的旋律与技法进行了梳理，更以现代的视角审视其在当代社会中的生命力与可能性，这种跨越时空的对话，让我感受到了传统文化的厚重与创新活力。我还能想象到，撰写这些论文的学生们，在无数个夜晚，面对着浩如烟海的书籍，在键盘上敲击出字句，他们的专注与热爱，仿佛也渗透进了纸张，感染着每一个读者。这本书不仅仅是一份学术成果的集合，更是一份充满青春气息的音乐宣言，让我看到了中国音乐教育的未来希望。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对音乐表演艺术抱有浓厚兴趣的业余爱好者，我一直渴望能更深入地理解音乐家们在舞台上呈现出的辉煌背后，所付出的艰辛努力与智力探索。这本书恰恰满足了我的这一期待，虽然书中并未直接呈现某个具体的演奏技巧或是乐曲的演奏指导，但通过阅读作者们对于音乐作品创作背景、作曲家意图的深入解读，以及对不同时期音乐风格演变的梳理，我仿佛能够“听”懂音乐的语言，理解其内在的逻辑与情感张力。例如，有几篇论文对某个特定乐器在不同历史时期技术发展与表现力的变化进行了细致的考察，这让我联想到自己在练习乐器时遇到的瓶颈，意识到那些看似微不足道的技法革新，是如何深刻地影响着音乐的表达方式。我甚至可以想象，当我在演奏一首熟悉的乐曲时，如果能够带着论文中那些精辟的分析，或许就能找到新的情感切入点，让我的演奏更加富有深度和感染力。这本书，就像一位无声的老师，用学术的语言，为我打开了通往音乐灵魂深处的大门，让我对每一次聆听，甚至每一次演奏，都充满了新的期待与思考。