具体描述
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编辑推荐
适读人群 ：美术专业学生，绘画爱好者
·美国图书网站五星推荐，牛津大学出版经典美术教程。
·更系统、更深入地探索素描艺术，你学习的每一个技法都有坚实的理论基础支撑。
·集中解析当代素描艺术的杰出作品，为素描技法进阶提供了重要资源。
·本书适合艺术专业学生与美术教师、艺术家。
主编推荐：
内容简介
观察是绘画的第一步。本书从对现实物体的观测开始，详细而全面地对绘画的基础性概念和方法进行了阐释，比如观测的方法、缩放比例的技巧、色调结构的观察和建构、透视、人体素描和肖像画等等。全书具有完备的知识结构体系，从传统跨越至当代，涵盖的美术技法极其丰富，对于不同绘画媒介也有详细介绍。
作者德博拉·罗克曼女士善于利用图例，以简明生动的语言将专业理论讲解得条理清晰、通俗易懂。她收录了大量当代素描艺术家的高水准作品，并对其进行透彻的解析，使读者对素描艺术的理解更上一个台阶。
本书通用性与专业性兼具，是一本帮助学生夯实素描基础、指导绘画技法精进的经典教科书，作为美术机构和教师的指导教材，也是高水准的优良之选。
作者简介
德博拉·罗克曼，是费里斯大学肯德尔艺术与设计学院的艺术教授，她在这里讲授研究生和本科生的素描课程。早在1992年，她就成为肯德尔艺术与设计学院历史上首位年轻的女性终身教授。同时她著作的书籍译成了中文在中国大陆出版发行。罗克曼那些获奖的素描作品、拼贴画、混合媒介画作和数字作品在美国各地多次举行个展和联展。
前言/序言
几个世纪以来，作为具备艺术创造重要特性的一种练习，素描的定义在后现代文化中变得越来越流动不居，既有传统的绘画练习的意味，也有了更多的实验性和多重意义的当代实践意味。如同其他学科一样，素描的学科界限也越来越模糊，这在许多当代艺术家的作品中可以看到，在美国各院校美术学士和硕士的课程结构中也可以看到。所以，依据艺术家的意愿，素描可以是传统的，也不妨是创新的。在我的经验中，传统（素描的传统概念）和创新（素描的当代概念）的双重性，这是成功的素描课程的特点之一，肯德尔艺术与设计学院的素描课程即以此为基础。在美术学士和硕士的培养中，素描都是核心课程，并且是这所学院所有其他艺术人才和实用艺术人才培养的辅助课程。本科美术专业初始阶段的素描课程，要让学生具备传统意义上的扎实基本功和体验，到了中级和高级阶段，则要掌握更为开阔多样的多种素描，它们既能帮助那些倾向于传统技法的学生，也能帮助那些希望在传统素描概念之外去拓展的学生。
就素描的概念而言，要从艺术品意义上界定一幅素描到底算不算素描，似乎越来越困难了。这类艺术品并不清晰地限定于那些狭窄的定义或明确界定的艺术门类。事实上，较容易的常常是判断一幅作品“不是”素描。尽管素描的定义在实践中不是一成不变的，那些传统的定义和变动后的当代定义都会包容在其中，但还是有一些明显的绘画不属于素描，比如画布上的油画通常就不被认为是素描。
不过，我们仍然头痛于定义。有时，任何画在纸上的东西，只要不是明显的照片或打印，人们就把它算作素描。然而，想一想怀特菲尔德·洛弗尔的作品吧——他用炭画笔在重建当年奴隶住处的木板上作画，还有利厄·格雷格奥尔画在玻璃上的软炭精画，或者是苏尔·莱韦特自己口授让别人画在墙上的画，以及珍尼弗·帕斯特、玛丽·伯格曼和瓦格希·姆图的画作——他们全画在聚脂薄膜上，另外则是珍尼·斯库比尔用炭精画在丙烯底料纸上然后封蜡的画作，这样的画板材料常常是用于油画之类的。
素描有时以它的材料或媒介来加以界定，所以，只要是使用素描的材料，画在任何表面上——纸或非纸，就被界定为素描。然而我们又怎样来界定什么是素描的材料呢？无疑，炭画笔、炭精、粉笔和墨笔都是素描材料，尽管它们也常常作为要素出现在其他画种中。但是，水墨算什么呢？如果是画在纸上，可能被认为是素描，但这是否就意味着画在纸上的水彩也算素描？如果不是，将纸视为素描载体的观点就被否定了。
素描传统上被认为是个人性质的或小尺寸的，但我们也知道这种有限的界定如今也不管用了。素描的尺寸已经大幅度地扩大，这部分是因为它们已不再受画在纸上的传统限制，部分是因为纸张生产商可以高质量地生产大张纸和超尺寸卷筒纸，可用来画大幅的素描。一些超过了框架，需要用玻璃覆盖来加以保护的素描，有托巴·基多里的整墙尺寸炭精素描，朱莉·梅雷图爆炸尺寸的混合媒介素描，洛斯·卡皮特罗斯（这是古巴的一个创作小组）的大尺寸素描，本·波尔斯基的超尺寸纸本碳转印素描，以及罗伯特·朗哥正在创作中的纸本整墙尺寸炭画笔和墨笔系列素描。有时，它们悬挂在墙上，有时则衬在木板上或展开的画布上，以便加固。
素描有时被界定为无色的，没有任何明显的色彩使用。这个定义没有重视色彩在素描中起到的基本作用，而且没有考虑到彩色铅笔、彩色粉笔、油彩和其他彩色媒介常常使用于素描环境中。想一想朱莉·梅雷图那种色彩爆炸般的作品，伊丽莎白·佩顿的彩色铅笔和水彩素描，杰克姆·诺德斯特罗姆、沙兹亚·西坎达和罗布·伊万斯的混合媒介彩色素描，还有斯蒂文·迪本尼蒂托那种鲜明的纸本彩色铅笔素描，或者是阿姆·库特勒的纸本树胶水彩素描。
有一点要注意，本书中引用的一些作品原来是有色彩的，但我决定全都处理为黑白的，这是基于对这本教材定价上的考虑，如果出现了彩色印刷的话，价钱就会比较昂贵，会使许多学生望而却步。
许多当代艺术组织、展览和出版物，比如纽约市的素描中心、《开始素描：八条定理》（现代艺术展览馆，2002）和《维生素D：素描中的新透视》（费顿出版社，2005），都越来越尽可能宽泛地解说素描，把制图术和实验艺术都包括进来了，以此强调当代艺术中素描的复杂性、多样性、创新性和实践性。构成这个扩展的当代素描概念的材料和支持手段，涵盖了炭精、炭画笔、墨笔、水彩、树胶水彩、铅笔、有色粉笔、蜡笔、丙烯、标签笔、彩色铅笔、马克笔、喷筒、圆珠笔、油彩、乳胶颜色、复写纸、白垩、彩色粉笔、修正液、剪纸、蜡、丙烯底料、银尖笔、炭精棒、各种各样的纸（包括丙烯底料涂层纸、描图纸、牛皮纸、聚脂薄膜、新闻纸、手工纸和建筑纸）、照片、复印件、原木、有色木材或处理后的木材、醋酸纤维膜、黑板、纸板和画布。
克劳迪恩·伊赛是2003年在加州大学洛杉矶分校哈默展览馆举办的“国际纸：新兴艺术家素描展”的联合筹展人，她在一篇文章中说：
“素描是一种古老的练习，然而它从来没有停止过在当代艺术家中激发创新和实验。这个展览展示了当代素描所使用的范围广泛的各种技巧和方法，包括水彩、树胶水彩、炭精和彩色铅笔的使用，以及剪纸、多种媒介拼贴、揉皱的牛皮纸等，作品有写实的也有抽象的，有大幅的也有小幅的。”
2005年，纽约现代艺术展览馆宣布收藏将近2600幅素描作品，它们出自640多位重要和新兴的艺术家之手，收藏的这种增加是为了实现该馆的目标，也就是体现“主要是在这20年间产生的当代素描最广泛的糅合倾向。这些作品显示了素描这种媒介的丰富性和复杂性，以及它在艺术创作过程中的中心位置，这次增加使得本馆在当代素描上的收藏处于独一无二的位置”。
2006年1月出版的《艺术新闻》（Artnews)的封面是阿图劳·海里劳创作的一幅题为《大素描》（TheBigDraw)的作品。《纽约时报》（TheNewYorkTimes)的一位作者，也是《艺术新闻》的特约编辑海拉里·M.希茨就这幅画作撰文谈素描正在发生着变化的性质：
“从破灭的童话到抽象的几何形状再到对夜空的观察，素描正在变成为许多艺术家的主要媒介……素描的非正式性和直接性长期以来就使它成为绝大多数艺术家创造过程中的基本部分。从文艺复兴时期的同业公会以来，它就被用作绘画或雕塑的一种准备手段，然而从达·芬奇到华托再到安索尔等许多艺术家都视自己的素描为完成的作品。现当代，素描在20世纪60年代和70年代的概念艺术家中间很盛行，这些人发现素描的符号意味很适于他们那种指向的创作。然而在今天，让人吃惊的却是有越来越多的艺术家正在选择素描作为自己的主要媒介。”
无疑，当代素描很活跃，吸引了艺术批评的很大注意，被视为当代艺术的一部分，尤其是正在兴起的更年轻的一代艺术家手中。尽管许多培养艺术学生的机构都一再调整他们的素描课程结构，但并没有什么统一的标准，要求视觉艺术的课程必须在传统或创新中二选一，以牺牲一方来发展另一方。这两方并不是相互排斥的。这实际上是从最传统的绘画方式到由实验和创新所激发的绘画活动之间的一个连续统一体。
在我自己作为一个艺术家和一个教师的实践中，我认识到一些引导性知识的重要性，这些知识体现在素描的传统技法和形式之中，而最终也能够为当代素描的广阔天地提供支撑。研究准确的客观观察，研究重视过程与结果互相依赖的主观阐释，学生们从这两个方面都会受益。到了较高级的阶段，更为宽广的素描探索就包括了变换媒介和混合媒介的创作处理，将它们作为具有潜力的因素来进一步开拓素描天地，让素描成为表达自己的手段。素描正在发展为一门独立的艺术门类，同时也是混合媒介创作中的一个要素，此外还是其他艺术门类探索发展中一种至关重要的资源。
我希望本书能为所有热望学习素描的学生提供一种资源。我相信书中提供的说明和指导为素描和对相关艺术门类的进一步探讨奠定了坚实的基础，在个人的层面上和较高的层面上都会如此。
德博拉·罗克曼
用户评价
我一直觉得自己是个对周遭世界充满好奇的人，但这份好奇心似乎总在“看”和“懂”之间隔着一层纱，直到我翻开了这本《牛津素描指南——从观察到描绘》。坦白说，在看到这本书之前，我对于“素描”的理解还停留在中学时期的美术课，以为就是对着静物，用铅笔涂抹出黑白灰。然而，这本书彻底颠覆了我的认知。它不是简单地教授你如何握笔、如何打轮廓，而是将素描提升到了一个全新的维度——它是一门关于“看见”的艺术，一门关于“理解”的学问。作者以一种极其耐心且循序渐进的方式，引导我一步步剥离对事物的固有印象，重新审视它们的本质。我开始关注光影如何在物体表面流动，它是如何塑造体积、区分材质的；我开始留意线条的粗细、虚实变化，它们如何传达力量、速度，甚至情感。书中大量的案例分析，不仅仅是精美的画作展示，更像是作者在低语，分享他如何观察、如何思考、如何将脑海中的感知转化为指尖的笔触。我记得有一章是关于如何描绘树木，我之前只会画一个大概的形状，但这本书让我看到了树枝的生长逻辑，叶片的层次，以及它们在风中摇曳时所呈现的动态美。这种从“看”到“描绘”的转化，让我感到一种前所未有的掌控感，仿佛我手中的画笔不再只是工具，而是我的眼睛和大脑的延伸，能够捕捉到那些曾经被我忽略的细微之处，并将它们以一种全新的方式呈现出来。这不仅仅是一本素描书，它更像是一位睿智的长者，用最真诚的态度，教会我如何更深入地去体验和理解这个世界。
评分我一直对艺术创作有着浓厚的兴趣，但总觉得自己在“看见”事物本质方面存在欠缺，直到我遇到了《牛津素描指南——从观察到描绘》。这本书，与其说是一本绘画教程，不如说是一堂关于如何“理解”世界的课程。作者以一种极其深刻且富有远见的视角，引导我如何去打破固有的视觉模式，重新审视周遭的一切。我非常赞赏书中对于“光影”的讲解，它不仅仅是教授我如何区分明暗，更是让我看到了光影是如何塑造物体形态、传达空间关系，甚至赋予物体生命的。我记得书中关于如何描绘金属质感的例子，它让我意识到，描绘金属并非仅仅是画出它的反光点，而是要理解金属的材质特性，以及光线如何在它的表面流动。这种深入的剖析，让我对素描有了全新的认识。我曾经觉得，素描作品的好坏，很大程度上取决于画得有多“像”，但这本书让我明白，更重要的是你是否“画出了”事物的灵魂。它鼓励我放下对完美复制的执念，而是去捕捉事物的神韵和内在的生命力。每一次阅读这本书，我都能从中获得新的灵感，我开始在生活中更加主动地去观察，去思考，去感受，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分自从我接触到《牛津素描指南——从观察到描绘》这本书，我感觉自己仿佛打开了一个全新的视觉世界。我一直认为自己对绘画有着一定的了解，但这本书彻底颠覆了我以往的认知。它不仅仅是一本教授绘画技巧的书，更像是一位循循善诱的导师，引导我深入理解“观察”的艺术。作者非常细致地阐述了如何从最基础的形状和轮廓入手，去理解物体的结构，以及光影如何塑造出它们的立体感。我特别欣赏书中关于“光影的语言”的讲解，它让我明白，光影并非只是简单的明暗对比，而是塑造物体形态、传达空间关系、甚至赋予物体生命力的关键。书中大量的实例分析，让我看到了理论如何在实践中得以应用。例如，在描绘水果时，作者会引导我去观察水果表面的光泽，它如何随着光线的角度变化而改变，以及果皮上细微的纹理是如何被光影所强调的。这种深入的剖析，让我对每一个细节都充满了好奇。这本书也极大地提升了我对“理解”的重视。它让我明白，真正的素描，不仅仅是技巧的堆砌，更是对事物本质的深刻理解。每一次阅读，我都能从中获得新的感悟，我开始在生活中更加主动地去观察，去思考，去感受，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分我一直以来都对艺术领域有着浓厚的兴趣，尤其是那些能够真正触及事物本质的作品，而《牛津素描指南——从观察到描绘》恰恰做到了这一点。它并非一本简单的绘画技巧手册，更像是一场关于视觉语言的深度对话。我非常欣赏作者在书中传递的“观察即思考”的理念。他并不是简单地教你如何去“画”，而是引导你去“看”，去理解物体是如何被塑造的，光影是如何作用于形体的，以及线条是如何传达情感的。这种由内而外的引导方式，让我感觉自己不再是被动地学习绘画，而是主动地去探索和发现。书中对不同材质的描绘，更是让我印象深刻。我之前对于如何表现金属的冰冷感、布料的柔软垂坠感、或者木头的粗糙纹理，总是感到束手无策，但作者通过对光影、笔触、以及纹理细节的深入剖析，为我打开了新的思路。他不仅仅是告诉我们“怎么画”，更是解释了“为什么这样画”，这种根源性的讲解，让我对绘画有了更深刻的理解。我尤其喜欢书中关于“动态观察”的部分，它打破了我以往对静态描绘的固有认知，让我意识到，即使是静止的物体，也蕴含着内在的生命力和运动的痕迹。这种将观察与动态相结合的视角，无疑极大地丰富了我对素描的理解。这本书让我明白，素描不仅仅是对客观世界的复制，更是对主观感受的表达，它是一种将我们内心的世界与外部世界建立连接的桥梁。
评分《牛津素描指南——从观察到描绘》这本书，对我而言，更像是一场关于“看见”的启蒙。我一直觉得自己在绘画方面天赋平平，但这本书却让我看到了另一种可能，一种将观察变成艺术的可能。作者并没有直接教授我复杂的绘画技巧，而是从最基础的“如何观察”入手，以一种极其耐心且富有启发性的方式，引导我一步步地去理解事物。我尤其欣赏书中关于“结构”的讲解，它让我明白，绘画并非仅仅是对外在形态的描摹，更是对内在骨骼和肌肉走向的理解。这种由内而外的分析过程，让我对描绘人物和动物有了全新的认识。我曾经觉得，描绘阴影是一件非常困难的事情，但这本书通过对光影在不同材质上反射和吸收的细致阐述，让我看到了阴影所蕴含的丰富信息。它让我明白，阴影并非只是简单的黑暗区域，而是能够塑造物体体积、传达空间关系、甚至赋予物体情感的关键。每一次翻阅这本书，我都能从中获得新的感悟，我的观察力在不知不觉中得到了极大的提升，我开始在日常生活中，用一种更加审慎和细致的目光去打量周围的一切，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分这本书给我最深的感触，就是它将素描从一项单纯的绘画技巧，升华为了一种理解世界的方式。我之前总觉得素描就是“画得像”，但《牛津素描指南——从观察到描绘》让我明白，真正的素描，在于“看得透”。作者以一种非常温和且富有洞察力的方式，引导我重新审视周遭的世界。他不仅仅是教我如何握笔，如何使用线条，更是教会我如何去“看”。我至今还记得，书中关于如何描绘透明物体的章节，它让我意识到，描绘透明物体，并非仅仅是画出轮廓，而是要捕捉光线在物体内部的折射和反射，以及它如何影响到背景的可见性。这种对细节的极致追求，让我对素描有了全新的认识。我曾经觉得，素描作品的好坏，很大程度上取决于画得有多“像”，但这本书让我明白，更重要的是你是否“画出了”事物的灵魂。它鼓励我放下对完美复制的执念，而是去捕捉事物的神韵和内在的生命力。每一次翻阅这本书，我都能从中获得新的感悟，我的观察力在不知不觉中得到了极大的提升，我开始在日常生活中，用一种更加审慎和细致的目光去打量周围的一切，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分这本书带给我的，不仅仅是绘画技巧的提升，更是一种思维方式的革新。我曾经认为，素描就是一种对现实世界的模仿，但《牛津素描指南——从观察到描绘》让我明白，素描更是一种对现实世界的解读。作者以一种极其细腻且充满智慧的方式，引导我深入理解“观察”的艺术。他不仅仅是教授我如何去“画”，更是教会我如何去“看”。我记得书中有一个关于如何描绘阴影的章节，它让我意识到，阴影并非只是简单的黑暗区域，而是能够塑造物体体积、传达空间关系、甚至赋予物体情感的关键。这种对光影的深入理解，让我对素描有了全新的认识。我曾经觉得，素描作品的好坏，很大程度上取决于画得有多“像”，但这本书让我明白，更重要的是你是否“画出了”事物的灵魂。它鼓励我放下对完美复制的执念，而是去捕捉事物的神韵和内在的生命力。每一次阅读这本书，我都能从中获得新的灵感，我开始在生活中更加主动地去观察，去思考，去感受，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分我一直对素描抱有一种敬畏之心，总觉得它是一门需要天赋和长期训练才能掌握的技艺。然而，《牛津素描指南——从观察到描绘》这本书，用它独特的方式，将这份敬畏转化为了一种好奇和渴望。它并没有像其他教程那样，一开始就抛出一堆复杂的技法，而是从最根本的“观察”入手，一步步地引导我如何去“看”。作者就像一位耐心的向导，带领我穿越迷雾，去认识事物的本质。我印象最深刻的是，书中对于“结构”的讲解，它不仅仅是告诉我要画出物体的轮廓，更是让我去理解物体的内在骨骼和肌肉走向，以及它们是如何影响外在形态的。这种从“内”到“外”的理解过程，让我对素描有了全新的认识。我曾经觉得，描绘人像时，眼睛是最难画的部分，但这本书通过对眼神细节的深入剖析，让我看到了眼睛背后所蕴含的情感和生命力。它让我明白，好的素描，不应仅仅是对形体的复制，而应是对生命力的捕捉。每一次阅读这本书，我都能从中获得新的灵感，我开始在生活中更加主动地去观察，去思考，去感受，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分这本书给我最直观的感受，就是它彻底改变了我看待事物的角度。我曾经认为，素描就是练手感，就是重复地描摹，但《牛津素描指南——从观察到描绘》却告诉我，素描的真正核心在于“观察”。作者用极其耐心和充满智慧的语言，为我揭示了如何真正地“看见”。他不仅仅是教授你如何握笔，如何打轮廓，而是引导你去理解物体的结构，去感受光影的变化，去捕捉细微的纹理。我记得书中有一章关于如何描绘人物的眼神，作者并不是简单地告诉你眼睛的形状，而是让你去观察眼睛的光泽，瞳孔的深邃，以及眼周肌肉的细微起伏，这让我第一次意识到，眼神能够传递如此丰富的情感信息。这种对细节的极致追求，让我对素描这项艺术有了全新的认识。我曾经觉得，素描作品的好坏，很大程度上取决于画得有多“像”，但这本书让我明白，更重要的是你是否“画出了”事物的灵魂。它鼓励我放下对完美复制的执念，而是去捕捉事物的神韵和内在的生命力。每一次翻阅这本书，我都能从中获得新的启发，我的观察力在不知不觉中得到了极大的提升，我开始在日常生活中，用一种更加审慎和细致的目光去打量周围的一切，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分在我看来，这本书带来的改变，更像是打开了我感知世界的一扇新窗户，让我得以窥见那些平日里被我们匆匆忽略的美好。过去，我可能仅仅满足于看到一个物体的“是什么”，而这本书则引导我去思考“为什么是这样”，以及“如何成为这样”。它不是那种速成技法的堆砌，而是一种思维方式的启蒙。我尤其欣赏作者在处理“观察”这个环节上的细致入微。他并没有直接抛出大量的绘画技巧，而是花了很多篇幅去阐述如何“看”。例如，在描绘人像时，他会引导你去分析五官的比例关系，骨骼的结构，以及肌肉的走向，而不是简单地画出眼睛、鼻子、嘴巴的轮廓。这种从宏观到微观，从整体到局部的分析过程，让我意识到，真正的素描，是建立在对事物深入理解的基础上的。书中很多章节的结构都非常巧妙，循序渐进，但又充满了启发性。我记得有一段关于透视的讲解，之前我总觉得透视很难，但作者用非常形象的比喻和清晰的图示，让我一下子豁然开朗，原来透视并非高不可攀的理论，而是我们生活中随处可见的视觉规律。更重要的是，这本书鼓励我放下对“画得像不像”的执念，转而关注“画出了什么”。它让我明白，素描的魅力，不仅在于对形体的精准捕捉，更在于对光影、质感、以及事物内在精神的传达。每一次翻阅，我都能从中获得新的感悟，我的观察力在不知不觉中得到了极大的提升，我开始在日常生活中，用一种更加审慎和细致的目光去打量周围的一切，仿佛我手中的画笔，已经悄悄地在我心中生根发芽。
评分闲时翻几页看看自己的结构也挺好的
评分很详尽的工具书，这与其说是教科书，不如说是工具书，详尽枯燥
评分还行，封面好看
评分不错。。。。。。。。。。。。。
评分超棒的一本专业书籍，内容翔实、丰富而专业
评分不开心了！大本开，阅读只能认真了，有图作解释。一本读完用时长？有读完的吗？
评分不错 活动购买 物美价廉 送货快
评分看不懂，是给孩子买的，希望对她有帮助
评分618活动棒棒哒，300-200很nice，但是优惠券不好抢啊
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